Enjeux de l’enregistrement en autonomie chez les étudiant.e.s en musique classique

En parallèle de mes études d’ingénieure du son, j’étudie la harpe. Comme tous les musiciens de mon niveau j’ai dû me confronter à l’exercice de l’enregistrement vidéo : d’une part pour pouvoir échanger avec ma professeure lors des confinements, d’autre part en tant que candidate à des concours d’entrée à des écoles supérieures.

C’est une tâche qui s’est avérée difficile. Du point de vue technique, je n’ai pas rencontré de difficultés pour mettre en œuvre les consignes d’enregistrement, mais être de l’autre côté des micros a soulevé beaucoup d’interrogations : quelle qualité sonore présenter, comment gérer son temps et son travail, comment se préparer, comment rester concentrée lorsqu’on joue sans public, vaut-il mieux s’enregistrer soi-même…?

En septembre 2022 j’ai débuté un bachelor de harpe à la Haute École de Lucerne (HSLU). En arrivant sur place j’ai découvert que les étudiants avaient accès en libre-service à du matériel d’enregistrement : des enregistreurs portables mais aussi des cartes son et des microphones. Tout est fait pour que les étudiants puissent s’enregistrer en autonomie. Après des échanges avec mon entourage et plusieurs étudiants, j’ai constaté qu’ils rencontraient les mêmes problématiques que moi et j’ai décidé de m’interroger sur leurs pratiques d’enregistrement.

À  notre  connaissance,  peu  de  recherches  ont  été  réalisées  sur l’auto-enregistrement, notamment dans le domaine de la musique classique. C’est pourquoi nous nous sommes intéressés à ce sujet et avons opté pour une approche assez large de cette thématique.

Dans un premier temps, grâce à une revue de recherches scientifiques et de livres, nous contextualiserons le besoin de s’enregistrer. Une seconde partie d’analyse de données collectées auprès de différents concours permettra de mieux comprendre les consignes auxquelles doivent faire face les musiciens. Avant de conclure, nous étudierons les stratégies et les problématiques d’enregistrement à l’aide d’entretiens réalisés auprès de huit étudiants.

Première partie : contextualisation de l’étude et revue de la littérature

Cette partie s’intéresse aux différents rapports qu’entretiennent les musiciens avec l’enregistrement. Nous allons d’une part observer comment cette pratique s’intègre actuellement au monde professionnel, dans un second temps nous intéresserons à la performance musicale et à sa préparation.

I. Être musicien

Les études supérieures dans le domaine de la musique classique sont en plein essor. Au Royaume-Uni par exemple, ce domaine a connu un changement d’échelle, de diversité et d’objectifs sans précédent au cours des trois dernières décennies. Le nombre d’étudiants a énormément augmenté, il a même presque doublé en un siècle (Thomas, 2002). Avec cette augmentation, la gamme de diplômes en musique et la variété de ses objectifs se sont eux aussi accrus (Hewitt, 2009).

1. Perspectives d’emploi

En France, dans le domaine de la musique classique, on distingue trois statuts dans le secteur de l’interprétation : les musiciens indépendants, qui sont rémunérés exclusivement aux cachets sans avoir recours à l’intermittence, les membres permanents d’orchestre et les intermittents du spectacle (Pégourdie, 2015). L’emploi permanent en orchestre concerne toutefois 5% des musiciens interprètes. Les musiciens classiques peuvent aussi vivre pleinement ou partiellement de l’enseignement. (Coulangeon, 2004)

À l’étranger, les musiciens classiques tendent à être entièrement ou partiellement auto-entrepreneurs et cumulent plusieurs emplois allant de l’enseignement à la performance (Bennett, 2008 ; Cottrell, 2004 ; Gembris, Langner, 2005 ; Yoshihara, 2007). Selon le Musician’s Union (2012), seulement 10% des musiciens interrogés au Royaume-Uni étaient des salariés à plein temps. Les principales sources de revenus sont la performance et l’enseignement, suivis de la composition. Les musiciens classiques doivent alors construire leur carrière comme des entrepreneurs pour réussir (Beeching, 2010). Il est donc important pour eux de savoir se promouvoir grâce aux différentes formes du marketing (Mäkinen, 2012 ; Jarvin, Subotnik, 2010). Beaucoup de ces musiciens se décrivent comme des produits qui doivent être vendus (Scharff, 2015).

Les établissements supérieurs d’enseignement musical ont réagi à cette transformation néolibérale des marchés du travail par l’introduction de programmes

d’études en entrepreneuriat, visant à enseigner aux étudiants le développement d’identités de carrière fortes, adaptables et entrepreneuriales et la création d’emplois artistiques pour eux-mêmes afin de faire face aux réalités d’un marché du travail en diminution (Essig, 2017).

2. Être musicien indépendant

Beaucoup de jeunes musiciens pensent que leur travail consiste à travailler leur instrument et à jouer en concert, mais gérer sa publicité fait aussi partie des compétences nécessaires (Beeching, 2010). Pour répondre au besoin de se promouvoir et se créer un réseau de travail, Internet est devenu l’outil le plus indispensable. Le musicien se doit d’avoir un site web accessible avec un curriculum vitae, une biographie, un portfolio et des informations actualisées (Hugill, 2018). Il peut en plus se promouvoir via un listing par mail ou encore par les réseaux sociaux (Hugill, 2018 ; Beeching, 2010). Les mailing lists sont importantes pour annoncer les prochains concerts et partager ses enregistrements, cela sert à se créer une audience. Être présent sur les réseaux sociaux est également une nécessité aujourd’hui. Les musiciens avisés utilisent Facebook, Myspace, LinkedIn, Twitter ou encore Youtube. Les médias traditionnels tels que l’affichage et la presse écrite sont aussi un bon moyen de se créer une audience et de faire sa promotion à chaque événement de sa carrière (Beeching, 2010).

3. Auditions d’orchestre

Avec la standardisation des procédures de recrutement dans les orchestres, obtenir un poste est devenu très compétitif. Aux États-Unis par exemple, une audition pour un poste de flûtiste attirait moins de 30 participants dans les années 1970. En 2002, la même offre attire 70 à 90 participants et cela peut même monter au-delà de 200 participants pour certains orchestres (Buck, 2003). La plupart des musiciens commencent à participer à des auditions d’orchestre pendant leurs études, certains obtiennent même un poste au cours de leurs études. Il est généralement demandé d’envoyer un curriculum vitae, les candidats sont donc supposés avoir eu une expérience d’orchestre avant de se lancer dans le métier (Toskov, 2010).

L’expérience est primordiale pour réussir. Se former à l’orchestre en contexte, en dehors de l’école, est très important car, au-delà des compétences liées à la technique et à l’instrument, il faut apprendre à faire partie d’une communauté et à jouer avec l’orchestre. Il y a des codes, une hiérarchie à suivre, des protocoles et des obligations envers les autres. Les étudiants sont habitués à être en compétition,

mais à l’orchestre, l’unité de son est primordiale et les musiciens doivent se soumettre à un ensemble plus vaste (Johnsson, Hager, 2008).

Dans une démarche pédagogique, beaucoup d’orchestres organisent des auditions spécialement pour les étudiants afin de leur donner la chance de faire partie d’un orchestre professionnel. L’étudiant continue ses études tout en étant considéré comme un membre de l’orchestre pour une période définie, allant d’un à quatre semestres (Toskov, 2010). Dans la suite de ce mémoire, ces stages au sein de la saison de l’orchestre seront appelés par le terme allemand Praktikum, Praktika au pluriel, qui n’a pas de terme équivalent français dans ce contexte précis.

4. Enregistrer, pour quoi faire ?

Enregistrer s’avère nécessaire pour bien des occasions : présélections d’auditions, de compétitions, d’écoles de musique et de festivals, confection des maquettes pour être programmé, pour contacter la presse et avoir des critiques ou des articles, documentation des compositions originales, vente d’enregistrements après des concerts, en ligne ou dans des magasins locaux, pour l’obtention de bourses ou d’un poste d’enseignement. C’est un outil promotionnel plus qu’une source de revenus (Beeching, 2010).

Dans le cadre des concours et des auditions d’orchestre, l’enregistrement a fait son apparition au début des années 1980 aux États-Unis. À cause du nombre croissant de candidats et du temps de plus en plus limité, il a fallu trouver un moyen de présélectionner les candidats avant de les convier à la compétition. Les enregistrements sur cassettes ont alors commencé à faire office de premier tour de sélection (Buck, 2003 ; McCornick, 2008). Les premières compétitions historiques qui utilisent ce procédé de présélection sont le concours de piano Cliburn, puis les concours Honens et Rostropovich (McCornick, 2008).

Au-delà de la simple phase de présélection on voit maintenant apparaître des compétitions intégralement en ligne. Ce procédé permet de réduire les coûts à la fois pour les participants et pour les organisateurs, en évitant les frais de transport, d’hébergement et la logistique de transport pour certains instruments (Tokay, 2020 ; Berehova, Volkov 2019). Ces compétitions servent à dénicher de jeunes talents dans des tranches d’âge variées. Grâce à l’enregistrement, elles sont ouvertes à la mondialisation et touchent un large public (Tokay, 2020).

II. La performance musicale

a. La performance

Une performance publique et un enregistrement sont deux situations distinctes pour 97,4% des musiciens (Fabian, 2008). Il y a deux différences principales entre l’enregistrement studio et le live : premièrement, un enregistrement peut être réécouté de nombreuses fois, contrairement à une performance live. Deuxièmement, en studio, l’artiste est libre de répéter chaque passage jusqu’à ce qu’il soit satisfait, ce qui est impossible en concert. D’après les études de Fabian (2008), six thématiques répondent aux différences entre les deux pratiques : la prise de risques, la nervosité, la répétition, la précision technique, l’impact du public, et le cumul de la spontanéité et de l’excitation.

Avant les possibilités d’édition actuelles, les musiciens subissaient lors de l’enregistrement la même pression que lors d’un concert. Enregistrer avec peu ou pas de montage en post-production peut rendre les musiciens nerveux et prudents, réticents à prendre des risques si les erreurs ne peuvent être corrigées ensuite, car l’artiste a en permanence conscience qu’à la moindre faute il devra tout recommencer (Philipp, 2004). En effet, l’enregistrement enferme les musiciens dans un état de conscience de soi (Tomes, 2009). Même avec la possibilité de corriger, ils estiment en grande partie prendre moins de risques en studio qu’en concert, ce qui pourrait s’expliquer par des contraintes de temps et de budget (Fabian, 2008).

La pression s’est accrue au cours de ces soixante dernières années car le niveau d’attente a augmenté au fil du temps : il est de moins en moins acceptable d’entendre des fautes ou des problèmes d’intonation sur un enregistrement professionnel. Les disques sont aujourd’hui les témoignages d’une technique musicale parfaitement maîtrisée (Philipp, 2004). Paradoxalement, malgré les progrès techniques et la volonté d’un résultat musicalement parfait, dans le domaine classique l’enregistrement est souvent associé à un idéal de prise unique, sans montage. L’idée d’une performance construite qui n’a jamais existé est souvent questionnée (Greig, 2009). Enregistrer des petits fragments est pourtant une méthode qui a fait ses preuves (Hill, 2009 ; Tomes 2009). Elle a cependant ses avantages et ses inconvénients. D’une part, répéter certains passages rend à force le jeu plus guindé (Hill, 2009), néanmoins accepter que l’enregistrement soit artificiel permet d’utiliser cet outil de manière optimale (Tomes, 2009).

Lors d’une performance, les musiciens sont dans un état libre de toute distraction. Le temps semble suspendu, le corps travaille facilement tandis que l’esprit est calme et réceptif. Les psychologues parlent d’un état de flow dans lequel la concentration et la créativité sont à leur paroxysme. Une performance optimale n’est pas nécessairement techniquement parfaite, elle est idéale par la qualité de l’état

d’esprit. Lorsqu’un musicien se focalise sur la perfection technique, il ferme la porte à un élément essentiel à la performance : la liberté de contrôler sa pensée (Beeching, 2010).

En rapprochant ces propos de ceux de Philipp (2004) et Tomes (2009), on peut déduire qu’en enregistrement, l’état de flow est plus difficile à atteindre pour le musicien, car il aura plutôt tendance à rechercher une technique parfaite et à éviter les fautes. La différence d’état d’esprit est donc conséquente entre une représentation publique et un enregistrement. Ce dernier reste pourtant un moyen d’expression privilégié par certains musiciens, comme Glenn Gould, qui a préféré continuer sa carrière en tant que musicien studio à cause du trac (Beeching, 2010).

b. Le trac

Le trac est la peur ou l’angoisse que l’on ressent avant d’affronter le public, de subir une épreuve (Le Robert, 2023). Si l’on complète cette définition par les recherches de Ville (2020), le trac induit une perte de contrôle à travers des symptômes psychologiques et physiques, ce qui cause aux musiciens de nombreuses difficultés. Lehrer (1988) a identifié plusieurs inquiétudes des artistes liées à la performance : la peur d’être anxieux, d’être distrait, d’avoir des trous de mémoire, d’être critiqué par les autres et de posséder des capacités musicales insuffisantes.

Le trac n’a pas forcément des conséquences négatives. Il peut par exemple donner aux performances l’énergie qui peut manquer dans un enregistrement studio (Beeching, 2010). Reprendre le contrôle sur son stress permet d’en exploiter le potentiel positif, cela donnerait aux musiciens la possibilité d’atteindre un état de concentration et d’attention idéal (Ville, 2020). L’état de flow précédemment évoqué nécessite un travail émotionnel en amont de la prestation ayant comme base l’acceptation du stress (Green, Gallwey, 1986). Lors de leurs recherches, Spahn, Walther et Nusseck (2016) ont mis en place un cours d’entraînement aux auditions pour les étudiants en musique. Les cours ont permis aux étudiants une réduction des symptômes d’anxiété de la performance. Ils se sentent moins aliénés par le stress, subissent notamment moins de problèmes physiques comme des tremblements ou les mains moites, et sont plus satisfaits de leurs performances.

D’après Ville (2020), trois variables expliquent l’intensité du stress selon son contexte : l’enjeu de la performance (concert ou audition), le degré d’exposition (orchestre ou soliste) et la nature de l’audience (expert ou amateur).

c. Acquérir de l’expérience

Pour améliorer leurs performances et acquérir de l’expérience, les étudiants en musique sont encouragés à prendre part à diverses activités en dehors de leur établissement ou de leur formation. C’est le cas des Praktika (Toskov, 2010). Il leur est aussi conseillé d’assister et de participer à des masterclasses (Rodabaugh, 2008).

Les compétitions sont aussi mises en avant. Elles constituent un outil pédagogique en encourageant les musiciens à faire des performances techniques et artistiques, leur permettent de construire leur confiance en eux et de leur faire réaliser leur potentiel. Les compétitions en ligne apportent en plus une notion d’auto-évaluation, c’est une occasion de voir ses forces et ses faiblesses (Tokay, 2020). Avec l’apparition d’internet et avant même le covid, ces compétitions ont connu un nouvel essor et se sont ouvertes à la mondialisation (Tokay, 2020). Elles permettent aux jeunes musiciens de mettre en avant leur talent, offrent de grandes opportunités au vainqueur telles que des programmations de concert, des concertos avec orchestre, des enregistrements, mais aussi de la visibilité et de la médiatisation (Beeching, 2010). Les prix permettent de lancer des carrières internationales (Tokay, 2020).

d. Préparation

Savoir jouer ses pièces n’est pas suffisant pour espérer gagner un concours, obtenir un poste, préparer un concert ou encore mener à bien un enregistrement. Dans la littérature, les conseils donnés aux musiciens pour préparer une échéance peuvent être très variables mais se rejoignent en certains points.

• Savoir jouer dans toutes les conditions. Il faut s’entraîner à tout ce qui peut-être source d’inquiétudes en jouant dans différentes acoustiques, le matin avant d’avoir chauffé, tard le soir ou encore en changeant aléatoirement l’ordre des pièces (Buck, 2003). Au lieu de chercher à se détendre, il faut apprendre à jouer avec les différents symptômes du stress tels que la bouche sèche, les tremblements et autres effets qui impactent la performance du musicien. Travailler la performance est différent de l’apprentissage des pièces. Une fois que les œuvres et tous leurs rouages sont sus, il faut s’entraîner à jouer sans s’arrêter (Rodabaugh, 2008).

• S’enregistrer. L’enregistrement peut aussi être utilisé dans le travail personnel. Il a beaucoup de bienfaits. Il est même recommandé de s’enregistrer lors des séances de travail. Cela permet de visualiser sa progression, de voir objectivement ses performances de jeu (Willson, Lang,

2021) et aide à savoir quels points de technique ou d’interprétation sont perfectibles ou doivent être retravaillés (Willson, Lang, 2021 ; Beeching, 2010). Il est recommandé de le faire avant un enregistrement en studio pour éviter le choc de son propre son (Beeching, 2010), mais aussi avant une audition d’orchestre, car c’est un aussi bon exercice que de s’entraîner à jouer devant des gens (Buck, 2003). Il n’est pas efficace de réécouter ses enregistrements directement après, pour être plus objectif il vaut mieux le faire quelques heures plus tard, voire un ou deux jours après (Buck, 2003 ; Beeching, 2010).

• Se préparer physiquement. Il faut faire du sport, du yoga, de la sophrologie, de la relaxation, avoir un bon régime alimentaire et un sommeil de qualité. On peut comparer cette préparation à celle d’un sportif avant une compétition (Buck, 2003 ; Prokop, Reitsamer, 2023 ; Rodabaugh, 2008 ; Güsewell, 2016). Certains pratiquent le yoga ou la sophrologie, d’autres adaptent leur régime alimentaire en évitant certains éléments nutritionnels (Güsewell, 2016).

• Se détendre mentalement. La méditation aide à focaliser son esprit et à avoir les idées claires (Buck, 2003 ; Prokop, Reitsamer, 2023)

• Organiser son temps. Les musiciens doivent aussi gérer d’autres activités que les auditions d’orchestres, telles que de la musique de chambre, des répétitions d’orchestre ou des performances, ce qui limite grandement le temps consacré à la préparation des auditions (Kegelaers, Hoogkamer, Oudejans, 2022). Dans le cadre d’un enregistrement, il est bien de planifier en amont l’ordre des pièces avec une durée approximative pour chaque pièce ou mouvement et s’y tenir. Si un passage, une section ou un mouvement n’est pas bon après 3 prises, il ne faut pas forcer les choses (Beeching, 2010).

• Privilégier la qualité du travail. Celle-ci peut se diviser en quatre catégories : établissement d’objectifs stratégiques, structure du travail, pratique du suivi et réflexion sur les progrès. Les étudiants établissent souvent des objectifs sur le contenu de ce qu’ils travaillent mais pas sur la manière de le faire, et beaucoup privilégient la quantité horaire sans faire de pauses. (Kegelaers, Hoogkamer, Oudejans, 2022). Güsewell (2016) remarque une absence de stratégie et de planification temporelle chez les étudiants et une différence de durée de travail en fonction de l’instrument pratiqué. Pour lui, un vrai lien s’opère entre l’organisation du temps et l’enjeu.

• Écouter des enregistrements. Cela permet d’améliorer : l’interprétation générale, l’expression, l’esprit, les dynamiques, les tempi à grande et petite échelle, l’articulation et le phrasé ainsi que le rythme. Les étudiants ont plus

tendance que les professionnels à modifier ces aspects de leur jeu en écoutant des enregistrements (Volioti, Williamon, 2017).

• Arriver dans les meilleures conditions. Il est important de trouver des techniques pour cela, comme la respiration, la relaxation, l’adoption d’une attitude positive, le lien social… La préparation est aussi importante que l’échéance. Si la préparation est bien faite, cela permet de limiter les incertitudes et les états affectifs négatifs (Güsewell, 2016). L’échauffement est une étape tout aussi importante qui permet au musicien de se mettre dans de bonnes conditions (Güsewell, 2016 ; Beeching, 2010).

Problématique

La recherche littéraire permet de tirer trois conclusions :

• Être musicien ne se résume pas à travailler des œuvres, il faut faire preuve de compétitivité et faire appel à d’autres compétences pour se créer un réseau de travail ou obtenir un poste. Cela s’applique dès les études où les musiciens prennent part à des concours d’orchestre, des Praktika ou des concours internationaux.
• L’enregistrement n’est pas une source de revenus, c’est un outil pour se mettre en avant, faire sa promotion mais aussi une porte d’entrée à un certain nombre de concours et d’opportunités.
• La situation d’enregistrement est très différente d’une performance publique pour le musicien et demande une préparation tout aussi exigeante. Les étudiants doivent apprendre à intégrer cet aspect du métier dans leur travail au même titre que les concerts et autres échéances.

Ces trois conclusions soulèvent plusieurs questions :

Comment la pratique de l’enregistrement s’intègre-t-elle à la formation des étudiants ? À quelles contraintes doivent-ils faire face ? Quels moyens ont-ils à disposition pour s’enregistrer ? Comment optimiser cette pratique ?

Nous tenterons d’apporter des éléments de réponse à ces interrogations au moyen d’une étude pratique fondée sur la collecte et l’analyse de données réalisée en deux étapes. Dans un premier temps nous nous pencherons sur un corpus de consignes d’enregistrements relatives aux différents types de concours auxquels les étudiants participent pour mieux appréhender les contraintes auxquelles ils doivent répondre. Dans une seconde partie, nous analyserons une série d’entretiens réalisés avec huit étudiants pour comprendre leurs pratiques. Enfin, dans une partie de discussion générale nous conclurons sur les phénomènes observés lors de notre étude et proposerons des solutions pour optimiser l’expérience d’enregistrement.

Deuxième partie : Analyse de consignes d’enregistrement vidéo

I. Cadre de l’étude

1. Méthode de collecte des données

Pour mieux comprendre les différents types d’enregistrements et leurs enjeux respectifs, nous allons dans cette partie nous intéresser aux concours auxquels participent les étudiants, et plus particulièrement aux consignes d’enregistrement qui leur sont imposées. Nous avons regroupé ces concours en cinq catégories :

• les concours pour entrer dans une formation apte à délivrer des équivalents de Licence et/ou de Master
• les académies : stages internationaux de musique, d’une durée de 4 jours à 2 mois qui s’adressent à des étudiants en école supérieure lors desquels ils reçoivent l’enseignement et l’accompagnement de professionnels
• les Praktika : immersion d’un étudiant dans un orchestre professionnel, pour une durée variant de 10 mois à 2 ans. Le stagiaire participe à la saison de l’orchestre dans un nombre prédéfini de services
• les concours internationaux de prestige
• les postes professionnels d’orchestre.

197 concours de ces différentes catégories ont été analysés en s’appuyant sur les sites de chaque établissement, académie, stage, orchestre ou concours international, ainsi que sur la plateforme de recrutement Muvac. Toutes les informations de recrutement et les consignes sont listées en Annexe 1.

Pour fixer un cadre d’études commun à celui des entretiens, nous avons décidé de nous limiter aux concours les plus accessibles pour un étudiant français ou suisse. Cela limite notamment les écoles supérieures aux établissements présents en France et en Suisse, il en va de même pour les académies nationales d’été. Voici le cadre d’étude des différents concours :

• Écoles supérieures : établissements d’enseignement supérieurs français et suisses, aptes à délivrer des diplômes degré Licence et/ou des Master
• Académies : académies européennes ou nationales dont les concours étaient ouverts pour l’été 2023 ou la saison 2023/2024
• Praktika : concours ouverts sur la plateforme Muvac pour la saison 2023-2024
• Concours internationaux : concours basés en Europe et qui ont lieu en 2023 ou en 2022 ou 2024, si le protocole du concours est encore ou déjà disponible

• Postes d’orchestre : concours ouverts au mois de février 2023 sur la plateforme de recrutement Muvac

2.    Échantillon d’étude

Ces graphiques représentent l’échantillon de données collectées et étudiées

L’analyse s’appuie sur un total de 50 consignes d’enregistrement vidéo.

II. Résultats

1. Procédés de recrutement

Le recrutement par vidéo est présent dans toutes les catégories de concours, mais il l’est particulièrement pour les académies d’été et les concours internationaux.

Les processus de recrutement sont parfois variables au sein d’une même institution en fonction de différents paramètres tels que l’instrument, le niveau ou encore le poste visé. Ainsi, dans les écoles, le CNSMD¹ de Lyon organise l’intégralité de ses concours d’entrée en présentiel, et demande à certains instruments en master de présenter des vidéos de présélection (Flûte, Clarinette, Hautbois, Trombone, Trompette, Alto, Violon, Violoncelle, Piano, Chant, Chant musique ancienne). À l’inverse, la HEM² de Genève organise l’intégralité de ses concours par vidéo, sauf le second tour des masters de musicien d’orchestre, de musique contemporaine, de soliste et les cursus d’accompagnateur au piano et de musique de chambre. On retrouve cette différence pour l’Académie de l’Orchestre de Paris, pour laquelle tous les instrumentistes doivent se présenter par vidéo, mais les cordes doivent effectuer un second tour en présentiel. Cette différenciation en fonction des instruments est aussi présente dans les concours d’orchestre. Pour le Gewandhausorchester les postes de 1^er violon tutti, 2^e trompette et tuba sont recrutés en présentiel, mais le poste de harpe solo est soumis à une présélection vidéo. Au NDR (Norddeutschen Rundfunks) Radiophilharmonie c’est le poste de 1er violon tutti qui est soumis à une présélection vidéo, mais pas ceux de chef d’attaque des violons 2 et de trompette solo. Enfin, l’Orchestre de Paris recrute le premier violon soliste par une présélection vidéo, mais la 3^e contrebasse solo en présentiel.

Certains concours ont des procédés de recrutement différents. Par exemple, le Gustav Mahler Jugendorchester, académie d’orchestre d’échelle européenne, organise une tournée pour son concours de recrutement. Les candidats sont conviés à passer l’épreuve en présentiel dans la ville de leur choix, mais à la place du jury se trouve une personne de l’organisation qui filme et enregistre les candidats un à un, dans des conditions égales pour tous. Pour d’autres concours, les musiciens ont le choix de se présenter par vidéo ou en présentiel, comme pour l’académie Verbier Festival Orchestra.

L’EUYO, European Youth Orchestra, travaille avec des organisations de recrutement propres à chaque pays. Ainsi, les modalités varient en fonction des pays. Partout, les candidats doivent passer un ou deux tours en présentiel, à l’exception de l’Espagne où le premier tour se fait par vidéo et le second en présentiel, et en Italie où les candidats sont jugés lors de deux tours d’affilée sur la même vidéo.

Pour une compétition internationale, les candidats ont le choix entre passer la présélection du concours par vidéo ou en présentiel. C’est aussi le cas pour le Rotterdam Philharmonic Orchestra, suite à la présélection par vidéo, les candidats ont le choix de passer le second tour en présentiel ou par vidéo.

On retrouve aussi des concours pour lesquels les vidéos sont recommandées mais pas obligatoires. C’est le cas de deux Praktika et de deux postes d’orchestre.

Dans la suite de cette partie, les chiffres entre parenthèses sont utilisés pour compléter le référencement des concours qui peut être retrouvé en Annexe 1.

2. Consignes d’enregistrement

La taille des consignes est disparate, variant d’une ou deux phrases à une page entière d’indications et de règles à respecter.

On peut ainsi trouver des indications qui ne se résument qu’à quelques phrases, parfois même une seule :

• “Please provide recent video recording(s) of the performance of two representative pieces or movements (total length approx. 8–15 minutes).” (12) (Veuillez fournir un ou plusieurs enregistrements vidéo récents de l’interprétation de deux pièces ou mouvements représentatifs (d’une durée totale d’environ 8 à 15 minutes).)
• “Die   Aufnahme   darf   nicht   geschnitten   oder         bearbeitet    werden.”      (13)

(L’enregistrement ne doit pas être coupé ou édité)

• “Wir bitten um Bereitstellung eines ungeschnittenen und durchlaufenden Videos (« one-take » / « einfaches Handyvideo » ausreichend).” (16)
• (Nous vous demandons de fournir une vidéo non coupée et défilante (« one-take » / « simple vidéo de téléphone portable » suffit).)

Différentes thématiques se dégagent des consignes.

a. Prises

Le fait de rendre une ou plusieurs vidéos est rarement indiqué explicitement, il faut souvent déduire de l’utilisation du pluriel ou du singulier employé pour parler des vidéos. Les concours autorisent en grande majorité le candidat à effectuer des prises différentes pour chaque œuvre.

Certains concours imposent le rendu d’une seule vidéo tout en laissant au candidat la possibilité de faire des prises séparées pour les différentes pièces.

Une notion n’est présente que pour les académies : essayer de reproduire les circonstances d’une audition en présentiel (8, 14) en enchaînant tout le programme

sans coupure. C’est d’ailleurs la catégorie de concours qui, proportionnellement, demande le plus aux candidats d’enchaîner les pièces en une seule prise.

Deux concours mentionnent les prises uniquement audio. Un concours pour une académie d’été les accepte même si les vidéos sont conseillées (11) et un concours international présélectionne les candidats uniquement sur des enregistrements audios (20).

La possibilité d’enregistrer séparément les mouvements d’une même œuvre est très variable et est abordée par peu de concours.

Un concours pour lequel le candidat doit enchaîner le programme sans interruption, précise qu’il est libre de choisir l’ordre des morceaux (46). Rien n’est précisé pour les autres.

b. Montage

Presque tous les concours spécifient que l’enregistrement doit se faire sans montage ni coupure. Certains ajoutent que les effets de post production sont interdits.

Pour surveiller les montages, un concours impose une règle aux candidats :

• “Merci de laisser une horloge, un réveil ou un chronomètre bien visible dans le champ de la caméra afin de prouver l’absence de montage.” (8)

Pour dissuader les candidats, un autre affirme que des programmes vont être utilisés pour vérifier les tentatives de trucage (28). Deux concours affirment que la direction ou l’organisation du concours visionneront les vidéos en amont pour vérifier tout trucage (25, 30)

Un des concours demande au candidat de fournir une déclaration sur l’honneur :

• “Fiche de déclaration sur l’honneur à signer :

Par la présente, je certifie, que l’enregistrement effectué par moi-même/par notre institution pour le/la candidat(e) susnommé(e) répond aux exigences citées dans le règlement du concours:

• L’enregistrement a été effectué sans montage.
• Ni la longueur ni la hauteur des tons n’ont été manipulées.” (31)

c. Cadrage

La majorité des consignes indique que la vidéo doit être filmée en plan fixe, et que le candidat doit être visible à tout moment. On trouve aussi d’autres consignes de cadrage : pas d’indications sur la vidéo, ni de mention de l’établissement d’origine du candidat (25, 32), prises de vue multiples autorisées (39, 45), angle de prise de vue de 45° (31), visibilité de l’instrument dans sa totalité (48), fond de la vidéo le plus propre possible (23), candidat debout si l’instrument le permet (3), si possible au moins 3 mètres entre la caméra et le candidat (3).

Les concours internationaux et les écoles supérieures donnent beaucoup d’indications quant au cadrage, mais concernant les autres concours peu de consignes sont données.

Un repère de 3 mètres est indiqué deux fois pour aider les candidats à placer la caméra (3, 14). Une autre indication vise à aider les candidats :

• “the more reverberative the room, the closer you will need to be to the camera (usually 3 metres or 10 feet).” (14)

(plus la pièce est réverbérante, plus vous devrez être proche de la caméra (généralement 3 mètres).)

Un autre concours (23) fournit une photo pour montrer le cadrage souhaité :

d. Matériel

Les attentes concernant le matériel utilisé varient selon les consignes. Si beaucoup de concours n’apportent aucune précision à ce sujet, ou stipulent que les moyens techniques ne sont pas pris en compte par le jury, certains donnent des conseils ou même des règles assez strictes.

Ainsi, une école (3) impose aux candidats de s’enregistrer avec du matériel grand public (smartphones, tablettes, appareils photos, ordinateurs, Zoom) pour mettre les candidats sur un pied d’égalité. Ils ont interdiction de s’enregistrer avec plus de deux micros et d’avoir recours à un professionnel.

Au contraire, plusieurs concours d’écoles et d’académies recommandent vivement de s’enregistrer avec des microphones mais acceptent tout de même les vidéos enregistrées avec du matériel grand public. Certains précisent qu’une vidéo enregistrée au téléphone est suffisante (8, 11, 16, 17, 18, 19), même si une vidéo et/ou un son de qualité est préférable (8, 15, 17, 19). Les concours d’orchestres ont des recommandations tout aussi diverses.

Pour les concours internationaux, il est plutôt recommandé d’envoyer des vidéos professionnelles. Deux concours indiquent que la qualité n’a pas d’impact sur le jugement (42, 44) ou qu’elle n’a pas besoin d’être professionnelle (43) :

• “You will not be penalised for the quality of your video, although it is important that it is good enough to see and hear you clearly.” (42)

(Vous ne serez pas pénalisé pour la qualité de votre vidéo, mais il est important qu’elle soit suffisamment bonne pour qu’on puisse vous voir et vous entendre clairement.)

• “Recording should be a fair representation of the contestants’ abilities, but don’t need to be of a professional quality.” (43)

(Les enregistrements doivent représenter fidèlement les capacités des candidats, mais n’ont pas besoin d’être de qualité professionnelle.)

• “Home-made or professional : It is up to you. Videos can be made with consumer cameras, camcorders, mobile phones, tablets, as well as professional equipment.” (44)

(Fait maison ou professionnel : c’est à vous de décider. Les vidéos peuvent être réalisées avec des appareils photo grand public, des caméscopes, des téléphones portables, des tablettes, ainsi qu’avec du matériel professionnel.)

Les autres concours internationaux recommandent des vidéos et/ou un son de qualité en conseillant : des microphones de qualité (21, 24), de ne pas utiliser de matériel grand public (21, 31), de travailler avec un professionnel (36) ou de faire une “vidéo aussi professionnelle que possible” (35).

e. Plateforme

Pour les écoles, les académies et les concours internationaux il est demandé de mettre la ou les vidéos sur une plateforme tout public, parfois en imposant Youtube, et d’indiquer le lien au moment de l’inscription. Une seule école demande d’envoyer directement la vidéo en format mp4, avec une taille n’excédant pas 2,5 Go (6). Pour les postes d’orchestre, la plateforme Muvac est aussi utilisée pour transmettre les vidéos.

Pour les vidéos mises en ligne, le candidat doit parfois mettre les repères de durée dans la description, et mettre les vidéos en mode “non répertorié”.

Une autre contrainte s’ajoute pour les concours : les droits sur les vidéos. Deux concours (24, 36) demandent à ce que les vidéos ne soient pas soumises au copyright. Deux autres (25, 30) stipulent que les vidéos sont la propriété du concours jusqu’à sa fin et demandent au candidat de ne pas les diffuser. En effet, plusieurs concours diffusent les vidéos des candidats sur les réseaux sociaux ou sur leur site internet.

f. Cadre d’enregistrement

Il est parfois demandé d’enregistrer spécifiquement les vidéos pour l’occasion. C’est le cas de deux concours internationaux (29, 38) ainsi que d’une école (6).

• “Les vidéos issues de concerts publics ne seront pas prises en considération. Au début de chaque vidéo, le/la candidat.e donne son nom et son prénom, indique le titre de l’œuvre, mentionne la date du jour de l’enregistrement et précise que l’enregistrement est destiné à la HEM.” (6)

Cette même école interdit les vidéos issues de performances publiques. Dans beaucoup de concours cette situation n’est pas spécifiée. Une académie (11) et des concours internationaux (21, 31, 32, 38) spécifient l’autorisation d’utiliser ce type d’enregistrement.

Du côté des concours d’orchestre aucune information n’est donnée sur le cadre d’enregistrement.

On trouve dans beaucoup de cas une contrainte temporelle : vidéos datant de moins de 6 mois (38), de moins d’un an (20, 22, 31, 32, 37, 42), de moins de deux ans (35,

40, 44) et même de moins de 3 ans (39).

• “You can submit a video made anytime from 2021 and later, but it has to match with your age category on the day you submit your application.” (44) (Vous pouvez soumettre une vidéo réalisée à partir de 2021, mais elle doit correspondre à votre catégorie d’âge le jour où vous soumettez votre candidature.)

Un autre impose que la vidéo n’ait jamais été publiée auparavant (22). Pour certains il faut spécifier le lieu et la date de l’enregistrement (36, 39, 41).

• “For each file, the candidate must certify its authenticity and that he/she is the soloist […] The videos may be recorded in different places and on different occasions.” (36)

(Pour chaque fichier, le candidat doit certifier son authenticité et qu’il est bien le soliste […] Les vidéos peuvent être enregistrées dans différents lieux et à différentes occasions.)

g. Accompagnement piano

Les quelques données concernant l’accompagnement par un pianiste indiquent des informations contraires, quel que soit le type de concours. Quatre concours laissent au candidat la possibilité au candidat de jouer seul s’il ne peut être accompagné (1, 2, 10, 19). Certains interdisent l’accompagnement (3, 14, 46, 49). Le concours n°3 autorise l’accompagnement uniquement pour le chant, le violoncelle, le violon et l’alto. Dans d’autres cas, l’accompagnement est obligatoire (38, 40, 47). Cela ne concerne que deux concours internationaux et un concours d’orchestre.

h. Conseils

Quelques concours donnent des conseils aux candidats.

• “Sur l’appareil ou sur l’application que vous utilisez, le réglage automatique du niveau d’enregistrement doit être désactivé dans la mesure du possible pour rendre les nuances audibles. Vérifiez en jouant un passage piano et un passage fortissimo que toutes les nuances sont audibles sans déformation. Soyez très attentif à la réverbération et à la taille de la salle où vous enregistrez la vidéo, et à la distance entre vous et la caméra (qui doit si possible être au moins de 3 mètres).” (3)

Deux académies abordent la sonorité de la salle.

• “Merci de filmer dans une pièce présentant une acoustique sèche ou medium (pas de réverbération du son) “ (8)
• “Please take into account the size of the room and its acoustic” (14) (Veuillez tenir compte de la taille de la pièce et de son acoustique.)

Pour les concours d’orchestre et les concours internationaux peu de conseils sont donnés. L’un d’eux fournit un tutoriel vidéo pour aider les candidats à s’enregistrer (38). Un autre donne quelques conseils aux candidats :

• “To ensure that poor recording quality does not interfere with the jury’s ability to review the material, avoid distortion, and ensure that the accompaniment is not louder than the applicant.” (42)

(Veiller à ce que la mauvaise qualité de l’enregistrement n’empêche pas le jury d’examiner les documents, éviter les distorsions et veiller à ce que l’accompagnement ne soit pas plus fort que le candidat.)

Un autre (44) indique que le candidat doit être bien habillé.

Une des académies (9) et un concours international (38) fournissent chacun un guide d’enregistrement sur leur site internet.

i. Format

La spécification des formats est plutôt propre aux concours internationaux. Les quelques informations données sont précises.

• “Video quality – 720p or 1080i or 1080p
• Audio quality – PCM, flac, mp3 min. 256kbps or aac min. 192kbps
• Microphone of adequate quality (no built-in microphones in mobile devices)
• File format – mp4, mov, avi, mpg or mkv” (21)
• “Resolution : 1920 x 1080 (horizontal)
• Framerate : 25 (progressive, not interlaced)
• Audio : Stereo (AAC)
• Video codec : H.264/H.265 at 8Mbps
• Video container / extension: MP4” (23)

j. Présentation

Certains concours demandent au candidat de se présenter et/ou de présenter les pièces au début de la vidéo. C’est le cas de quatre écoles (1, 4, 5, 6) et d’une académie (17). Un concours international demande aux candidats de filmer le flyer du concours au début de la vidéo (29).

III. Discussion

1. Procédés de recrutement

L’enregistrement est une pratique bien implantée dans le monde des concours et il semble difficile de l’éviter. Sur les 197 concours étudiés, 41% intègrent l’enregistrement dans au moins une étape de sélection. L’analyse des concours d’orchestre tend à montrer que les candidats doivent savoir s’adapter et être performants aussi bien lors des auditions en présentiel que lors des enregistrements vidéo pour obtenir un poste.

Les procédures de concours sont variables en fonction des instruments. Malhotra (1981) nous explique la hiérarchie des instrumentistes au sein de l’orchestre : le premier violon solo est le musicien au sommet de la hiérarchie, suivi dans l’ordre des premiers solistes de chaque instrument, des co-solistes, des anciens membres, des plus récents et des étudiants. Si l’on s’appuie sur les trois concours d’orchestre où les procédés de recrutement varient en fonction des postes, on peut conclure que l’étape de présélection ne dépend pas de la hiérarchie au sein de l’orchestre, mais que le processus de recrutement est propre à chaque institution. Cependant, le faible échantillon d’étude ne permet pas de tirer de conclusions sur ce phénomène.

Plusieurs hypothèses peuvent être formulées pour les autres types de concours. La différenciation entre les instruments pourrait se faire soit à l’appréciation des professeurs dans le cas des écoles, soit par souci d’organisation en fonction du nombre de candidats attendus dans les différentes catégories instrumentales.

2. Consignes d’enregistrement

La grande variabilité de la taille des consignes d’enregistrement peut impacter le candidat. En effet, des consignes très courtes pourraient lui donner l’impression de ne pas savoir précisément quoi envoyer. Au contraire, des consignes très longues peuvent l’empêcher de se consacrer pleinement à la musique pour se concentrer sur un cahier des charges très précis, mais cela peut aussi donner l’impression d’être guidé précisément dans les étapes de l’enregistrement. Beaucoup de consignes n’indiquent pas explicitement s’il faut rendre une ou plusieurs vidéos, ce qui peut mettre le candidat dans une situation d’incertitude. Devoir réunir toutes les œuvres en une seule vidéo lorsqu’elles ont été enregistrées séparément implique un travail de post-production pour le candidat qui doit savoir faire l’opération ou faire appel à quelqu’un.

Les deux concours acceptant ou imposant les prises uniquement audios sont comparables à une audition derrière paravent au cours de laquelle le jury ne voit pas le candidat et son anonymat est préservé. Elles laissent toutefois moins de chances au jury ou à l’organisation de repérer d’éventuels montages ou tricheries.

Les consignes se montrent intransigeantes sur le montage et plus généralement sur le travail de post-production. Un doute subsiste : lorsqu’il n’est pas indiqué que les effets de post-production sont interdits, les candidats sont-ils autorisés à traiter le son avec par exemple une réverbération artificielle ou un EQ (égaliseur) ?

Les consignes de cadrage sont assez générales. Elles ne se contredisent pas et semblent simples à appliquer.

Si les indications de qualité et de matériel sont variables, elles laissent tout de même le candidat libre de l’équipement utilisé dans la plupart des cas. Cependant, un son de qualité est souvent recommandé, ce qui implique que les musiciens aient à leur disposition du matériel et sachent s’en servir ou puissent faire appel à quelqu’un pour les aider.

Du côté des concours internationaux, deux catégories se distinguent. D’une part, les concours internationaux de prestige qui ont leur place depuis plusieurs années dans le paysage de la musique classique, d’autre part les concours qui se déroulent uniquement par vidéo. Alors que dans le premier cas, les vidéos ne sont qu’une étape de sélection parmi bien d’autres épreuves et qu’un enregistrement de qualité professionnelle est attendu, dans le second cas les critères de qualité sont bien plus faibles. Cela pourrait s’expliquer par l’exigence et la renommée des concours concernés d’un côté, et au contraire l’envie de rendre le concours accessible au plus grand nombre de l’autre, côté comme le soulignait Tokay (2020).

Concernant les formats, les termes employés sont techniques. On peut supposer que “Framerate : 25 (progressive, not interlaced)” et “Video codec : H.264/H.265 at 8Mbps” ne sont par exemple pas compris par tous les candidats.

La présentation au début des vidéos peut compliquer la période de concours pour un candidat qui souhaiterait par exemple utiliser ses enregistrements pour plusieurs écoles car les consignes ne sont pas toutes compatibles de ce point de vue. C’est un choix volontaire de certains concours qui demandent d’être nommés au début de la vidéo.

Troisième partie : Entretiens

I. Méthode de collecte des données

1. Technique d’entretiens

L’objectif de l’étude étant de documenter précisément les pratiques d’enregistrement des étudiants, nous avons choisi de fonder la base de notre recherche sur la technique de l’entretien. Comme l’expérience d’enregistrement peut être très variable et propre à chaque personne interviewée, il nous a semblé judicieux d’opter pour des entretiens semi-dirigés. Un guide d’entretien (Annexe 2) a été rédigé préalablement mais l’ordre des questions est variable pour s’ajuster le plus naturellement à la conversation. Des questions peuvent être ajoutées si l’interlocuteur aborde une thématique qui n’est pas dans le guide d’entretien car cela peut amener de nouvelles idées à étudier. Des questions peuvent aussi s’ajouter au fur et à mesure des entretiens si de nouvelles interrogations sont soulevées par les interlocuteurs précédents.

2. Procédure

Ayant dans notre entourage des connaissances dont les profils correspondent tout à fait aux critères définis dans cette étude, nous avons directement pris contact avec eux. Ils ont été mis au courant de l’objectif de l’étude et de la durée approximative de l’entretien, mais pas des questions posées. Ils ont été informés du cadre institutionnel de l’étude et nous avons pu adopter une attitude tout à fait formelle au cours des entretiens. Avec l’autorisation des participants, les entretiens ont été enregistrés pour être ensuite retranscrits. Ils ont eu lieu en grande partie à la Haute École de Musique de Lucerne dans des salles de travail. Deux entretiens ont été réalisés directement chez les participants et un autre par téléphone pour des raisons pratiques. L’anonymat a été garanti aux participants pour les inciter à s’exprimer plus librement.

3. Choix des participants

Nous avons fait appel à huit étudiants pour qu’ils nous fassent part de leurs expériences et de leur point de vue sur le sujet étudié. Le choix des participants s’est fait selon plusieurs critères. Chaque participant devait parfaitement parler le français pour pouvoir mettre en regard les propos des uns et des autres. Chacun devait être inscrit dans un cursus d’études supérieures en musique classique. L’instrument, le nombre d’années d’études ainsi que le nombre et le type d’expériences d’enregistrement  étaient  des  aspects  que  nous  souhaitions  volontairement

hétérogènes sur l’ensemble des participants. Nous avons toutefois respecté une parité de genre en interrogeant quatre hommes et quatre femmes. En amont de chaque entretien, nous avons échangé avec les participants pour cerner de manière succincte leur parcours, leurs expériences et leur intérêt pour le sujet.

4. Profil des participants

Les tableaux ci-dessous présentent les différents participants. Le numéro attribué à chaque participant servira de code pour rendre plus fluide la présentation des résultats.

Participant	Âge	Instrument	Expériences d’enregistrement
1	23	Trompette	8 ou plus
2	24	Piano	2
3	23	Accordéon	4
4	19	Trompette	1
5	26	Harpe	5
6	25	Flûte	6
7	24	Basson	3
8	25	Direction d’orchestre (saxophone)	8 ou plus

Un participant étudie plusieurs disciplines. Sa discipline secondaire est marquée entre parenthèses dans le tableau ci-dessus.

Participant	Niveau d’études	Nombre d’années d’études en supérieur	Établissements fréquentés
1	Bachelor	2	Hochschule Luzern, Lucerne (Suisse)
2	Bachelor	3	Hochschule Luzern, Lucerne (Suisse)
3	Bachelor	4	Hochschule Luzern, Lucerne (Suisse)
4	Bachelor	3	Hochschule Luzern, Lucerne (Suisse)

5	2nd Master	6	Hochschule für Musik, Karlsruhe (Allemagne) Trinity College of Music, Londres (Angleterre) Hochschule Luzern, Lucerne (Suisse)
6	Master	5	Hochschule Luzern, Lucerne (Suisse)
7	Bachelor	2	CNSMD, Lyon (France)
8	2nd Bachelor	8	Haute École de Musique, Lausanne (Suisse) Hochschule Luzern, Lucerne (Suisse)

II. Méthode d’analyse des résultats

1. Transcription des données orales

Nous avons réalisé les entretiens sur une durée de neuf mois entre octobre 2022 et juin 2023. La durée de chaque entretien est comprise entre 20 et 65 minutes. Nous avons par la suite procédé à la retranscription des données collectées à l’aide des enregistrements des entretiens. Par souci de clarté et pour faciliter l’analyse, nous nous sommes efforcés de gommer certaines marques d’oralité, fautes de langage, hésitations, onomatopées et ce, en restant le plus fidèle possible au discours original de l’interrogé.

2. Outil d’analyse : la théorisation ancrée

Pour procéder à l’analyse des entretiens nous nous sommes appuyés sur la méthode de la théorie ancrée. Cette méthode permet d’aboutir à une théorie sur un sujet à partir d’une analyse qualitative des données récoltées. Selon Paillé (1994), cette méthode d’analyse n’est pas l’analyse d’un contenu, mais un acte de conceptualisation. Sa particularité est la simultanéité de la collecte et de l’analyse. Nous avons donc procédé à la transcription des entretiens et à leur analyse à un intervalle régulier de deux entretiens, l’objectif étant de pouvoir orienter au mieux les entrevues suivantes.

Paillé (1994) distingue six étapes progressives dans la démarche d’analyse :

• La codification : découpage des transcriptions par lignes ou groupes de mots pour en dégager le propos (de quoi est-il question ?)
• La catégorisation : affinage de la phase de codification, l’analyse devient plus conceptuelle (quel phénomène se dégage de ces données ?)

• La mise en relation : recherche des liens entre les différentes catégories (pourquoi et comment sont-elles liées ?)
• L’intégration : délimitation de l’objet d’analyse (sur quoi porte l’étude ?)
• La modélisation : reproduction de la structure du phénomène en se basant sur les catégories identifiées précédemment (quelles sont les causes, les conséquences et les processus en jeu ?)
• La théorisation : étape finale

Afin de présenter notre analyse, nous avons choisi de regrouper nos résultats sous la forme de tableaux synthétiques. Chaque tableau correspond à une catégorie identifiée et regroupe les sous-catégories et les concepts émergents correspondants et leurs occurrences totales dans le corpus.

CATÉGORIE
Sous-catégorie 1	Concept émergent 1	partagé par…	occurrence totale
	…	partagé par…	occurrence totale
	Concept émergent N	partagé par…	occurrence totale
…	…	…	…
Sous-catégorie X	Concept émergent 1	partagé par…	occurrence totale
	…	partagé par…	occurrence totale
	Concept émergent N	partagé par…	occurrence totale

III. Présentation des résultats

27 concepts se sont dégagés, nous les avons regroupés en 3 catégories et 9 sous-catégories. Le tableau ci-dessous synthétise les résultats obtenus après analyse des données.

Catégories	Sous-catégories
CONTEXTE	Savoirs et capacités
	Enjeux
	Moyens à disposition
ENREGISTREMENT	Aspects techniques
	Organisation
	Résultat sonore
	Ressenti
PRATIQUE MUSICALE	Travail
	Performance

1. Contexte

CONTEXTE
Savoir et capacités	Accès à une formation	2,3,6,7,8	17
	Difficultés techniques	1,2,3,4,5,6,8	29
Enjeux	Occasions	1,2,3,4,5,6,7,8	51
	Évolution de la demande	1,3,4,5,6,7,8	25
	Moyens déployés	1,3,5,6,7,8	25
	Anticipation	1,2,6,7,8	15
Moyens à disposition	Moyens financiers	1,2,3,5,7,8	20
	Moyens matériels	1,2,3,4,5,6,7,8	19
	Système d’écoute	2,3,4,6,7,8	16
	Lieu	1,2,3,4,5,6,7,8	31

a. Savoir et capacités

✱ Accès à une formation

Les étudiants ont accès à des modules concernant les techniques du son au cours de leur formation d’instrumentiste. Les offres et formats de cours sont variables au sein des établissements.

• “C’était obligatoire pour tout le monde. Ils obligeaient aussi les programmes sur lesquels on devait travailler. C’est-à-dire qu’on avait aussi des cours d’écriture de partitions donc on était obligés de travailler sur Sibelius. […] On a appris à faire de la composition, de la MAO³, en MIDI. Nous sommes restés très en surface mais sur beaucoup de choses. C’était sur un an, on avait 2h par semaine. […] on a fait des sessions studios. On avait pris des titres connus on devait faire des covers et le but c’était d’organiser une session.” (8)

• “C’est un week-end où l’on découvre le matériel dont la HSLU dispose et on a tous manipulé, c’est en groupes et ils nous montrent comment faire. Certains étaient dans la régie et d’autres qui étaient dans des salles, on alternait les groupes entre ceux qui jouaient et les autres qui enregistraient.” (2)

Le format du cours influe sur l’apprentissage et la capacité à retenir les informations abordées dans le cours.

• “On a fait ça sur trois jours et évidemment après tu oublies tout. Franchement je ne saurais plus comment le faire. On a regardé les petites tables de mixage, je ne sais même plus comment le faire.” (3)

Deux musiciens ne sont pas intéressés par ces cours, optionnels dans certaines écoles.

• “C’est quelque chose qu’on prend en option, c’est en UV4⁴. Quand tu es bassoniste, tu as le basson baroque qui te tend les bras en UV4. On s’arrache les créneaux donc j’ai préféré privilégier le basson baroque.” (7)

✱ Difficultés techniques

Tous les participants à l’exception d’un éprouvent des difficultés à enregistrer car ils n’estiment pas avoir toutes les compétences nécessaires.

• “Ça me prend un temps fou de savoir où est le problème. Mais c’est aussi un problème de formation j’imagine. Entre savoir si c’est le câble, le micro, l’entrée XLR ou si c’est juste que Protools ne s’est pas bien lancé… Parfois je me prends la tête, c’est assez compliqué” (8)

• “Je me rends compte que c’est tout un monde et toute une formation qu’il faut avoir et en fait maintenant c’est ok de se dire je préfère me concentrer sur la partie artistique et c’est ok de ne pas tout savoir-faire.” (2)

Il en est de même pour la post-production.

• “Je ne fais pas de mastering et je ne fais pas un mix poussé du tout parce que je ne sais pas le faire” (8)

Deux étudiants estiment leurs connaissances suffisantes pour leur usage.

• “Pour la prise de son personnelle de mon instrument maintenant je sais faire, en tout cas je pense pouvoir faire quelque chose de tout à fait correct.” (1)

b. Enjeux

✱ Occasions

L’enregistrement est une pratique importante pour les musiciens, qui y sont confrontés lors de différentes occasions. Les raisons de s’enregistrer sont très variables, elles sont présentées dans le tableau ci-dessous.

Pour démarcher des festivals ou des concerts, une étudiante souligne l’importance de présenter des enregistrements.

• “Quand tu veux jouer à un endroit ça fait la différence d’envoyer un dossier avec au moins une petite vidéo de ce que tu sais faire” (2)

La création a une place importante dans les enregistrements réalisés par les participants. Elle est évoquée aussi bien pour le travail de Maturité, dans un cadre professionnel ou simplement pour le plaisir.

• “J’ai fait mon travail de Maturité, mon projet de fin de lycée. J’ai fait ça dans Audacity, c’était un livre audio avec de la musique de Schubert. J’ai fait du montage audio avec des enregistrements que j’ai mis avec une histoire que ma prof de flûte à bec a gentiment lue.” (6)

• “Ça m’est déjà arrivé d’enregistrer pour des compositeurs qui demandaient des improvisations pour un projet. La première fois il voulait de l’inspiration, il a utilisé les impros pour faire des compositions avec. Avec un autre compositeur on devait enregistrer des sons spéciaux avec nos instruments et il les utilisait pour faire une tape électronique.” (3)
• “Pour m’amuser je fais des maquettes un peu plus RNB où je chante” (1)

Dans le cadre de formation ou d’opportunités professionnelles, les enregistrements sont souvent imposés, notamment pour les concours d’entrée dans des écoles, les concours internationaux, les masterclasses, les académies, les postes d’orchestre et les Erasmus. Le suivi pédagogique grâce à l’enregistrement s’est mis en place lors des différentes restrictions liées au Covid mais cela reste un outil encore utilisé.

• “Après les masterclasses je garde des contacts avec les profs, des fois je leur envoie des vidéos et ils me font un retour” (8)

• “De temps en temps mon professeur me demande de m’enregistrer et d’écouter, voire de lui envoyer des enregistrements. Quand j’ai quelques cours qui sautent pour des raisons de tournée avec Radio France de son côté ou du mien avec des sessions d’orchestre, j’ai quand même un suivi pédagogique.” (7)

Enfin, l’enregistrement peut correspondre à une démarche de documentation personnelle.

• “J’ai aussi enregistré de temps en temps des concerts. Là c’était un concert spécial où j’ai joué de la musique de chambre et c’était unique, c’était pour avoir une trace des morceaux.” (5)

✱ Évolution de la demande

Presque tous les participants constatent une omniprésence du besoin d’enregistrement.

• “Aujourd’hui tous les concours sont par vidéo, enfin il y en a très peu où ça ne l’est pas, il faut rester ouvert à cette activité” (3)

Cette forte augmentation des besoins d’enregistrement est souvent attribuée au covid.

• “Les vidéos de concours ont connu un essor incroyable et démesuré avec le confinement et c’est encore le cas même si beaucoup de mesures sont levées voire toutes dans certains pays. La quantité d’académies qui fonctionnent par vidéo c’est hallucinant. Il n’y a presque aucune académie ou tu dois faire un concours en vrai.” (1)

Deux participants se montrent critiques sur les sélections organisées par vidéo, mais l’un d’entre eux y trouve tout de même des avantages.

• “Des fois c’est juste une phase de sélection, des fois c’est carrément le concours entier, tu gagnes un concours par vidéo. Ça existe, il y a beaucoup de concours par vidéo, et tu te dis mais qu’est-ce que c’est, est-ce qu’on fait de la musique ? Dans le classique moi je trouve ça un peu bizarre, pour pré-sélectionner pourquoi pas.” (1)

• “Je pense que ça peut être un atout et que ça a aussi beaucoup encouragé l’inscription de candidats de l’étranger parce que ça évite un déplacement. Ça évite de s’embêter. Au moins tu sais que tu travailles sur place et que ça ne te coûte rien de monter un programme de 1^er tour.” (7)

✱ Moyens déployés

En fonction de l’enjeu, les candidats ne s’investissent pas de la même manière dans l’enregistrement. Cet investissement se traduit par le choix du matériel utilisé.

• “Ça dépend de la qualité de l’enregistrement que je veux avoir et de ce que j’en fais après. Si c’est juste pour pouvoir participer à une masterclass je pense que mon zoom est suffisant, mais si par exemple c’est pour mettre une vidéo sur le site que j’aurais je pense que je ferais la chose différemment.” (3)

Quatre candidats préfèrent travailler avec un ingénieur du son en fonction du projet. L’ingénieur du son est privilégié pour mettre du contenu en ligne ou participer à des concours prestigieux.

• “Pour enregistrer un CD ou pour faire des bons enregistrements j’aimerais travailler avec quelqu’un. Si c’est un grand concours international je prendrais peut-être un ingénieur mais si c’est un concours d’entrée je ne pense pas. En fait, s’il y a beaucoup de gens qui peuvent l’écouter j’aurais plus tendance à enregistrer avec quelqu’un que si c’est juste pour un jury.” (5)

Les participants 2 et 4 souhaitent travailler avec un professionnel dans tous les cas.

• “Je ferais avec quelqu’un. Je serais là pour installer parce je trouve ça trop bien de pouvoir en parler avec la personne et de comprendre ce qui est bien, pourquoi le micro est mieux là, comment brancher ça… Mais je ne ferais pas ça toute seule, je ferais avec quelqu’un” (2)

✱ Anticipation

Parfois, les musiciens saisissent des opportunités qu’ils ne peuvent pas anticiper. Pour cette raison, enregistrer soi-même est la solution privilégiée.

• “Si on me dit : il y a une académie, la deadline est dans une semaine, tu connais les traits d’orchestre, tu ne veux pas tenter, ça pourrait être une bonne expérience si jamais tu passes. Pour ça, je vais avoir tendance à le faire un peu plus à l’arrache parce que je me dis que comme je n’ai pas surpréparé le programme je ne vais pas mobiliser quelqu’un pour enregistrer ça.” (1)

Cela peut aussi influer sur le choix du matériel utilisé.

• “Il m’est arrivé de faire une vidéo de concours pour une académie avec un Zoom parce que ça allait plus vite. C’était un Zoom qui faisait caméra aussi et comme j’avais peu de temps pour me filmer et m’enregistrer, une amie me l’a passé comme ça je n’avais pas de montage à faire.” (1)

Pour obtenir certains moyens, cela nécessite vraiment d’anticiper les échéances.

• “On s’y est prises un mois à l’avance pour réserver une salle toute la journée” (2)

• “L’ingénieur du son du CNSMD tu es obligé de le réserver six mois à l’avance et tu as des créneaux hyper serrés” (7)

Une participante évoque des difficultés pour s’organiser.

• “Je n’ai pas le temps, je fais tout à la dernière minute. Je ne suis pas organisée” (6)

• “Tu mets ton niveau de satisfaction et surtout tu prends tes notes par rapport à ce que tu as ressenti. Après tu peux réécouter, prendre des notes aussi par rapport à ce que tu penses et ça archive. Donc tu peux avoir un suivi de ton travail et c’est bien pour ça.” (7)

Certains tours par vidéo et d’autres en présentiel

Uniquement en présentiel

Uniquement en vidéo

Cas particuliers

Écoles supérieures

IESM, Aix-en-Provence	Admissibilité vidéo
HEAR, Strasbourg	Admissibilité vidéo
CNSMD, Lyon	DNSPM : présentiel   Master : présélection vidéo pour certains instruments : Flûte, Clarinette, Hautbois, Trombone, Trompette, Alto, Violon, Violoncelle, Piano, Chant, Chant musique ancienne   Pas de présélection vidéo pour : Basson allemand et français, Tuba ténor et tuba basse, Cor, Contrebasse, Percussions, Harpe, Orgue, Accompagnement piano, Direction de chœurs, Musique ancienne sauf chant, Musique de Chambre
CNSMDP	Tout en présentiel (Master : présélection sur dossier)
ESM Bourgogne-Franche-Co mté	Présentiel
ESMD, Lille	Tout en vidéo
ISDAT, Toulouse	Présentiel
Pôle Aliénor, Poitiers	Présentiel
Le Pont Supérieur,	Admissibilité vidéo

Rennes
Pôle Supérieur La Courneuve	Présentiel
PSPBB, Boulogne-Billancourt	Présentiel, ouvert à un nombre très restreint de candidats car restructuration des études pour l’année suivante
HEMU, Lausanne	Présentiel
HEM, Genève	Tout en vidéo sauf le 2nd tour des Masters de musicien d’orchestre, musique contemporaine, soliste et les cursus d’accompagnateur au piano et de musique de chambre
HKB, Berne	Présentiel
FHNW, Bâle	1er tour par vidéo
HSLU, Lucerne	Présentiel
ZhDK, Zürich	Présentiel
Conservatorio, Lugano	Présentiel

IESM Aix-en-Provence (1)

L’épreuve d’admissibilité est organisée en distanciel et consiste en l’envoi d’un enregistrement vidéo d’un extrait du programme présenté d’une durée minimum de 10 minutes et maximum de 15 minutes, comportant au moins deux œuvres de styles différents.

Cahier des charges de l’enregistrement vidéo :

Chaque œuvre du programme devra être enregistrée sans aucun montage ni coupure.

À l’image, le plan devra être fixe et large, de face (la caméra disposée à l’emplacement habituel du public), le candidat devant être visible à tout moment. Les conditions de lumière devront être suffisantes.

Au début de la vidéo, le candidat se présentera en indiquant son nom et son prénom.

Au début de chaque pièce, le candidat mentionnera son titre.

Si le candidat n’a pas la possibilité d’être accompagné au piano, alors que le programme le requiert, il pourra jouer seul les pièces concernées (pas d’accompagnement par des sons MIDI).

Le fichier vidéo devra être nommé de la manière suivante : DNSPM Instrument Nom Prénom

HEAR Strasbourg (2)

Présélection (enregistrement vidéo) :

Interprétation d’un programme libre d’une durée de 10 à 20 minutes maximum, composé d’au moins 3 œuvres de styles différents. Le programme prévu pour l’admission peut être utilisé également pour la vidéo de présélection.

Informations sur l’enregistrement :

Il est demandé aux candidats de publier, en mode « non répertorié », sur la plateforme YouTube, des enregistrements selon les modalités définies ci-dessous. L’ensemble des vidéos doivent être intégrées à une playlist unique. Le lien vers cette playlist est à renseigner dans l’onglet « Questions supplémentaires » du dossier de candidature sur la plateforme Taïga, au plus tard le vendredi 3 mars 2023, délai de rigueur.

Prise et édition des vidéos : Le candidat enregistre chaque pièce en une seule prise. Les coupures/montages au sein d’une œuvre sont interdites. Le candidat peut enregistrer tout le programme en une seule vidéo, ou chaque pièce séparément.

L’édition des vidéos est interdite sauf pour couper la séquence où vous allumez et où vous éteignez la vidéo, mais ce n’est pas obligatoire car cela n’aura aucune incidence sur le jugement du jury.

Accompagnement : selon la situation sanitaire, si le candidat n’est pas en mesure de réaliser ses enregistrements avec accompagnement, l’absence de celui-ci ne sera pas prise en compte dans la notation du jury.

Cadrage de la vidéo : la prise de vue doit se faire au plus près du candidat étant entendu que le candidat doit apparaître dans sa totalité.

Combinaison d’une source vidéo et d’une source audio : la combinaison d’une source vidéo et audio provenant d’appareils différents est autorisée, mais bien évidemment, l’édition, la modification ou les points de montage à l’intérieur d’un enregistrement sont interdits.

CNSMD Lyon (3)

1. Appareil d’enregistrement

Par souci d’égalité entre les candidats, les vidéos doivent être enregistrées avec du matériel « tout public » comme les smartphones, tablettes, appareils photo ou ordinateurs. Les enregistreurs portable type Zoom sont acceptés. Le candidat ne pourra pas utiliser plus de 2 micros pour effectuer l’enregistrement. Le son et la vidéo doivent être enregistrés en simultané, les effets de post-production ne sont pas admis. Il n’est pas permis aux candidats d’avoir recours à un enregistrement professionnel.

2. Conditions pour l’enregistrement

Le candidat doit se filmer sans montage ni coupure, en plan fixe.

Sur l’appareil ou sur l’application que vous utilisez, le réglage automatique du niveau d’enregistrement doit être désactivé dans la mesure du possible pour rendre les nuances audibles. Vérifiez en jouant un passage piano et un passage fortissimo que toutes les nuances sont audibles sans déformation.

Soyez très attentif à la réverbération et à la taille de la salle où vous enregistrez la vidéo, et à la distance entre vous et la caméra (qui doit si possible être au moins de 3 mètres).

Le candidat devra se filmer face caméra et en pied. Veillez à ce que le plan permette de voir vos doigts et votre archet si vous êtes instrumentiste à cordes, vos doigts et la partie supérieure de votre corps si vous êtes instrumentiste à vent. Vous devrez adopter la position debout sauf si votre instrument ne le permet pas.

Le candidat devra enregistrer une vidéo par œuvre, sauf s’il est indiqué autrement dans le programme de l’épreuve.

L’enregistrement doit se faire SANS accompagnement (sauf pour le chant, violoncelle, violon et alto).

Après l’enregistrement, veuillez écouter l’ensemble de la vidéo. Il peut en effet arriver que le son de certains passages soit altéré, pour une question d’orientation du son produit

3. Envoi de l’enregistrement

Votre   vidéo   devra   être   nommée   selon   le   format suivant : NOM_Prenom_Compositeur_Nom de l’œuvre

Les vidéos doivent être hébergées par vos soins, en utilisant une plateforme tout public. Il est conseillé d’héberger les vidéos en mode « privé » et ne fournir le lien qu’au jury, via le formulaire de dépôt.

ESMD Lille (4)

1. Les concours d’entrée se dérouleront à distance.
2. Les candidats devront faire parvenir des enregistrements vidéo selon un programme instrumental propre à chaque instrument (le programme sera communiqué sur ce site) sous forme de fichiers numériques avant le 6 mars 2023.
3. Ces enregistrements audiovisuels devront être enregistrés en plan fixe, sans montage, coupure ou post-production, et respecter une prise de vue reprenant l’emplacement habituel du jury.
4. Ils devront comprendre l’enregistrement vidéo des interprétations en solo (ou en groupe en Musiques actuelles amplifiées et Jazz) des œuvres demandées ainsi qu’une présentation orale du candidat qui exprimera ses motivations pour intégrer l’ESMD.
5. Des épreuves supplémentaires pourront être organisées, le cas échéant en présentiel, à partir du 9 mai 2023.

Le jury, particulièrement attentif à garantir une parfaite équité de traitement entre tous les candidats, pourra décider de dispositions spécifiques pour traiter les cas ayant un caractère exceptionnel.

Le pont supérieur, Rennes (5)

1^RE PHASE // ADMISSIBILITÉ

Dépôt de votre candidature en ligne sur la plateforme entre le 4 janvier et le 27 février 2023 inclus : https://scolarite.lepontsuperieur.eu/inscription

Merci de bien consulter les modalités de dépôt en ligne.

La vidéo est à envoyer au plus tard le 27 février 2023. Informations importantes et modalités techniques :

• Les moyens techniques/numériques pour la réalisation de la vidéo ne sont pas pris en compte dans l’évaluation
• Importation de la vidéo sur YouTube. Faire le choix de ne pas la répertorier
• Pour    le     titre    de     votre    vidéo : ESTHÉTIQUE*    –      NOM    +     prénom (instrument/chant/tessiture) Ex : MAA – DUPONT Martin (basse)
• Dans le descriptif de la vidéo, notez les repères de durée permettant de situer le début des œuvres
• Tutoriel pour la mise en ligne : https://www.youtube.com/watch?v=xGxA4-yiSEM

*TRAD : musiques      traditionnelles,      MAA : musiques                    actuelles               amplifiées, CAC : classique à contemporain, CHLY : chant lyrique

POUR LES CLASSIQUES À CONTEMPORAINS (CAC) :

Votre vidéo (8 minutes minimum – 10 minutes maximum) devra débuter par une courte présentation : vous y énoncerez de manière distincte, face caméra, votre nom, votre instrument et les œuvres ou extraits d’œuvres que vous interpréterez, dans l’ordre de diffusion. En cas de coupure (dans un concerto par exemple), merci de préciser clairement le numéro de mesure auquel vous vous arrêterez.

• Le cadrage de votre enregistrement vidéo devra permettre à tout moment de voir votre visage et vos deux mains (privilégiez un plan unique, suffisamment large et sans montage)
• Votre prestation devra obligatoirement comporter au moins deux œuvres de langage ou d’époques différents
• L’inclusion dans votre prestation d’une œuvre ou d’un extrait d’œuvre de langage contemporain sera appréciée
• Pour les instruments monodiques, il est fortement conseillé d’inclure dans votre programme au moins une œuvre pour instrument seul

POUR LES CHANTEUSES ET CHANTEURS LYRIQUES (CHLY) :

Votre vidéo (8 minutes minimum – 10 minutes maximum) devra débuter par une courte présentation : vous y énoncerez de manière distincte, face caméra, votre nom, votre tessiture et les œuvres ou extraits d’œuvres que vous interpréterez, dans l’ordre de diffusion.

• Merci de privilégier la présentation d’œuvres vocales d’époques et de formes différentes (oratorio, opéra, lied/mélodie) avec l’obligation du français et de l’italien et au moins d’une autre langue de votre choix.

POUR LES MUSIQUES ACTUELLES AMPLIFIÉES (MAA) :

Votre vidéo (8 minutes minimum – 10 minutes maximum) devra débuter par une courte présentation : vous y énoncerez de manière distincte, face caméra, votre nom et les morceaux ou extraits de morceaux que vous interpréterez, dans l’ordre de diffusion.

• Votre prestation instrumentale et/ou vocale pourra être individuelle ou en groupe

POUR LES MUSIQUES TRADITIONNELLES (TRAD) :

Votre vidéo (10 minutes maximum) devra être accompagnée d’un document (format PDF) présentant votre aire culturelle et votre répertoire.

• Le cadrage de votre enregistrement vidéo devra être en plan suffisamment large
• Votre prestation devra être représentative de votre pratique artistique actuelle. Il doit obligatoirement comporter au moins deux pièces différentes dont une à danser

HEM Genève (6)

Avant de commencer votre enregistrement, veuillez prendre connaissance des consignes suivantes :

• Les candidates et candidats, quel que soit leur lieu de domicile ou leur possibilité de se déplacer dans les locaux de la haute école, sont invités à transmettre un enregistrement vidéo du programme qu’ils ou elles ont indiqué dans leur dossier de demande d’admission. Aucune audition n’aura lieu dans les locaux de la haute école, à l’exception des filières, orientations et disciplines principales expressément identifiées.

• Chaque œuvre du programme pourra faire l’objet d’une vidéo distincte ; chaque œuvre ou mouvement exigé selon le répertoire de l’examen devra être enregistrée dans son intégralité, sans aucun montage ni coupure.

• À l’image, le plan doit être fixe et large, de face (la caméra disposée à l’emplacement habituel du public), le/la candidat.e devant être visible à tout moment.

• L’enregistrement doit être réalisé spécifiquement pour la présente session d’admission 2023. Les vidéos issues de concerts publics ne seront pas prises en considération. Au début de chaque vidéo, le/la candidat.e donne son nom et son prénom, indique le titre de l’œuvre, mentionne la date du jour de l’enregistrement et précise que l’enregistrement est destiné à la HEM.

• La durée et la composition du programme enregistré respectent les exigences indiquées sur le site de la haute école. Les enregistrements qui présentent un programme dont le contenu ne correspond pas au répertoire exigé ne seront pas pris en considération et le/la candidat·e sera jugé·e non admissible.

• Le fichier doit être transmis au format mp4 d’une taille maximale de 2.5 giga.

FHNW, Bâle (7)

Applicants must submit a video when registering. Video requirements :

The length of the video should be minimum 20 minutes to maximum 30 minutes. It should contain a representative selection of the repertoire requirements.

The single works/movements submitted must indispensably be recorded without any cuts. If applicants submit one straight video with the whole programme, the applicant must set marks after every work/movement so that it is possible for the jury to purposely skip within the video.

Microphone :

We recommend using a suitable stereo microphone and place it conveniently. If necessary, you may also use the microphone of a camera, computer, or smartphone. Please record the video from a fixed point of view. The hands and the face of the musician must be visible. Publicly recorded concerts may be submitted as long as they correspond to the above-mentioned requirements (no cuts) and as long as they are not older than 6 months.

Please upload the video onto Youtube and add the link in the registration tool. Please add      the list     of              works        to     your           application              or      send it      by  mail      to registration.hsm@fhnw.ch until 15th February at the latest.

Only those applicants who will be considered for the second round will be invited for the live audition.

Académies

Gustav Mahler Jugendorchester (orchestre)	Présentiel mais pas de jury, enregistrement vidéo
Académie de l’Orchestre de Paris (orchestre)	vents : sélection vidéo cordes : pré-sélection vidéo, 2nd tour présentiel
Orchestre Français des jeunes (orchestre)	Présentiel
Verbier Festival Orchestra	Choix entre vidéo ou présentiel
Académie Philippe Jaroussky	Présentiel
Académie Seiji Ozawa (quatuor à cordes)	Présentiel
Gstaad Academy (piano, voix, cordes, baroque, direction)	Vidéo (pas de consignes)
Zermatt Academy (orchestre)	Vidéo (pas de consignes)
EUYO (orchestre)	Dépend de chaque pays Partout 1 ou 2 tours en présentiels sauf : Espagne, 1er tour vidéo, 2e tour présentiel Italie, 2 tours sur la même vidéo
Karayan Akademie (orchestre)	Présélection vidéo, 2nd tour présentiel
Moritzburg Festival Academy	Vidéo
Berlin Opera Academy	Vidéo
Davos Festival Academy	Vidéo
Mendelssohn-Orchesterakademie	Présélection vidéo, 2nd tour présentiel
Zwischentöne Kammermusikfestival Engelberg	Vidéo
International Orchestra Academy Toblach	Vidéo
Luzern Festival Academy	Vidéo

Chamber orchestra of Europe	Présélection vidéo, 2nd tour présentiel
Orchestre Symphonique Suisse des Jeunes	Présentiel

Académie de l’orchestre de Paris (8)

Instructions pour les vidéos

Ces instructions permettent de minimiser les risques de problèmes techniques et d’assurer que le format de votre enregistrement soit pris en compte par le jury

• Seules les vidéos seront acceptées pour ces pré-sélections.
• Nous encourageons les candidat·es à soumettre des enregistrements vidéos de qualité, cependant nous acceptons les vidéos prises avec un smartphone, une tablette etc.
• Les vidéos devront être faites en une prise, sans montage ou post production afin de reproduire les circonstances d’une audition live.
• Merci de ne pas parler sur ces vidéos.
• La vidéo doit être prise avec une seule caméra et les candidat·es doit être visible de la tête aux pieds durant l’intégralité de l’enregistrement. Assurez-vous que vos deux mains sont également bien visibles.
• Merci de laisser une horloge, un réveil ou un chronomètre bien visible dans le champ de la caméra afin de prouver l’absence de montage.
• Merci de filmer dans une pièce présentant une acoustique sèche ou medium (pas de réverbération du son)Les candidatures ne respectant pas ces conditions ne seront pas prises en compte
• Votre enregistrement doit exactement correspondre aux extraits demandés (voir programme des vidéos) Vous pouvez téléverser directement votre vidéo dans le formulaire ou partager un lien (YouTube par exemple)

EUYO (9)

Italy

2 rounds

The deadline to apply for the Italy auditions is 30 September.

You must submit a video audition and there will be two rounds. The first-round video will be judged by one, two or several jurors provided by the local Italian organiser.

To apply you must submit a video with up to 4 minutes of an own choice piece plus the two mandatory excerpts. This must be filmed in one take and uploaded to YouTube as an unlisted or public video.

The own choice piece can be longer than 4 min. (i.e. a movement of a Concerto or Sonata, etc.), but you should only play about 4 minutes of it.

If you have been a member or on the reserve list the last two years you MUST also submit a video in your application as the final round will be online. You will pass directly to the final round audition but you MUST include a video in your application.

Your first-round video will be viewed and judged again during the second round.

Moritzburg Festival Academy (10)

(no piano accompaniment required)

You may send one or multiple videos (please title the videos clearly. In case of a single video, please add the minutes and the title in the description)

Please only send video links where we can see you playing! Audio recording only will NOT be accepted.

Berlin Opera Academy (11)

We ask that you upload two recordings that best display your musical abilities. We recommend one excerpt from an operatic or symphonic work and one solo or piano-accompanied piece, however, you may submit any recordings that you feel showcase your playing. The recordings do not need to be professional nor from a performance. Video is preferred, but audio-only is also accepted. Recordings must be submitted via link (eg: Youtube, Vimeo, Soundcloud etc). If using Youtube, please ensure your videos are uploaded as either Unlisted or Public videos (not Private).

Maj Lind Competition (41)

The video must clearly show the performance, the player’s hands and face. The video must not be edited. Individual works or movements may, however, be recorded as different takes. The application must state when and where the video was made.

Queen Sonja Classical Music Competition (42)

Video recordings must be performed by the applicant and may not be edited, nor should any effects be added. Applicants are responsible for ensuring that the video is recorded with good quality (image and sound). To ensure that poor recording quality does not interfere with the jury’s ability to review the material, avoid distortion, and ensure that the accompaniment is not louder than the applicant. You will not be penalised for the quality of your video, although it is important that it is good enough to see and hear you clearly. Videos should be recorded no more than 6-12 months before the date of your submission.

Grand Prize Virtuoso (43)

Participants are required to submit video materials for the jury audition. Recording should be a fair representation of the contestants’ abilities, but doesn’t need to be of a professional quality.

The muse international piano competition (44)

You can submit a video made anytime from 2021 and later, but it has to match with your age category on the day you submit your application.

The participant should be dressed well and in an appropriate manner. Performances in sportive or casual clothes will not be accepted for evaluation!

The hands and the face should be visible during the recording, as well as the keyboard.

Cutting and merging multiple takes is not allowed. However, merging two or more movements of the same work into one video, but from different takes, is possible.

Home-made or professional : It is up to you. Videos can be made with consumer cameras, camcorders, mobile phones, tablets, as well as professional equipment.

Your video must be posted on YouTube and set to either “Public” or “Unlisted”.

Online London International Music Competition (45)

The contest will accept videotapes with piano, orchestra, chamber ensemble, wind band, percussion, or any other accompaniment required by the composer in the published work.

COVID-19 Exception. The contest will accept recordings with pre-recorded accompaniment for those applicants who are unable to record with a live accompanist due to social distancing.

The video must contain recordings made during the 18 months before the deadline. Each age category has a maximum duration for the video.

Each piece must be performed in one take with no edits. If you submit multiple pieces, they must be submitted together as one video file not to exceed the maximum time limits for the applicant’s age category. Online London International Music Competition reserves the right to immediately disqualify any applicant whose tape shows evidence of editing within one take of a piece other than a cut to meet time limits.

Multiple cameras can be used for video recording but no sound effects should be added to any portion of video entry (it is acceptable to have an introduction title with musician’s name, title of piece and composer).

There is no live round : all awards will be made online via video submission. It is suggested that the applicant submit the highest quality video possible to give a fair representation of their performance.

Postes d’orchestre

Badische Staatskapelle	Présentiel
Belgian National Orchestra	Présentiel
Arctic Philharmonic	Présélection Vidéo
Auditorium Orchestre national de Lyon	Présentiel
Bamberger Symphoniker – Bayerische Staatsphilharmonie	Présentiel
Basque National Orchestra	Vidéo facultative
Bayerisches Staatsorchester	Présentiel
Bergische Symphoniker	Présentiel
Bielefelder Philharmoniker	Présentiel
Bochumer Symphoniker	Présentiel
Bruckner Orchester Linz	Présentiel
Deutsche Oper Berlin	Présentiel
Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern	Présélection vidéo
Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz	Présentiel
Deutsches Symphonie-Orchester Berlin	Présélection vidéo
Duisburger Philharmoniker	Présentiel
Düsseldorfer Symphoniker	Présentiel
Elbland Philharmonie Sachsen	Présentiel
Finnish Radio Symphony Orchestra	Vidéo facultative
Folkwang Kammerorchester Essen	Présentiel
Fondazione Teatro alla Scala	Présentiel
Gewandhausorchester (Harpe)	Présélection Vidéo
Gewandhausorchester (1er violon tutti, 2e trompette, tuba)	Présentiel

Gürzenich-Orchester Köln	Présélection Vidéo
Győr Philharmonic Orchestra	Présentiel
Hessisches Staatsorchester Wiesbaden	Présentiel
hr-Sinfonieorchester | Frankfurt Radio Symphony	Présentiel
Kärntner Sinfonieorchester	Présentiel
Koninklijk Concertgebouworkest	Présélection vidéo
Konzerthaus Berlin – Konzerthausorchester	Présentiel
Luzerner Sinfonieorchester	Présélection vidéo
Mecklenburgische Staatskapelle Schwerin	Présentiel
MDR-Sinfonieorchester des Mitteldeutschen Rundfunks	Présentiel
Mozarteumorchester Salzburg	Présentiel
Münchener Kammerorchester	Présélection vidéo
Münchner Philharmoniker	Présentiel
Musikkollegium Winterthur	Présentiel
NDR Elbphilharmonieorchester	Présentiel
NDR Radiophilharmonie (1er violon tutti)	Présélection vidéo
NDR Radiophilharmonie (chef d’attaque des violons 2, trompette)	Présentiel
Netherlands Radio Philharmonic Orchestra	Présentiel
NFM Leopoldinum Orchestra	Présélection vidéo
Norrkopings Symfoniorkester	Présentiel
Opera Ballet Vlaanderen	Présentiel
Opéra National de Paris	Présentiel
Oper Frankfurt	Présélection Vidéo

Opéra Royal de Wallonie-Liège	Présentiel
Orchestre de Chambre de Lausanne	Présentiel
Orchestra della Toscana	Présentiel
Orchestre de Paris (Konzertmeister)	Présélection vidéo
Orchestre de Paris (3e contrebasse solo)	Présentiel
Orchestre de Picardie	Présentiel
Orchestre National Avignon-Provence	Présentiel
Orchestre national d’Île-de-France	Présentiel
Orchestre National de Cannes	Présentiel
Orchestre National de Lille	Présentiel
Orchestre Philharmonique de Strasbourg	Présentiel
Orchestre Royal de Chambre de Wallonie	Présélection Vidéo
Orchestre Symphonique Bienne Soleure	Présentiel
Orquestra Gulbenkian	Présélection Vidéo
Philharmonisches Orchester der Hansestadt Lübeck	Présentiel
Staatskapelle Berlin	Présentiel
Philharmonie Zuidnederland	Présentiel
Philharmonisches Orchester Würzburg	Présentiel
Residentie Orkest	Présélection Vidéo
Rotterdam Philharmonic Orchestra	Présélection Vidéo 2nd tour : choix présentiel ou vidéo
Royal Swedish Opera	Présentiel
Sächsische Staatskapelle Dresden	Présentiel
Sinfonieorchester St. Gallen	Présentiel

Sinfonieorchester Wuppertal	Présentiel
South Czech Philharmonic	Présentiel
Staatskapelle Berlin	Présentiel
Staatskapelle Halle	Présentiel
Staatsorchester Braunschweig	Présentiel
Staatsorchester Darmstadt	Présentiel
Staatsorchester Kassel	Présentiel
Staatsorchester Rheinische Philharmonie	Présentiel
Staatstheater am Gärtnerplatz	Présentiel
Stuttgarter Philharmoniker	Présentiel
Swedish Radio Symphony Orchestra	Présélection vidéo
Symfonieorkest Vlaanderen	Présentiel
Symphoniker Hamburg	Présentiel
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks	Présentiel
Teatro del Maggio Musicale Fiorentino	Présentiel
Theater Plauen-Zwickau	Présentiel
Thüringen Philharmonie Gotha Eisenach	Présentiel
WDR Sinfonieorchester Köln	Présentiel
WDR Funkhausorchester Köln	Présentiel
Wiener Staatsoper/Wiener Philharmoniker	Présentiel
Zürcher Kammerorchester	Présentiel

Tu as déjà essayé les enregistreurs Zoom ?

Oui, je me souviens qu’au lycée je jouais dans un groupe et on avait très peu de moyens parce qu’on avait 15 ans. Deux personnes du groupe avaient des Zoom du coup on les mettait comme un double couple, ceux-là enregistraient en stéréo. C’était très fait maison dans des salles pas du tout adaptées, on se faisait des pare-son avec des manteaux et on jouait dans des positions incongrues pour pouvoir enregistrer correctement.

C’étaient des enregistrements pour quelle destination ?

Il y a pas mal de trucs qui étaient pour nous ou pour faire des mini maquettes, pour faire notre pub. Il y en a même une qu’on avait mis sur Youtube qui y est encore. Le son est loin d’être bon, surtout par exemple le son de la batterie qui est une plaie à enregistrer, même avec du bon matériel. Le son n’est pas si mauvais, il était plutôt correct vu les moyens engagés. Sinon il m’est arrivé de faire une vidéo de concours pour une académie avec un Zoom parce que ça allait plus vite, c’était un Zoom qui faisait caméra aussi. J’avais peu de temps pour filmer et m’enregistrer donc une amie m’a passé son Zoom, comme ça je n’avais pas de montage à faire. C’était un petit peu à l’arrache mais la qualité audio en tout cas était bien. La qualité vidéo était terrible, vraiment très mauvaise, mais la qualité audio était plutôt correcte, surtout pour de la trompette.

Du coup qu’est-ce que tu entends comme différences entre un enregistrement de toi au Zoom et un enregistrement de toi au micro ?

Le problème que j’ai et ce qui me fait regretter de ne pas avoir une meilleure carte son c’est que le son est meilleur quand je m’enregistre avec mon matériel à moi. Le problème, c’est que c’est un son très très sec sans ajouter de réverbération ou de traitements. Comme c’est en mono et un enregistrement de proximité, forcément c’est hyper sec. Bien sûr, je mets une petite réverbération et parfois un léger EQ, mais le problème c’est que souvent ce son-là me déplait un peu parce que je ne le trouve pas très représentatif de ce qu’est notre instrument. Avec un Zoom le son sera peut-être de moins bonne qualité, c’est possible que ça sature des fois sur une note, une fréquence, ou que le son soit globalement un peu moins bon, mais comme c’est une prise de son plus ambiante on a au moins l’idée. D’un point de vue totalement extérieur, quand je demande à des amis trompettistes, juste musiciens ou mon prof, ils préfèrent souvent des enregistrements au portable ou au Zoom, moins

optimal niveau son, mais où l’on entend la réverbération de la salle par exemple. C’est un son de moins bonne qualité mais plus naturel qu’un son qui est très sec, et on se dit : “ah, il a mis une réverbération ou un truc comme ça”, même si au final c’est plus fidèle à la réalité, mais ce n’est pas très vendeur quand même. Toutes les vidéos que j’ai faites moi-même ce n’était pas hyper vendeur et je n’étais jamais entièrement satisfait de ce que je faisais.

Tu mets ça sur le compte de la mauvaise qualité de la carte son ?

Pour moi c’est un peu un mélange de mauvaise qualité de la carte son et du fait de ne pas avoir de couple ou de son d’ambiance qui prend la salle en même temps, même si ça se recrée… J’ai fait deux ou trois trucs en re-recording et comme ce n’était pas en live, pas une prise de son globale mais plus en proximité, forcément en re-recording, le son n’était jamais très bon. En tout cas, ça ne sonnait pas ensemble. Forcément après intervient le mixage et c’est plus ou moins bien fait, ça se mixe plus ou moins bien après au reste.

Quand t’ enregistres toi-même comment ça se déroule ?

Je vais mettre en place mon matériel, ça va me prendre 15 minutes de brancher, allumer mon PC, ouvrir une session. Ensuite je fais quelques petites balances, en général je profite des balances pour chauffer. Si je n’ai pas chauffé avant, je fais 5 minutes de chauffe dans une position de micro et j’écoute, puis ensuite je refais 5 minutes un peu différemment en fonction de comment le son m’a plu, en m’éloignant, en bougeant un peu le micro etc. Après je mets en place le téléphone ou la caméra qui va me filmer et je fais des prises. Je fais entre 30 minutes et 1h15 de prises mais ça dépend vraiment beaucoup de ce que j’ai à enregistrer. Si c’est 3-4 minutes de traits d’orchestre, 5-6 traits d’orchestre, je vais le faire 8 ou 10 fois en 2h, en prenant des pauses. Si c’est par contre des pièces un peu plus longues de 10 à 15 minutes je vais faire deux filages d’affilée maximum, quitte à m’arrêter même au bout de la première pièce si je ne suis pas satisfait. Je n’aime pas tellement faire ça moi-même. Ce qui est bien en ayant un objectif de quelqu’un qui t’aide à faire ça, quelqu’un dont c’est le métier ou en tout cas qui sait faire ça, c’est que tu te mets un objectif de te dire qu’il est là 1h30 avec moi, 1h30 où je peux jouer. Il vient 30 minutes avant, on fait une petite balance et après, il ou elle est là 1h30 donc il y a une question de résultat qui est attendu, tu te dis : “bon allez, là je ne peux pas jouer quatre fois”. Comme en plus je joue d’un instrument qui est relativement physique, le fait est qu’on ne peut pas filer une pièce de 8 minutes 10 fois dans la journée. Théoriquement on peut mais au bout de la troisième prise, la qualité du son va être vraiment moins bonne par la fatigue musculaire. Forcément, plus tu fais de prises, plus tu te fatigues. Le piège de s’auto-enregistrer c’est vraiment ça, tu as une possibilité illimitée de recommencer, ce qui est génial, sauf que tu arrives à un statut de l’enregistrement qui est presque malsain de se sur-enregistrer, de ne faire que ça. Et aussi, je l’ai vécu pour faire mes vidéos de concours pour entrer à Lucerne, de ne plus prendre de temps pour travailler. De ne faire que des enregistrements et de se dire que dans tous les cas on progresse en faisant des enregistrements, ce qui est vrai, mais tu as aussi besoin de prendre du temps juste pour travailler, retravailler des petits passages qui ne passent pas forcément bien ou qui peuvent facilement te faire perdre le contrôle. C’est pour ça que maintenant, le plus possible, j’essaye quand je m’auto-enregistre de me limiter en temps, et de me dire que j’ai réservé une bonne salle pendant 2h ou 1h30. Comme ça je prends 20 minutes pour m’installer, 10 minutes pour gérer le son et 5-10 minutes à la fin pour remballer et j’ai une heure d’enregistrement maximum. En gros, si je joue un programme de 10 minutes j’ai trois chances, et encore. Si c’est plus court j’ai cinq ou six chances et je me laisse du temps entre. J’ai trop fait d’enregistrements de trois ou quatre heures où tu perds ton temps, et au bout de trois heures tu te dis je suis fatigué, bon allez une petite dernière, on ne sait jamais. Et souvent, les derniers enregistrements ce sont les mieux de ta session mais ce n’est quand même pas suffisant parce que ton son n’est plus bon, tu es fatigué, tu rates certains trucs bêtement, mais c’est quand même souvent les meilleurs parce que tu as l’impression de te dire qu’il faut tout donner. Au pire j’essaye de me mettre une limite de temps quand je m’auto-enregistre, et au mieux j’essaye de demander à quelqu’un de le faire pour moi parce que c’est toujours mieux et parce que tu as un public aussi. Tu as quelqu’un qui t’écoute et qui peut te donner un feedback, te dire un petit mot si c’était bien ou s’il y a un petit truc à améliorer. Si ce n’était pas bien et que tu es dégoûté il te dit “allez t’inquiètes, ça va aller, prend 5 minutes, va boire un café on recommence dans 10 minutes, t’en refais une et ça va bien se passer”. Tu te dis que tu ne vas pas lui prendre sa semaine, surtout si tu payes la personne, mais même si tu ne la payes pas ou que tu la connais bien et qu’elle te fait ça généreusement tu ne vas pas la monopoliser pendant cinq fois 2h toute la semaine ou pendant deux semaines. Tu fais une séance, à la limite si elle est sympa elle peut te refaire une séance le lendemain ou 2-3 jours après, mais tu as des limites de temps. Si tu n’arrives pas à faire mieux c’est un peu comme un concert. Tu as un concert, à la limite un 2^e et un 3^e, mais au final il ne faut pas non plus abuser de se sur-enregistrer.

Tu parlais des vidéos par exemple du concours d’entrée à Lucerne, tu disais que ça t’avais pris plusieurs jours, la période d’enregistrement t’as pris combien de temps ?

Je pense que quand j’ai enregistré pour Lucerne, qui était un peu un gros objectif si on contextualise, j’ai dû enregistrer peut-être sur 10 à 14 jours différents. Parce que j’ai pris des salles au conservatoire d’où je viens, et en même temps j’ai parfois tenté d’enregistrer chez moi aussi, mais en fait ça ne marchait jamais puisque j’étais chez moi et je n’étais pas dans le même esprit. Je dirais que j’ai fait 2 semaines, 14 journées d’enregistrement. Quand je dis 14 journées d’enregistrement c’était souvent une matinée par exemple ou une soirée, 3h, 4h maximum. Le pire que j’ai dû faire en termes de temps c’était 3h30-4h. Sinon, par exemple l’année dernière, j’ai postulé pour deux académies, et pour le coup ça m’a pris beaucoup moins de temps puisque je m’étais vraiment fixé un principe de ne pas faire trop de vidéos. Il y en a une que je n’ai même pas enregistrée avec mon matériel par pure flemme, j’ai juste enregistré avec mon Ipad. Du coup le son n’est pas terrible, il est ok on va dire. Là j’ai mis je dirais 2 ou 3 sessions d’enregistrement de 1h30 chacune. Vraiment pas beaucoup mais en même temps le programme était plus court, c’était vraiment 5 minutes de musique, ce n’était que des traits d’orchestre donc c’était beaucoup plus léger. Même si finalement les traits d’orchestre que j’ai envoyés sont individuellement plutôt très bons en termes de jeu, ça n’a pas suffi pour cette académie-là. Il y avait 4 ou 5 traits d’orchestre.

Quand tu dis que tu fais des balances, que tu chauffes en même temps et que tu retournes t’écouter, qu’est-ce que tu écoutes dans le son ? Quels sont tes critères ?

Alors déjà les basiques de ne pas saturer, parce que je joue d’un instrument qui peut jouer fort et qui peut jouer piano, et tout simplement de voir si les nuances sont cohérentes, essayer d’avoir un gain optimal et en même temps de ne pas prendre de risques non plus parce que ce serait dommage…

Tu fais ça à l’oreille ?

Non, avec le logiciel. Je regarde simplement sur le logiciel si je sature, oui des fois à l’oreille tu entends que tu es à la limite et tu vois simplement avec ton fader sur Protools que tu es à -2dB ou -1,5dB. Tu te dis que tu n’as pas forcément joué au plus fort de ce que tu peux faire, il faut peut-être prendre une marge, ce ne sera pas perdu. Et sinon en terme de son pur, je cherche la même chose que ce que je recherche quand j’écoute des gens, parce que quand tu t’auto-écoutes en jouant c’est différent, mais je recherche une homogénéité de timbre, si je retrouve les qualités qui me plaisent dans mon son, si ce n’est pas trop frontal aussi, et ça l’est forcément comme c’est en mono. J’essaye de trouver la qualité de son que je recherche quand j’écoute quelqu’un qui joue seul de la trompette.

En présentiel pas en enregistrement ?

Oui, j’essaye de comparer ce que je peux entendre en présentiel en prenant aussi en compte que je n’ai pas toute la salle. Comme c’est du mono il y a beaucoup moins de salle dans le son, c’est plus sec donc il faut accepter que tu ne peux pas avoir le même son que si tu écoutes quelqu’un jouer dans la salle dans laquelle tu es en train de jouer. Mais oui, globalement une qualité de son, simplement ça, que le son soit chaud et en même temps pas trop gras non plus, c’est une question de timbre.

Quand tu dis homogénéité du timbre c’est homogène entre quoi et quoi ?

Ça c’est plus par rapport à la manière dont je joue peut-être. Par exemple, si tu entends un peu plus d’air dans le son, que tu as un timbre très présent, ça veut dire que ta langue est un peu trop montée. Ce sont des choses que tu entends beaucoup moins dans une salle puisque c’est noyé. J’essaye d’adapter aussi un peu mon jeu par rapport à l’enregistrement parce que ça ne va pas sonner pareil que quand je suis dans une salle de concert où il y a 9 secondes de réverbération, même si ça se rajoute après.

Comment adaptes-tu ton jeu à l’enregistrement ?

L’adapter c’est un grand mot. Disons qu’au-delà d’adapter, l’enregistrement durcit les traits, souligne les trucs que tu fais. Si ton son est un peu aigre quand tu joues, c’est à dire beaucoup plus d’harmoniques aiguës par exemple, cela signifie en trompette que ta langue est plus haute dans ta bouche qu’elle ne devrait l’être, ça peut servir pour certaines pièces, certains moments. Ça, tu ne l’entends pas forcément dans une grande salle quand tu joues, et ton professeur ne va pas forcément l’entendre. Il va l’entendre mais beaucoup moins. Par contre quand tu t’enregistres ça va être beaucoup plus évident que c’est trop. Du coup, au-delà d’être une adaptation, ça peut être un outil pour remarquer ce que tu ne fais pas bien quand tu joues dans une grande salle. Et c’est vrai que globalement, tu vas avoir tendance à aller chercher un timbre beaucoup plus sombre quand tu enregistres en mono, à faire ressortir le plus possible les harmoniques graves, parce que naturellement dans notre instrument les harmoniques aiguës sonnent très métalliques, ce qui marche bien dans une grande salle, mais beaucoup moins bien avec un micro en prise de son de proximité.

Tu as déjà fait de la post production ? Du montage ou du mixage ? Tu as parlé de faire des EQ.

Oui j’ai déjà fait les deux. Le montage pour mon utilisation de trompettiste peu, ça m’est arrivé de faire un, deux ou trois points rapidement. Des EQ et mettre une réverbération oui. Je fais souvent vérifier ça par des gens qui savent le faire, mais j’aime bien essayer de le faire. J’ai déjà fait du montage et un peu de post-production pour m’amuser, pour moi, pour faire des maquettes un peu plus RNB où pour le coup je chante. Je travaille un peu plus sur ma voix mais absolument rien de professionnel ou de comparable à un très bon travail. J’aime bien expérimenter plutôt pour m’amuser et essayer d’acquérir des compétences. Si d’aventure je voulais sortir une chanson par exemple, je pense que dans tous les cas je demanderais à quelqu’un dont c’est le métier de passer derrière moi, ou alors de faire un montage carrément et un mix avec ce que je lui enverrais, de sorte à avoir un truc beaucoup plus qualitatif parce que j’estime que je suis capable de faire des maquettes correctement mixées on va dire, qui ne sonnent pas mal, mais chacun son métier.

Quand tu fais des EQ c’est pour corriger quoi ?

Pour la trompette plus l’aigreur du son justement, le côté métallique du son. Dans l’ordre : pour enlever les fréquences graves un peu polluantes qui ne sont pas forcément très intéressantes en dessous de 50Hz, il me semble que ça s’appelle un bypass. Après essayer de réhausser aussi un peu les harmoniques médiums justement, entre 400 et 800 Hz, et justement essayer de supprimer ces fréquences pas terribles un peu nasillardes, enlever quelques fréquences aux alentours de 3000, 4000, 5000 Hz selon la prise de son et ce que j’entends aussi.

Tu appliques toujours la même chose ?

Pour la trompette plus ou moins oui. Je fais en fonction de ce que j’ai, mais comme j’ai toujours le même micro et la même carte son et que j’obtiens toujours à peu près le même son, j’applique après plus ou moins ça, je fais les modifications plus ou moins aux mêmes points.

Tu fais aussi la postproduction sur Protools ?

Oui.

Toujours sur Protools ou tu as déjà essayé d’autres logiciels ?

Oui, j’ai fait quelques trucs un peu plus musique électro sur Cubase mais je n’ai jamais vraiment fait de post-production au-delà d’une réverbération, un EQ et à la limite un FX ou deux.

Sur de la voix ?

Oui ou sur un instrument électronique, vraiment pour les productions électro, pas sur la trompette.

Qu’est-ce qui t’a plu ou déplu dans le fait de t’enregistrer tout seul ?

Ce qui m’a plu c’est que c’est sympa d’être tout seul et pas dépendant de quelqu’un d’autre, tu peux expérimenter et c’est assez passionnant d’essayer plein de choses. C’est un peu un terrain de jeu illimité et si ça ne sonne vraiment pas bien ce n’est pas grave parce que c’est pour toi, tu peux vraiment aller dans les extrêmes. Ce qui m’a déplu c’est que tu peux vite te perdre en faisant ces trucs-là, et tu peux vite penser que certaines choses que tu fais sont essentielles et ne le sont finalement pas. C’est très facile de passer des heures à régler un truc et de se dire que c’est absolument ce qu’il te faut. Pour le coup, ça c’est beaucoup plus pour les maquettes que j’ai pu essayer de faire. Des fois, tu as l’impression que c’est ça qui va tout changer dans ta musique, tu passes 1h30 à régler un EQ sur un refrain et en fait ça ne marche pas parce que ce n’est pas ça. Et en fait, souvent, c’est que ta basse n’est pas bien réglée, c’est pour ça que ta voix ne ressort pas et ce n’est pas parce tu mets plus fort ta voix ou que tu changes les settings de ta voix qu’elle va ressortir plus, mais parce que tu vas faire un bypass sur ta basse ou parce que ta batterie n’est pas bien réglée. C’est facile de se perdre et du point de vue classique pour la trompette, pour moi c’est compliqué. Je n’ai jamais été extrêmement content d’un enregistrement que j’ai fait moi-même avec du bon matériel. Pas plus que d’un enregistrement avec un téléphone qui enregistre bien, avec un micro de qualité correcte où tu peux régler le gain ou alors avec un téléphone qui a un gain automatique correct qui ne fait pas des bypass de fou furieux de moins 18 dB sans que tu lui demandes quand tu joues un peu fort. Je n’ai jamais été vraiment beaucoup plus content d’un enregistrement que j’ai fait moi-même avec du matériel qui coûte beaucoup plus d’argent. Des fois tu poses un Iphone et finalement tu te rends compte que la vidéo est très bonne et que le son est pas mal, et qu’en mettant parfois juste un EQ sur le son de ton Iphone tu as un son qui est presque plus audible et agréable. Ça fait amateur ou en tout cas ça ne fait pas professionnel, mais c’est difficile de faire professionnel quand tu ne l’es pas. Certes, avoir le microphone devant l’instrument fait plus authentique mais ça peut aussi faire plus modifié. Quand on voit qu’il n’y a pas de micros sur l’image, que quelqu’un est sur une scène et qu’on comprend que c’est juste filmé par un téléphone ou une caméra, si le son est correct on se dit que c’est pas mal, au moins c’est naturel. Alors que si tu vois une vidéo avec quelqu’un qui a un micro, même un seul, alors que le son est bien, tu peux te dire qu’il y a de la post-production, c’est sûr. Alors que tu peux faire de la post-production avec un téléphone, ce qui est finalement stupide et qui n’a aucun sens, parce que tu peux faire la même post-production quelle que soit l’origine de ton son. Le signal de base n’est pas forcément de la même qualité mais c’est le côté qui me déplaît dans ce que je fais, et ça prend aussi beaucoup de temps à faire.

Qu’est-ce qui t’empêche de passer par un professionnel des fois ? Une envie de faire toi-même ?

Rien. Il y a eu une envie de faire moi-même à un moment, cela correspondait surtout au confinement où j’avais envie de m’amuser et de faire des maquettes. Ça m’a toujours plu et je me suis toujours dit que ça me ferait marrer de faire des trucs moi-même.

Et plutôt en enregistrement classique ?

Le confinement aussi. Le fait est que toutes les vidéos de concours ont connu un essor incroyable et démesuré avec le confinement et c’est encore le cas même si beaucoup de mesures sont levées voire toutes dans certains pays. C’est hallucinant la quantité d’académies qui fonctionnent par vidéo. Il n’y a presque aucune académie où tu dois faire un concours en vrai. Des fois c’est juste une phase de sélection, des fois c’est carrément le concours entier, tu gagnes un concours par vidéo. Ça existe, il y a beaucoup de concours par vidéo, et tu te dis mais qu’est-ce que c’est, est-ce qu’on fait de la musique ? Dans le classique je trouve ça un peu bizarre, pour présélectionner pourquoi pas. Du coup c’était parce que je me disais que comme ça c’est pratique, même si je suis tout seul je paye mon matériel à un certain prix et au moins je n’ai pas besoin de solliciter quelqu’un à chaque fois. Dans les faits, je sollicite quand même quelqu’un à chaque fois pour lui demander si ma post-production est bien ou pour lui demander de changer mon EQ parce que je n’arrive pas à le régler comme je veux. Le problème c’est que ça a un coût aussi de faire ça tout le temps, même si je ne paye pas parce que j’ai des relations qui le font très gentiment pour moi. En même temps, je suis aussi dans un esprit où même si je fais 5 ou 6 vidéos de concours par an je me sentirais très mal à l’aise de demander à chaque fois à quelqu’un qui est professionnel de faire ça gratuitement. Si je devais le payer je n’aurais pas les sous pour le faire donc je me débrouillerais autrement. Là je peux le faire, je l’ai fait l’année dernière pour m’inscrire à un concours où j’ai demandé à quelqu’un de m’enregistrer mais c’était exceptionnel. Je m’étais vraiment beaucoup préparé pour les enregistrements et on a fait ça en une ou deux fois 2h30, vraiment pas beaucoup de temps d’enregistrement pour deux pièces de trompette seule et je suis très content. Le son et la vidéo sont très bien, pour le coup ça fait beaucoup plus professionnel. Ce n’est pas encore le plus optimal parce qu’il n’y avait qu’une caméra qui était de bonne qualité mais qui aurait pu être encore mieux. Ça présente quand même très bien mais je ne me vois pas pour des académies où je n’ai pas beaucoup le temps, demander à quelqu’un de m’enregistrer le week-end prochain. C’est un peu par solution de facilité aussi.

Tu disais que tu te préparais mieux pour un enregistrement quand tu enregistres avec quelqu’un ?

Oui, c’est comme la différence entre un concert et un filage à un copain. Pour le filage à un copain tu lui demandes ça quand tu es en train de travailler. Tu lui dis : “eh, je peux te filer la pièce que je suis en train de jouer ?”. Ça n’empêche pas que ça peut déjà être très très bien, voire déjà parfait ou presque. Forcément tu te prépares et tu as la date. On va comparer ça plutôt à un concert et un filage que tu fais pour toi dans ta salle, tout seul. Le filage que tu fais pour toi, c’est un bon entraînement mais en même temps tu peux en faire autant que tu veux et tu peux en faire un par jour. Le concert, tu as la pression et le moment de te dire que c’est maintenant qu’il faut tout donner et jouer le mieux possible, tout de suite, aujourd’hui. Pas demain, pas après-demain, pas hier. Alors que le filage finalement, si tu joues très bien c’est cool, mais si tu joues un peu moins bien qu’hier tu te dis que tu es moins en forme. Donc forcément quand il y a un enregistrement où il y a quelqu’un, je me mets un peu plus de pression et j’essaye d’arriver en étant au taquet et de faire le mieux possible.

Pour quel genre de projets tu préfères passer par un ingénieur du son ou être autonome ?

Les concours un peu importants et les trucs un peu moins importants : les académies où je me présente un peu à l’arrache. Si on me dit qu’il y a une académie, la deadline c’est dans une semaine, les traits d’orchestre tu les connais, tu ne veux pas tenter, ça pourrait être une bonne expérience si jamais tu passes ? Ça, je vais avoir tendance à le faire un peu plus à l’arrache parce que je me dis que je n’ai pas sur-préparé le programme, je ne vais pas mobiliser quelqu’un pour enregistrer ça.

À quelle fréquence tu as besoin de t’enregistrer ?

Je dirais entre 5 et 10 fois par an.

Tu serais prêt à réinvestir dans du matériel, tu as des références en vue ?

Pas du tout, aucune référence en vue. Je vois un peu ce qui existe mais je n’en sais rien du tout. Et ce n’est pas du tout ma priorité, je pense que je le ferai dans un certain temps.

Est-ce que tu aurais envie de te former là-dessus ?

Oui j’aurais envie, ça m’intéresserait d’en savoir plus et de savoir le faire mais non, je n’ai pas le temps, j’ai beaucoup trop d’activités musicales pour avoir le temps de faire ça et disons que ce n’est pas non plus dans mes priorités de me dire tiens, si j’étais aussi ingénieur du son. Et comme je suis jusqu’au-boutiste, si jamais je le faisais ce serait pour m’y connaître, pas juste un peu. Là je me satisfais du fait de pouvoir faire un EQ tout seul et de pouvoir choisir une réverbération correcte pour faire ce que j’ai à faire et pour m’amuser à bidouiller des plugins sur ma voix et faire des choses marrantes mais c’est soit tout soit rien et là en l’occurrence ce n’est pas rien, mais ça me suffit.

À la fois pour la prise de son et pour entraîner ton oreille ?

Entraîner mon oreille pour le coup, faire de la direction artistique ça me plairait beaucoup si c’est la question.

C’était plus savoir écouter un enregistrement, reconnaître les défauts techniques du son, pour mieux savoir t’enregistrer toi-même.

Non, je n’ai pas le temps.

Entretien n°2

Le 20/10/2022

Comment avez-vous choisi les micros ?

Alors ce qui était déjà la première étape c’est qu’on a eu un cours de In house recording. C’est un week-end où l’on découvre le matériel dont la HSLU dispose. C’était en groupes, on a tous manipulé et ils nous montrent comment faire. Il y en a qui étaient dans la régie et d’autres qui étaient dans des salles en haut, donc on alternait les groupes entre ceux qui jouaient et les autres qui enregistraient. On a vite appris à brancher les trucs mais je trouve qu’on était beaucoup… Après je me suis dit qu’on allait enregistrer notre duo avec Florence^6,7, donc je suis allée voir Eric et Hervé⁸ en leur disant que j’avais envie de faire ça pour savoir de combien de microphones et de quel matériel j’avais besoin. Ils m’ont conseillé les micros, ceux qui sont tout fins, et après on a organisé une séance crash test avec mon ordinateur et les microphones et la carte son de l’école. Pendant la séance crash test on a branché les trucs, j’avais des souvenirs de comment ça fonctionnait à peu près mais on a galéré parce que le son dans le micro n’était pas activé. On a appelé Hervé qui est venu nous aider et finalement le copain de Florence qui s’y connait un peu est venu nous aider. En fait on avait du son dans le micro, c’est juste que ce n’était pas relié à la piste de Cubase.

Tu as une version gratuite de Cubase ?

Non, c’est la licence de l’école. Une fois que ça marchait, on a programmé le jour J. Le jour J on avait rendez-vous vers 9h-10h et on a dû finir vers 17h.

Comment as-tu réservé une salle ?

On a envoyé un mail à la Raum HSLU⁹ et c’est vrai qu’on s’y est pris un mois à l’avance pour réserver une salle pour le crash test et une salle toute la journée le dimanche, comme ça on était sûres d’être tranquilles.

Le jour J vous avez installé tous vos micros, ça vous a pris combien de temps à peu près ?

Je pense que ça nous a pris une heure parce qu’il y avait trois caméras avec. En fait il fallait d’abord installer la salle donc pousser tous les instruments, puisque c’était une salle avec deux pianos, une batterie et des enceintes partout, une Ensembleraum¹⁰. Donc tout pousser puis installer les micros je pense que ça nous a pris une heure et demi avec les caméras et après lier avec l’ordinateur et faire le check son pour régler la puissance.

Vous avez beaucoup écouté ce que ça donnait dans les micros ?

C’est le copain d’Isabelle qui nous a fait le soundcheck. On lui a fait confiance et une fois qu’on s’est enregistrées on s’est écoutées après chaque prise, mais c’est tout.

Est-ce que vous avez replacé les micros ?

Oui, après comme on a vu toutes les deux le piano c’était pas le…

Justement c’est intéressant, est-ce que sur le moment c’était bien ?

Non, on ne s’est même pas dit, on était tellement focalisées sur la qualité musicale qu’on pouvait faire que pour la flûte par exemple on ne s’est pas dit mince c’est peut-être un peu trop proche. On n’a pas replacé les micros.

Vous aviez un casque pour vous deux, trois ?

On avait deux casques, le copain d’Isabelle est venu le matin avec nous et après il n’était plus là.

C’était pour démarcher des festivals ?

Oui.

À chaque prise vous coupiez ?

À chaque prise on coupait tout, le son et les trois caméras et on écoutait, après on faisait un petit débrief musical, on était tout le temps avec la partition ou alors on faisait une pause mais on avait trop peur de dérégler des trucs donc on laissait tout allumé à chaque fois.

Vous avez mis de 9h à 17h, vous avez fait 3 prises complètes ?

Oui 3 prises complètes et après on a fait deux passages en deux prises à répéter en boucle en se disant qu’on pourrait peut-être l’utiliser.

Et ce n’était pas mieux ?

Quand j’ai réécouté je pense que c’était suffisant les trois prises qu’on a faites.

Vous avez fait les deux prises répétées en boucle après ?

On a fait ça entre la 2^e et la 3^e prise complète.

Après ça vous avez tout remballé, et vous avez fait d’abord le montage vidéo ?

Non, je suis allée voir Eric et Hervé en leur disant que j’avais ce montage son à faire, comment faire pour que ce soit un peu plus réverbéré ? Il m’a juste ajouté la réverbération et dit que je pouvais décaler les pistes à droite et à gauche. J’ai juste fait ces deux manips, plus à droite, plus à gauche et mettre la réverbération, essayer de jouer avec ça. Le soir même j’ai mis les vidéos par-dessus pour montrer à Florence le lendemain les trois versions qu’on avait. Là elle m’a dit que ça n’allait pas le son, que ce n’était pas cohérent avec la pièce, qu’il y avait trop de réverbération. Elle m’a dit que ce n’était pas complet ce que j’avais fait. Elle a appelé son copain qui a remis une réverbération plus naturelle, qui a égalisé, mis des EQ. Par-dessus j’ai refait le montage avec les vidéos zoom. Parce qu’il y avait une caméra centrale et par-dessus j’ai mis des petits zooms sur la version qu’on avait choisie. Et finalement on s’est dit que c’était trop dommage, et j’ai fait appel à toi pour faire le montage.

Et du coup c’est son copain qui a filmé les zooms ?

Non c’étaient juste les caméras qui étaient posées, elles étaient fixes.

En post-production tu as fait le zoom ?

Non, il y avait trois caméras fixes qui ne bougeaient pas, le zoom était déjà fait sur nous. Donc je n’ai rien touché à l’image, j’ai juste mis l’image au bon moment pour que ça corresponde et j’ai joué avec les zooms.

Et le logiciel tu avais appris à t’en servir au week-end de inhouse recording ?

Cubase ? Oui, entre guillemets, je ne sais pas le maîtriser.

Tu ne t’en es jamais servie à l’extérieur de ce cours ?

Du coup avec cet enregistrement oui. Je sais mettre les pistes, relier les trucs, tout ce que je sais faire c’est l’enregistrement mais l’après enregistrement je ne sais pas.

Si tu avais enregistré avec un ingénieur du son, qu’est-ce que tu aurais attendu de différent ?

Déjà le fait qu’il n’y ait plus cette charge de mettre en place les micros et les caméras, On devait couper puis regarder si tout était bien en place, enlever cette charge. J’aurais aussi attendu des retours entre les prises, très concrets : tu es trop forte, plus de phrasé. On était toujours le nez dans le guidon, je pense que ça nous aurait allégées que quelqu’un d’extérieur puisse nous guider.

Qu’est-ce qui t’a plu dans le fait de ne pas avoir d’ingénieur du son avec vous ? C’est juste la fierté de dire on l’a fait toutes seules, mais en vrai pas grand-chose parce que j’avais l’impression de ne rien maîtriser. Oui, il y avait des micros mais après coup, maintenant en en parlant avec toi et surtout en voyant le résultat on voit les détails qui sont importants et qu’on ne savait pas. Je dirais juste le truc de le faire toute seule, mais c’était hyper crevant.

Le choix de ne pas faire ça avec quelqu’un s’est fait de soi-même parce que vous ne connaissiez personne ?

Si, il y a un mec qui fait ça à l’école. Moi au départ je m’étais dit trop bien, j’ai envie d’apprendre à faire ça, comme ça je peux avoir cette carte dans ma valise et me dire ok, je peux faire ça toute seule. Mais en fait je me rends compte que c’est tout un monde et toute une formation qu’il faut avoir, et maintenant c’est ok de se dire que je préfère me concentrer sur la partie artistique et c’est ok de ne pas savoir tout faire. C’était un peu un truc de trop bien, je vais le faire toute seule et m’y intéresser. Je m’y intéresse mais je pense que c’était un peu naïf de me dire que je le ferais toute seule.

Maintenant si tu devais le refaire tu ferais autrement ?

Je pense que oui, je ferais avec quelqu’un. Je serais là pour installer parce je trouve ça trop bien de pouvoir en parler avec la personne et comprendre ce qui est bien : pourquoi le micro est mieux là, comment brancher ça… Mais je ne ferais pas ça toute seule, je ferais avec quelqu’un. C’était aussi une question financière. Mais maintenant qu’on voit le résultat, tout est léger, on se dit que bien sûr, ça vaut le coup de faire appel à quelqu’un et de payer, c’est évident. Il y a une raison pour laquelle ces gens sont là. Autant mettre de l’argent pour éviter un poids sur la journée.

Tu n’as pas besoin de t’enregistrer souvent ?

Si, je m’enregistre souvent, je le fais de plus en plus pour travailler parce que je vois les bénéfices. J’ai un Zoom H4 avec lequel je m’enregistre. D’ailleurs il y a des réglages à faire, quand tu joues fort le son se réduit, et quand tu joues piano ça augmente. J’utilise souvent ça pour les rodages pour m’enregistrer mais je vois de plus en plus l’utilité de s’enregistrer. C’est juste pour moi toute seule, ça ne devient jamais un matériel pour montrer aux gens.

Ça fait combien de temps que tu l’as ton Zoom ?

Ça fait depuis 2018 ou 2019.

Tu avais dû faire des vidéos de concours pour rentrer ici ?

Oui.

Tu avais fait ça au Zoom ?

Non, j’avais fait avec un appareil photo, il y avait un micro branché dessus. Comme ils ne voulaient pas de montage j’avais peur d’enregistrer le son et puis de mettre l’image dessus.

L’appareil photo et le micro sont à toi ?

Oui, à mon père.

Tu vas devoir te réenregistrer pour faire des entrées en master ?

Oui, ou même pour ma documentation personnelle, c’est vrai que ça fait une différence quand tu veux jouer à un endroit. Ça fait la différence quand tu envoies un dossier avec au moins une petite vidéo de ce que tu sais faire.

Tu as déjà investi dans du matériel donc ?

Oui, le Zoom H4.

Est-ce que tu serais prête à investir dans du matériel ou ça te semble inutile ?

Oui, j’aimerais bien avoir cette possibilité de pouvoir enregistrer sur le long terme, carrément. Même pour créer des sons, pendant un moment je rêvais d’aller dans les forêts et d’enregistrer les bruits de la nature et de faire un montage après pour créer. Je pense que quand tu enregistres un truc dans un but professionnel, le fait qu’il y ait un regard extérieur c’est hyper important en fait. C’est ce que je m’imagine et j’ai l’impression que même pour les CDs ça se passe souvent comme ça. C’est bien de faire la part des choses entre l’artiste et celui qui s’occupe du son.

Est-ce que ça t’intéresserait d’avoir un apprentissage pour mieux écouter et reconnaître les défauts d’un enregistrement ?

Oui carrément, pour comprendre. C’est une autre façon d’écouter, je ne pensais pas du tout.

En t’enregistrant tu arrivais à faire la part des choses entre le son et ce que tu jouais musicalement ?

Oui, je trouvais que c’était hyper sec et je m’inquiétais de mince, est ce que je joue sec ? Mais même quand je m’enregistre toute seule c’est vraiment super sec, est-ce que c’est vraiment mon jeu, l’acoustique ou le micro ? Je pense que je ne sais pas faire la part des choses.

Et tu arrives à retrouver ton son, les graves, les aigus ?

Oui avec le Zoom H4 ça donne une bonne idée de si c’est dur, ample, rond. Mais c’est souvent très sec et en plus comme on est hyper dur avec soi-même je ne sais pas si je suis vraiment objective. Je pense qu’il y aurait un effort de mon oreille à faire, même entre ce qu’il se passe sur le moment, quand je joue, et après quand j’écoute. C’est intéressant, est-ce que le son quand tu le produis et quand tu l’écoutes il doit sonner pareil ?

Entretien n°3

Le 06/01/2023

Est-ce que tu peux te présenter rapidement, dire ton instrument, ton niveau, ton école ?

Je joue de l’accordéon à la Haute école de Lucerne, je suis étudiante en quatrième année de Bachelor parce que j’ai rajouté deux semestres.

Tu t’es déjà enregistrée toute seule ? C’était pour quoi, dans quel but ?

Une fois pour m’enregistrer pour pouvoir participer à une masterclass, et en fait ça m’est déjà arrivé d’enregistrer pour des compositeurs qui demandaient des improvisations pour un projet. J’ai dû m’enregistrer en train d’improviser et après ils ont utilisé les enregistrements. C’est arrivé 2-3 fois avec des compositeurs.

Ils en font quoi après des improvisations ?

La première fois je crois qu’il voulait de l’inspiration. Il a utilisé les improvisations pour faire des compositions avec, c’était le concept de sa pièce. Et avec un autre compositeur on devait enregistrer des sons spéciaux avec notre instrument et après il utilisait les sons, il a fait une tape électronique à côté. On jouait avec dans la pièce, il avait aussi écrit des parties à jouer pour nous en plus de l’enregistrement.

Mais je veux dire psychologiquement, parce que deux mois c’est long, est-ce qu’il t’a aidé ou pas ?

Alors musicalement il m’aidait dans les choses qu’il fallait améliorer oui. Mais à la fin il en avait marre. En fait, j’ai envoyé la vidéo un jour avant la fin des inscriptions. À la fin il m’a dit “fais ce que tu peux” et ça avait bien donné mais oui avec le recul je me dis que j’aurais quand même pu mieux faire. Mais on ne peut jamais savoir.

Et tu penses que si tu avais travaillé pendant deux mois et que tu avais fait 3-4 jours d’enregistrement avant ça aurait été différent ?

Ça aurait été mieux je pense.

Maintenant tu ferais comme ça plutôt ?

Oui parce que là je me dis que j’ai quand même perdu beaucoup de temps et d’énergie en enregistrement. Au final j’avais 20 et quelques vidéos. Ça fait beaucoup. Et à la fin je les ai éliminées… Et puis tu es aussi moins concentré, tu te dis : “ah oui je peux refaire”. Oui je pense que maintenant je travaillerais… Enfin comme tout le monde, presque tout le monde fait comme ça en fait. Maintenant je travaillerais bien mon programme, quitte à le jouer en entier mais sans enregistrer. Et après j’enregistrerais, pas juste avant mais je ferai des jours intensifs comme ça avant. Et puis j’enverrai la meilleure. J’en ferais plus par jour que ce que je faisais.

Et est-ce que tu as déjà essayé de t’enregistrer avec quelqu’un comme si t’avais du public ?

Non.

Tu as toujours été tout seul ?

Oui, j’aurais peut-être dû faire comme ça, je ne sais pas. Mais toujours seul.

Et tu penses qu’être avec quelqu’un, soit quelqu’un d’extérieur soit avec un ingénieur du son, ça peut t’aider ?

Oui clairement, quelqu’un comme toi aurait pu quand même donner des conseils et ça change tout. Même quand tu as un bon musicien qui est là, il t’en donne. À mon avis ça changerait.

Est-ce que si tu devais le refaire tu travaillerais avec un ingénieur du son ou pas ?

Oui clairement.

Pour tout type de projet ?

Pour tout oui, pour tout. C’est toujours intéressant d’avoir des commentaires et des retours sur ce qu’on fait.

Donc tu attends vraiment de l’ingénieur du son un retour musical ?

Oui parce qu’il sait ce qu’il dit.

Et un son qui te ressemble plus ou pas ?

Oui… Avec un ingénieur du son est-ce que je retrouverais mon son de trompette ? Oui je pense quand même. Alors pas à cent pour cent c’est clair mais plus que ce que j’ai fait.

L’ingénieur du son a aussi d’autre matériel que le Zoom, est-ce que tu penses que ça aide beaucoup de changer de matériel ou pas ?

Peut-être oui peut-être.

Est-ce que toi tu serais prêt à acheter autre chose ou tu préfères rester au Zoom ? Si quelqu’un me conseille d’acheter autre chose, pourquoi pas investir un jour. Mais après je suis quand même content de ce que j’ai. Maintenant j’ai quand même de l’expérience avec ce genre de choses, tu apprends, tu vois des trucs. Mais je pense que si je devais changer un jour je changerais oui.

Pour l’instant tu n’en as pas l’utilité ?

Oui pour l’instant ça va. Et puis je ne fais pas ça chaque mois…

Tu t’enregistres à quelle fréquence ?

Ça dépend des périodes, là j’avais mon récital il y a trois jours… Je me suis enregistré trois fois par semaine durant un mois. Mais je fais l’erreur pendant mon travail sans récital de ne pas souvent m’enregistrer. Il faudrait le faire plus souvent je sais… mais ce n’est pas facile.

Donc tu n’as jamais fait de post-production… Et s’il y a un an tu avais eu l’occasion de travailler avec un ingénieur du son tu l’aurais fait ou pas ?

Oui clairement mais je ne connaissais pas encore d’ingénieur du son.

Et avec quoi tu as l’habitude d’écouter ? Par exemple le Zoom tu l’écoutais avec quoi ?

J’avais un casque que je prenais ici. Ça ou bien des écouteurs pas très bien d’ailleurs. Avec le temps je me suis dit que c’était mieux de prendre ça. Parce que les écouteurs avec fil, les petits, ça sonne quand même moins bien.

Tu as déjà fait les modules de cours d’enregistrement ?

Oui, en deuxième année, en septembre 2020. C’est un module Inhouse recording. C’était surtout pour nous apprendre les opportunités qu’on avait de faire de l’enregistrement de salle à salle dans l’école. Tu es dans la régie et tu peux t’enregistrer dans une salle. Après je n’ai jamais essayé de le faire ça parce que c’est compliqué quand tu dois réserver les deux salles et je me suis dit qu’il y a des gens qui en ont plus besoin que moi. Et c’est compliqué, franchement c’est compliqué.

Tu as des souvenirs de cours ou tout t’es sorti de la tête ?

Pas tout m’est sorti de la tête mais 95 %.

Qu’est-ce que tu as retenu ?

J’ai surtout retenu ce qu’on pouvait faire mais après ça allait très vite, c’était en suisse allemand alors c’était compliqué. D’ailleurs c’était ma 2^e année je parlais encore moins bien que maintenant. Alors c’était dur et ce n’était que des suisses allemands qui parlaient entre eux et puis toi tu es là et tu ne comprends rien. Alors je faisais les exercices qu’ils nous demandaient. On devait s’enregistrer dans une salle et puis eux ils faisaient… mais c’était… je ne comprenais rien. Alors avec le recul je me dis qu’en français ça aurait été intéressant ce cours parce que c’est quand même bien fait ce qui est là. Mais non je ne saurais pas te dire un truc…

Et ils vous ont donné des fiches ou ce n’était que de l’oral ?

Non ce n’était que de l’oral. C’était deux week-end de suite, non un week-end complet samedi-dimanche. Je n’en pouvais plus, j’étais fatigué. Et c’était au début, je ne connaissais personne ici. Il y avait beaucoup de jazz en fait. C’était notre première semaine dans ce bâtiment et on ne se connaissait pas avec les jazz, si j’étais avec des gens de classique ça aurait été mieux mais j’étais là avec ma trompette, il fallait improviser… Alors je pense qu’il s’est amélioré le cours. Enfin je ne dis pas que ce n’était pas bien mais il s’est amélioré parce que des gens y sont allés et il parait que c’était bien. Avec ce cours tu as accès à des micros apparemment ?

Oui à du matériel.

Mais je n’ai jamais… On ne sait pas où c’est. Je sais que c’est sur Internet mais je n’ai jamais… je n’ai même pas pensé à ça parce que je savais que c’était compliqué. Toi tu sais comment ça marche ?

Non, je n’ai pas fait le module. Mais du coup qu’est-ce qui t’a poussé à acheter le Zoom ?

C’était un cadeau. Non ce n’est pas vrai, j’avais gagné un concours en Valais, j’avais gagné un bon de trois cents francs et il coûtait deux cent et quelques francs, je me suis dit j’achète ça et ça va servir. Et ça a servi.

Et niveau formation, si par exemple ils refaisaient la même chose en français, toi tu irais ?

Oui clairement parce que ça m’intéresse mais quand même avec un autre plan de formation, plan de du cours… J’attendrais qu’on reçoive un dossier, quelque chose d’écrit. Il y avait quelque chose d’écrit sur le tableau, une présentation Powerpoint. Et c’est les deux profs d’informatique, ils sont très gentils mais ils parlent vite suisse allemand alors je comprends le suisse allemand mais pas ce qu’ils disent, c’est compliqué. C’est des trucs qu’on ne connaît pas déjà en français alors en plus en suisse allemand…

Du coup tu attendrais de savoir comment utiliser ton Zoom ?

Mon Zoom et puis d’apprendre d’autres choses aussi. Parce que je sais qu’il y a plein d’autres micros, tout en fait… Aussi comment placer le micro. Enfin ils nous ont tout expliqué, c’est compliqué. On faisait de la pratique mais on a fait ça deux jours et après plus rien.

Si tu devais faire une formation là-dessus tu préférerais en physique ou par vidéo ?

En vrai.

Et acheter un livre par exemple ? Tu préfères passer par quelqu’un ?

Oui c’est mieux.

Tu n’as pas eu non plus besoin d’enregistrer pour rentrer dans des écoles ?

Non parce que j’ai eu la chance de rentrer avant le Covid et ça n’existait pas tellement avant. Je suis rentré en 2019. Là je vais faire des concours d’entrée en Suisse dans des Hautes Écoles et mon critère principal, parce que toutes les écoles me plaisent en général, mais mon critère principal c’est que si c’est en vidéo je n’y vais pas. Parce que je n’aime pas du tout. Alors c’était une expérience mais je ne la referai pas. Je voulais aller à Genève mais c’est par vidéo alors…

Et si un jour il y a un concours d’orchestre que tu rêves de faire par vidéo ?

Ah je le ferai bien sûr. Quand j’ai le choix je ne fais pas. Mais je sais qu’un jour ce sera la norme. Parce que maintenant ce sont des exceptions les hautes écoles qui ne demandent pas ça. Là je vais à Fribourg et ils ne demandent pas ça heureusement, mais c’est parce que le prof n’aime pas ça. Heureusement parce que je n’aime pas ça. Quand je suis sur Muvac et que je regarde les postes d’orchestre si c’est par vidéo je ne regarde même pas. Parce que je trouve que tu perds beaucoup de temps.

Tu te dis que ça va te reprendre deux mois ?

Oui.

Même si tu te dis que tu fais ça avec quelqu’un ?

Oui parce que finalement c’est toi qui fais 90 % du travail.

Tu ne te prépares pas pareil quand c’est par vidéo ou en vrai ?

Non.

C’est quoi la différence ?

Quand c’est en vrai tu fais encore plus de travail psychologique, enfin plus de travail mental, que tu n’as pas besoin de faire là.

Par rapport au stress ?

Oui parce que là tu n’as pas de stress, de ce côté-là c’est peut-être mieux. Mais moi j’aime bien ce stress de se dire que c’est maintenant que tu dois le faire, tu es capable de le faire et tu peux le faire. Mais là, à chaque fois que je fais une vidéo je me dis “oui, je la referai demain”.

Et justement travailler avec quelqu’un pour te dire qu’il n’est là qu’aujourd’hui ? Comme j’ai dit avant, si je devais le refaire je demanderais à quelqu’un de venir pendant 4 jours pour faire à fond parce que c’est mieux. C’est quand même plus efficace de travailler comme ça parce qu’à chaque fois, si tu te dis que pendant deux mois tu vas faire une vidéo tous les deux jours, je n’ai pas fait les calculs mais tu en as énormément et tu dois choisir. Si tu pouvais coller les mesures entre elles ça irait mais on n’a pas le droit de faire ça. Et c’est aussi le fait d’être seul, il n’y a pas de piano. Alors il y a certains concours où c’est avec piano mais la plupart du temps c’était seul. Tu dois enchaîner une pièce et plusieurs traits d’orchestre, 4 ou 5 traits d’orchestre. Si tu devais faire ça dans un récital ce ne serait pas très long, ce serait comme un concours normal. Mais si tu fais ça tu es seul, tu n’as personne qui t’écoute. Tu sais que tu vas l’écouter toi après. Moi j’aime bien ce stress de la scène. Je vis pour ça. Enfin j’aime bien me dire que maintenant je dois le faire et puis si je ne le fais pas ce n’est pas cool.

Tu aimes avoir un objectif précis ?

Oui mais là tu n’as pas d’objectif, tu as juste un objectif de faire une bonne vidéo mais tu te dis que tu as deux mois et après tu te retrouves trois jours avant et tu n’as rien. Alors non, si j’ai le choix je ne le fais pas.

Entretien n°5

Le 07/02/2023

Est-ce que tu peux te présenter rapidement ?

Je joue de la harpe et j’ai étudié à différents endroits, j’ai d’abord fait un Bachelor en Allemagne, après un Master performance à Londres et maintenant je fais un Master pédagogie à Lucerne. J’ai 26 ans.

Tu as le nom des écoles ?

Oui, en Allemagne c’était la Hochschule für Musik Karlsruhe et à Londres c’est le Trinity Laban Conservatory.

Tu as déjà une expérience, tu t’es déjà enregistré toi-même ?

Oui à cause du Covid j’ai dû faire plein d’enregistrements moi-même parce que les cours sont passés en live pendant le Master à Londres. Donc les examens et les auditions d’orchestre étaient par vidéo.

Donc à la fois pour ta prof, pour les concours d’orchestre et pour les examens ?

C’est ça oui.

Pendant toute la période du confinement ?

Oui quand ça a commencé, donc en mars 2020 jusqu’à la fin. Mon examen final c’était en juillet 2021 et là c’était encore des vidéos.

Depuis tu en as fait ou pas ?

Depuis j’en ai encore fait pour l’examen d’entrée que j’ai fait à Lausanne et Zürich, il fallait faire des vidéos. Et j’ai aussi enregistré des concerts, maintenant qu’il y a de nouveau les concerts, donc là c’est mon frère qui m’a aussi aidée à enregistrer.

À chaque fois que tu as un concert tu enregistres ou c’est de temps en temps ?

Non c’est de temps en temps. Là c’était un concert spécial où j’ai joué de la musique de chambre et c’était unique donc c’était pour avoir les morceaux.

Pour avoir une trace ?

Oui.

Si on retourne à Londres, comment tu faisais pour t’enregistrer là-bas ? Tu avais du matériel ? Tu avais quoi ?

Tout au début quand j’étais enfermée je n’avais rien, j’avais juste mon téléphone. Je faisais les enregistrements avec le téléphone et ce n’était pas très bien la qualité. Je me rappelle qu’on faisait aussi les cours par FaceTime, là on avait du mal à bien

avoir les sons aigus et tout le volume. Du coup après, quand j’ai pu rentrer chez moi, mon frère qui est dans le domaine du cinéma m’a conseillé de prendre deux micros, j’en mets un de chaque côté de la harpe. On a acheté les micros, c’était des Rode, quelque chose comme ça. Au début j’avais ces deux micros, je m’enregistrais avec ça et j’avais un une sorte d’appareil rouge où on branchait les micros et l’ordinateur.

Tu faisais avec quoi comme logiciel ?

Je ne sais plus, je sais que j’utilisais iMovie mais pour enregistrer je ne sais pas. Si tu as besoin je peux demander à mon frère, il doit savoir parce qu’il m’aidait toujours avec ces deux microphones

Donc comment ça marchait ? Tu les plaçais, tu écoutais ? Lui il était là dès le début pour t’aider ?

Il était là dès le début et il regardait quand je jouais le son le plus fort si ça ne saturait pas. Il m’aidait pour ça et après il partait.

Et est-ce que tu réécoutais pour voir si le son te plaisait ou pas ?

J’avoue que pas trop.

Et en réécoutant après est-ce que tu faisais un peu attention au son ou tu écoutais vraiment musicalement ?

J’écoutais surtout musicalement, j’étais très concentrée sur comment je jouais et si je faisais des erreurs. Je n’ai pas tellement fait attention mais je trouvais que c’était bien balancé.

Et comment tu faisais avec les deux micros, tu faisais un traitement ou tu prenais les deux sons et tu les superposais, est-ce que tu te rappelles ?

Il me semble que je les superposais.

Quand tu enregistres tu fais une prise et après tu écoutes ? Ou tu refais des prises jusqu’à être contente ? Comment ça se passe ?

Ça dépendait de mon humeur et de si j’étais stressée. Ça arrivait souvent que je joue plein de fois à la suite, jusqu’à ce que j’arrive à jouer une fois déjà sans fautes, après j’écoutais et je refaisais des prises.

Et par exemple quand tu as fait tes vidéos pour Lausanne ça t’a pris combien de temps ?

Pour Lausanne ce n’était plus avec mon frère, j’étais seule et j’avais une caméra Zoom avec les deux microphones au-dessus de la caméra. Là ça m’a pris… En fait j’ai fait chaque morceau séparément. Il y avait plusieurs morceaux à faire et j’avais plusieurs semaines pour le faire. Pour enregistrer un morceau ça devait prendre peut-être un jour ou deux.

Donc tu travaillais et quand tu te sentais prête tu enregistrais ?

Oui c’est ça, c’était plutôt vers le soir que j’enregistrais et je faisais plusieurs prises, ça pouvait durer une ou deux heures. Après, le lendemain si je me sentais de refaire ce morceau ou que j’avais l’impression que ce n’était pas tellement bien le jour d’avant, je refaisais ce morceau. Après je passais au suivant.

Mais tu travaillais tous les morceaux ensemble ?

Ça dépendait de la situation. Pour cette situation-là il y avait un morceau que je travaillais vraiment à fond une semaine peut-être et je travaillais encore un petit peu les autres. Le jour de l’enregistrement je ne travaillais que ce morceau et je l’enregistrais quand je me sentais bien.

Et au niveau du son, est-ce que tu étais contente du son ?

Je n’avais pas trop le choix… au final j’avais déjà ce micro qui ne marchait pas et du coup j’ai utilisé celui de ma coloc, elle a un Zoom aussi. Il a l’air très cheap mais il est bien. Du coup j’ai utilisé ça pour tout.

Tu as renoncé au micro ?

Oui parce que ça ne marchait pas. Mais je m’étais dit que dans ma chambre c’est là où l’acoustique sonne le mieux. Je ne me suis pas dit que je pouvais changer ça, j’aurais pu. Du coup c’est le son que c’est.

Mais quand tu l’entends est-ce que tu reconnais ton son ?

Bah oui.

C’est les mêmes défauts, les mêmes qualités ?

Je ne me suis pas demandé… Enfin je me suis demandé : ah ce sont mes défauts et mes qualités ?

Donc pour toi ce que tu entendais c’est vraiment ce que tu jouais ?

Je pense que c’est un truc objectif qui te redonne une idée. Ça l’est non ?

Tu travaillais avec ton prof en même temps, tu lui envoyais les vidéos au fur et à mesure ?

Non.

Tu étais vraiment toute seule ?

Oui.

Et en parallèle tu travaillais un programme pour ton professeur ou tu étais vraiment là-dessus ?

Non, au début on était tous un peu perdus. Je pense que mon prof a bien mis un mois aussi à réagir et à nous envoyer des mails.

Pour les autres concours c’était pareil ? Comment tu as fait pour Mahler ?

Là c’était mieux déjà, j’étais plus préparée, j’avais réservé une bonne salle. Non, je me souviens, j’ai aussi envoyé pour Moritzburg, je crois que c’est une académie. Et tu dois envoyer n’importe quelle pièce, ça c’est bien. C’est sympa ça ne te déprime pas. Du coup j’avais enregistré mais vraiment à la dernière minute dans une salle sans fenêtres au quatrième étage, mauvais côté. C’était horrible. Enfin c’est joli mais ça sonne comme ça sonne…

Donc après tu t’es dit que tu allais réserver une bonne salle ?

Et après pour Mahler j’ai fait avec Fanny¹⁵, on s’est un peu soutenues gegenseitig¹⁶ et on s’est motivées, on a réservé la salle 250 beaucoup de fois. Du coup j’ai fait là-bas.

Et elle le faisait aussi ?

Oui. On s’aidait parfois à être dans le plan, tu n’avais pas besoin de te filmer, de rentrer dans le cadre et de revenir pour regarder parce qu’il y avait une personne qui regardait si tu étais dedans. Enfin on était là 5 minutes.

Vous ne vous écoutiez pas du tout l’une l’autre ?

Si, parfois. Parfois non.

Est-ce que ça aide ou pas ?

Franchement, je n’ai jamais réussi à faire un enregistrement où je suis contente de la manière dont je joue, donc si quelqu’un écoute j’ai plus l’impression que c’est un concert, ça m’aide oui. Je l’ai fait une fois pour elle, je me souviens que ce n’était vraiment pas très bien la manière dont j’ai joué. Mais c’était mieux comme impression, c’était moins : “oh si je fais une faute là je m’arrête et je recommence” mais plutôt “je vais jouer pour elle toute la pièce”.

Oui, ça te pousse à ne pas t’arrêter ?

Oui.

Vous aviez fait sur une période de combien de temps à peu près ?

Je ne sais pas, je pense qu’en une semaine on a fait 2, 3 jours.

Donc parfois vous vous aidiez pour cette histoire de caméra, et parfois vous vous écoutiez mais peu.

Oui et on avait la salle d’à côté où l’une travaillait pendant que l’autre s’enregistrait et on échangeait. On le refait la semaine prochaine mais on upgrade en Salquin s’ils veulent bien nous laisser réserver parce que ce n’est pas gagné.

Donc vous refaites un concours ?

Oui, là on fait Cluj, mais cette fois on le fait toutes les deux. On va voir comment on fait, on n’a pas toujours le temps en même temps.

Et quand tu enregistres pour Cluj, Mahler ou ailleurs est-ce que ça te prend beaucoup de temps sur ton temps de travail à côté ? Est-ce que tu ne fais que ça ou tu as quand même des programmes à jouer à côté ?

Non, là non mais quand j’ai fait Mahler j’ai tout fait en même temps…

Tu t’en sortais ?

Non.

Donc tu as laissé un peu de côté ton travail pour te concentrer sur les enregistrements ?

Non parce que je devais tout faire en même temps mais du coup j’ai tout fait au minimum, j’ai tout fait un peu moyennement bien.

Ces enregistrements-là tu les as montrés à ton professeur ?

Non. Je n’en ai jamais montré à mon professeur. Tu sais pourquoi ? Parce que j’ai fait les enregistrements trop tard pour pouvoir en refaire et du coup si je lui envoie l’enregistrement que je vais envoyer ce n’est pas super. À part me dire de ne pas l’envoyer, il ne pourrait pas me donner de feedback. La seule fois où je lui ai demandé c’est quand j’ai enregistré Mozart pour un autre concours, j’en avais fait trois et je lui ai envoyé parce que je n’arrivais pas à choisir, je m’étais dit qu’ils étaient tous ok, que c’était le mieux que je puisse faire à ce moment-là.

Donc à chaque fois tu travailles le plus possible et tu enregistres quelques jours avant ?

Oui. Ou le jour même. Non quelques jours avant.

Quand tu te sens prête ?

Non quand j’ai la salle.

Tu n’as jamais retouché ton enregistrement après ?

Non c’est illégal. Non je n’ai jamais fait.

Tu penses que par exemple c’est interdit de changer juste le son de la salle ou ça fait partie des choses qu’on peut faire ?

Oui c’est probablement interdit mais je me dis qu’ils ne l’entendent pas. Si je savais comment faire je le ferais peut-être. Mais je crois que je préfère avoir une bonne salle dès le début. Mmh, quel monde de possibilités !

Quand tu enregistres au Zoom, tu écoutes avec quoi ? Un casque ? Des écouteurs ?

Sur l’ordinateur.

Tu transfères et tu écoutes ?

Oui ou parfois je peux mettre des écouteurs mais je n’en ai plus. Je n’ai pas de casque, je n’ai pas de très bons trucs pour écouter de la musique.

Donc ça veut dire que quand tu veux faire tes réglages tu enregistres, tu transfères sur ton ordinateur, tu écoutes et tu réenregistres ?

Oui, c’est pénible…

Comment tu places le Zoom dans la salle par rapport à toi ?

Un peu devant la caméra mais sans que ce soit dans le cadre. Donc 2, 3 mètres.

Face à toi ?

Oui, un peu plus bas que la caméra.

Sur une chaise par exemple ?

Oui, ou un lutrin, à la moitié de ma hauteur.

Et le Zoom tu en es contente, ça te convient ?

Oui.

Tu n’as pas besoin d’acheter autre chose ?

Non, je l’utilise pour faire ce genre d’enregistrements mais c’est souvent plus pour moi, par exemple pour les Podium. Je le pose quelque part, ce n’est pas forcément pour en faire quelque chose que je veux montrer à d’autres gens, à part quand je suis obligée parce que je dois faire des enregistrements pour des gens.

Et en musique contemporaine tu n’as jamais eu besoin d’enregistrer pour des compositeurs ?

Non. Une fois on a enregistré des bruits de papier pour une pièce. On a détruit un piano en papier. On a enregistré plein de bruits de papiers, on les a un petit peu manipulés et on les a mis sur un clavier. Après, pendant que je jouais au piano en papier, une autre personne jouait sur son clavier avec le bruit des papiers. Ça c’était avec son micro à lui. C’est lui qui a géré le son.

Et quand tu as fait le spectacle pour enfants avec les hamburgers¹⁷, il y avait du son dans la vidéo ?

Oui, j’ai aussi enregistré avec le Zoom.

Donc après tu as fait un petit peu de montage ?

Oui, sur Da vinci, directement avec la vidéo.

Donc tu n’as pas touché au son ?

J’ai fait des trucs basiques, mais ce n’était pas très professionnel. J’ai ajouté de la réverbération et j’ai retourné, enfin mis à l’envers. C’est tout, sinon j’ai découpé dans tous les sens. C’était difficile parce qu’ils avaient fait des petits bruits comme taper sur des tables et ils faisaient tout ça dans une même pièce. Ils faisaient des petites pièces d’une minute. Pour la toute première, j’ai enregistré tous les sons de la pièce séparément. Du coup ils étaient censés jouer en rythme mais ce n’était pas pareil… C’est le seul morceau pour lequel j’ai fait ça, pour le reste on n’avait pas le temps donc j’ai juste essayé d’être proche.

Comment tu as fait après au montage, tu as découpé ?

Il y a des sons qui se sont un peu perdus. Oui, j’essayais de découper et de les mettre beaucoup plus fort. Mais c’était très mal fait cette vidéo, il y a beaucoup de choses où j’étais dans le rouge à la fin.

Ça saturait ?

Oui. Mais si ça ne saturait pas tout était trop bas, donc je me suis dit que je m’en fichais, que ça allait saturer. J’ai exporté comme ça et ça allait. Mais je crois que le technicien a mis une limite dessus au concert. Et c’était trop bas d’ailleurs, mince, je me rends compte que tout était à cause de ça.

Comment as-tu appris à faire ça sur Da Vinci Resolve ?

Je n’ai pas appris… Quand on a fait les bruits de papier, Grégoire¹⁸ nous a montré pendant 20 minutes des choses basiques qu’on pouvait faire. Mais ça c’était dans un autre logiciel que j’ai toujours, je ne sais plus le nom.

Tu ne te sers plus de ce logiciel maintenant ?

Non parce que c’était compliqué… Si, un petit peu pour les bruits de papier. Mais je n’ai pas trop compris. C’était juste pour le son, pour moi c’est plus pratique d’utiliser vidéo et son en même temps.

Et si tu as des traitements à faire pour le son tu le ferais sur Da Vinci Resolve ou dans l’autre logiciel?

Peut-être dans l’autre. Mais j’ai aussi Audacity.

Tu t’en sers ?

J’ai fait des trucs dans Audacity à l’école. J’ai fait mon travail de Maturité. Mon projet de fin de lycée. J’ai fait ça dans Audacity. C’était un livre audio avec de la musique de Schubert.

Donc tu as pris des enregistrements qui existaient ?

Oui et j’ai mis ensemble avec une histoire que ma prof de flûte à bec a gentiment lue. Mon frère m’a donné son micro et son… Je ne sais pas, c’était compliqué il y avait beaucoup de boutons.

La carte son ? Tu branchais le micro dedans ?

Oui. Le son était bien à la fin. Tout était très bien sauf l’histoire, j’ai tout réussi toute seule. Les enregistrements je ne m’en souviens pas, je ne sais pas si ça sonnait plus professionnel. Ce n’était pas du tout légal aussi je pense. J’ai fait avec Audacity, tu peux enregistrer le son de l’ordinateur et après j’ai juste joué sur Spotify. Et je me demande s’il n’y avait pas quelque chose pour avoir une meilleure qualité. J’aurais pu télécharger depuis Youtube. Ce n’était pas très professionnel comme projet. Est-ce que c’est bien Audacity ? Pour moi c’était bien. Mais pour faire des choses plus compliquées c’est bien ?

Tu deviens limitée à partir d’un moment… Et quand tu t’enregistres pour travailler c’est vraiment pour écouter musicalement ce que tu fais ?

Oui, je fais souvent avec mon téléphone, je n’ai pas toujours le Zoom avec moi.

Tu fais ça souvent ?

Oui, tous les jours. Non, j’ai un peu des périodes. Par exemple hier j’ai l’impression de n’avoir fait que ça mais parfois je me dis que j’ai besoin de distance et je n’écoute pas trop. Mais ça m’aide beaucoup. Parfois j’ai l’impression que je m’écoute plus objectivement. Quand je joue j’entends ce que je veux entendre et du coup quand j’écoute l’enregistrement j’entends ce que j’ai fait et pas ce que j’ai voulu faire.

Et ça t’aide aussi à filer un programme ? Par exemple avant ton Abschluss¹⁹ ?

Oui j’en ai fait parfois mais je n’ai souvent pas réécouté. Parce que c’est beaucoup. Je m’enregistre pour me dire je vais faire ça d’un coup. Mais justement par exemple avant mon Abschluss, je n’ai pas fait tant que ça d’enregistrements. À un moment, je me suis dit qu’il n’y avait plus le temps de se frustrer par rapport à ça.

Est-ce qu’il y a des projets pour lesquels tu ferais appel à un ingénieur du son ?

Oui, bien sûr, si je voulais faire un truc pour mettre sur Youtube, ou si c’est quelque chose pour me faire de la pub bien sûr. Ce qu’il faut que je fasse une fois dans ma vie.

Pour des concours tu préfères toujours faire ça seule ?

Oui.

Quelle est la différence d’enjeu pour toi, d’enregistrer avec quelqu’un ?

C’est vrai… Je ne sais pas. Jusqu’à maintenant quand je me dis que je vais faire un concours je ne me dis jamais assez à l’avance que je vais être prête, faire ça bien, avoir mon ingénieur du son organisé pour ce jour-là. Je me dis plutôt : “ah mince il y a des deadlines, bon j’ai déjà joué cette pièce, ok”. Je ne me suis jamais dit : “oh là ça va être tellement bien”, peut-être que je ne me suis jamais dit que je pouvais gagner le concours. J’envoie des enregistrements en mode j’ai essayé. Du coup si un jour je suis vraiment prête… Mais peut-être que je ne le serai jamais parce que c’est juste ma personnalité qui est comme ça.

Alors que pour mettre sur Youtube ?

Ce serait la même chose, si je m’enregistrais pour un concours en sachant que je montre tous mes meilleurs côtés ce serait la même chose que si je voulais mettre sur Youtube.

Donc quand tu prépares un concours tu vois un programme et tu te dis que tu as déjà joué les pièces et tu les reprends ?

Oui.

Il n’y a pas de concours où tu te dis : “il y a ça et j’y vais” ?

Non, mais ce serait peut-être mieux comme stratégie. Je n’ai pas l’impression d’avoir eu un moment dans ma vie avec suffisamment de temps pour me dire que j’allais faire un concours. Ce n’est jamais un objectif de temps dans ma vie.

Et à l’inverse, tu t’enregistrerais seule pour mettre sur Youtube ?

Je crois que je ne le ferais pas.

Par souci de…?

Parce que si ce n’est pas parfait je ne vais pas mettre sur Youtube. Je me dis que je n’ai pas l’oreille pour écouter les qualités. Si tu me demandes avant ton concert d’aller dans la salle pour dire s’il faut que tu ouvres ou que tu fermes le piano, il vaut mieux demander à quelqu’un d’autre. J’ai l’impression que je me dis toujours que c’est bien, et je ne me demande pas ce qui pourrait être mieux. Si on n’entend pas trop je me dis que ce n’est pas grave, que je vais mieux écouter. Et pour ça, un ingénieur du son va dire de jouer plus fort, de fermer le piano ou d’augmenter le volume, je n’ai pas l’estime pour ça.

Ça t’arrive d’écouter sur Youtube des vieilles versions d’un morceau que tu cherches et de trouver que le son n’est vraiment pas bien ?

Oui, mais si c’est vieux…

Le son ce n’est pas un critère d’écoute pour toi ?

Que le son soit bien ? Non. Je pense que je clique sur des choses où je me dis que le son va être bien, tu sais, quand c’est bien filmé. Je ne sais même pas si je m’en rendrais compte. Si c’est bien filmé, je suis très visuelle, et qu’ils ont juste posé un Zoom je me dirais que c’est un bon enregistrement.

Et à l’inverse, est-ce que ça te gêne quand tu te filmes pour des concours et qu’on voit un microphone à l’image ?

Non, si c’est bien fait non. Enfin oui ça me gêne beaucoup si tu voies que la personne a juste posé son téléphone sur son lit. C’est mon occupation préférée de juger les gens sur leur incapacité à faire un cadre, c’est fou, ce n’est pas compliqué. Mais vraiment des choses basiques, comme mettre en horizontal.

Quand tu écoutes des grands flûtistes ou des flûtistes moins avancés, est-ce que tu entends entre eux une différence de son ? Tu te dis que certains musiciens ont un son incroyable ?

Oui. Parce que c’est contradictoire ?

Non mais c’est pour voir : est-ce que ton critère c’est le son de l’instrumentiste, et que tu n’écoutes pas vraiment le son de l’enregistrement, ou est-ce que tu n’écoutes pas le son du tout ?

Je ne sais pas. C’est intéressant. Je ne sais vraiment pas.

Quand tu enseignes, et qu’un enfant a un son immonde, comment fais-tu pour qu’il l’améliore ?

Je fais des exercices. Il faudrait qu’ils écoutent plus de flûtistes, je n’y ai jamais pensé. Je vais faire ça la semaine prochaine. Je ne sais vraiment pas, il faut que tu sois un peu curieux et que tu ailles écouter des trucs sinon tu n’as pas vraiment d’idée de quel son tu pourrais avoir. Moi ça m’énerve parce que si tu n’es pas curieux je ne peux pas l’être à ta place. Mais je ne sais pas si j’ai un idéal, j’ai mon idéal du son que je veux pour moi avec ma flûte mais chez les autres je ne me demande pas si ça pourrait être beaucoup mieux.

Ça ne t’intéresse pas vraiment ?

Si, c’est quelque chose qui m’intéresse.

Mais instinctivement tu ne te poses pas la question ?

Non mais j’ai l’impression qu’à la flûte et sûrement à tous les instruments ce n’est pas seulement quel son tu arrives à avoir, c’est quel son tu arrives à avoir malgré tout ce que tu dois jouer. Et du coup il y a beaucoup trop de critères et quand quelqu’un a un beau son c’est que techniquement et musicalement la personne arrive super bien à balancer le tout.

Donc le son c’est un peu le dernier critère, il faut que tout le reste soit parfait ?

Oui et du coup y’a des sons différents mais c’est à cause des personnes et des flûtes différentes. Tu as juste le meilleur son que tu puisses faire avec cette flûte. Je ne sais pas si c’est la réponse que je donnerai demain…

Est-ce que toi tu as déjà fait le module de formation InHouse Recording à l’école ?

Non, j’aurais pu, ça aurait été utile.

Tu regrettes ?

Je me dis qu’en général dans mes études j’ai fait beaucoup de trucs intéressants et créatifs et peu de choses où je me suis demandé ce qui serait utile pour mon futur. Mais partout, que ce soit enregistrement ou comment payer ses impôts ou Probespiel training²⁰… C’est fonctionnel et je ne suis pas une personne fonctionnelle.

Et si tu avais accès à quelque chose pour te former maintenant tu le ferais ou pas ? Probablement pas parce que je n’ai pas appris de mes erreurs… Mon futur est ouvert à beaucoup de possibilités, je ne sais pas, je vais réfléchir. Peut-être que je vais aller voir mon frère et lui demander s’il veut tout m’expliquer sur comment s’enregistrer. Il va me dire qu’il n’a pas le temps.

Et pour toi c’est rédhibitoire quand tu vois un concours par vidéo, tu ne te dis pas “ah non je ne le fais pas” ?

Si, j’ai la flemme, mais aujourd’hui tous les concours sont par vidéo, enfin il y en a très peu où ça ne l’est pas si tu veux rester ouvert à cette activité.

Et pour revenir à comment tu prépares les concours, quand tu prépares un concert par exemple ça n’a rien à voir ou c’est un peu pareil ?

Non, ça n’a rien à voir.

Tu te prépares comment pour un concert ?

Je pense beaucoup plus à ce moment, comment je vais devoir être à ce moment-là et je me prépare. J’aime bien toujours jouer par cœur, je me prépare à ne pas avoir de trou de mémoire. Je me prépare à comment je vais être. Je me prépare physiquement à pouvoir jouer le programme en entier plusieurs fois à la suite. Je me prépare à comment je vais me sentir entre les pièces. Oui, je me prépare complètement différemment. Peut-être que je devrais me préparer un peu pareil.

Comment tu fais, j’imagine que tu te prépares en enchaînant tout pour la fatigue ? Comment tu te prépares à ce que tu vas faire entre les pièces ?

En enchaînant les pièces. Là je pense à mon récital parce que c’est le plus récent, par exemple le point critique c’était le changement entre flûte moderne et traverso.

Donc je travaillais en alternant les deux. Après il y avait de l’improvisation donc c’est différent de tous les autres concerts que j’ai fait dans ma vie. Mais c’est important de savoir ce qui va venir après quoi et dans quel état d’esprit être après.

Et justement pour faire un enregistrement tu fais moins de filages pour te préparer ? Non, je n’en fais pas du tout. Mais je pense que j’ai dû faire moins d’enregistrements où il y avait plusieurs pièces à la suite. Je me dis qu’il faut juste que je survive à ce truc.

Quand tu as plusieurs pièces à enregistrer comment tu fais ? Tu fais plusieurs fois une pièce puis plusieurs fois l’autre ou tu fais tout ?

Non, je fais plusieurs fois la pièce jusqu’à ce que je sois obsédée et que je me dise qu’il faut changer.

Tu commences par la même ou tu alternes ?

Non je crois que j’alterne.

Entretien n°7

Le 08/06/2023

Tu peux te présenter ?

Je suis étudiant en deuxième année de Licence en basson français au Conservatoire National de Lyon. J’ai 24 ans.

Qu’est-ce que tu as comme expérience d’enregistrement, que ce soit seul ou avec quelqu’un ?

En auto-enregistrement, par rapport à tout ce qui a été confinement et covid j’ai eu mes vidéos de concours pour le premier tour il y a deux ans pour les concours de Paris et de Lyon. Ensuite, un projet de musique de chambre où on a monté un arrangement de Pierre et le Loup pour quintette à vent, et on a enregistré chacun dans notre coin nos parties instrumentales qui ont été ensuite collées les unes aux autres et mises sur un fichier vidéo. Et après, régulièrement mon prof me demande de m’enregistrer, justement suite au travail de préparation de vidéos de concours pendant le covid. Sachant qu’il me préparait déjà, même avant que j’envoie les vidéos au concours. Il me demandait de lui envoyer des vidéos pour avoir un suivi régulier de mon évolution pendant le covid, vu que je ne pouvais pas aller prendre de cours avec lui à Lyon.

Quand tu parles du quintette, le but c’était vraiment de mettre sur internet ou c’était pour démarcher ?

Oui on a mis une vidéo sur Youtube. C’est juste pour ça. Ce n’est pas grandiose, c’était un projet de confinement quoi.

Et depuis que tu es au CNSM ?

De temps en temps Philipp²¹ me demande de m’enregistrer et d’écouter, voire de lui envoyer des enregistrements ou de lui faire écouter mon travail personnel, que ce soit déjà pour juger de la qualité de mon travail en autonomie, ou pour avoir quand même un suivi pédagogique quand j’ai quelques cours qui sautent pour des raisons de tournée de son côté à Radiofrance ou de sessions d’orchestre de mon côté.

Donc à chaque fois que vous n’avez pas de cours ensemble tu fais une vidéo ?

Ce n’est pas régulier, des fois il expérimente un peu. Il a développé ça avec le covid je pense justement, le fait de devoir évaluer le travail des élèves par vidéo plutôt que par un cours particulier. Je crois qu’à Lyon ils ont dû notamment faire des cours en visio et que c’était un peu compliqué. Le problème c’est que forcément, avec les restrictions de qualité visio ou audio qu’on a par les logiciels de discussion c’est un peu compliqué de pouvoir faire pleinement un travail pédagogique.

Et pour des académies d’orchestre ou des stages tu as fait ?

Non.

Ce que tu fais en ce moment c’est vraiment pour travailler ?

Oui.

Tu dirais que tu fais ça tous les combien ?

Ça dépend. Peut-être une journée ou deux de travail dans le mois. Ce n’est pas régulier. En fait le but c’est de mettre en place des réflexes d’écoute active. L’avantage de l’enregistrement pour le travail c’est que ça permet de prendre du recul sur ce que l’on fait et d’avoir déjà une oreille extérieure, notamment dans le cadre d’une pratique d’un instrument à vent. On a une perception de l’instrument qui est très faussée par rapport à l’auditeur. Là où il y a juste le son de notre instrument, nous on entend principalement la réverbération de l’instrument dans le corps. On a une écoute interne ce qui est très perturbant, je pense qu’il doit y avoir des harmoniques qui changent. La justesse on ne l’entend pas exactement pareil. Et en plus ça permet aussi de prendre du recul. Quand on s’écoute sans jouer on n’est plus en train de se concentrer sur des paramètres techniques instrumentaux, on écoute juste ce qu’il y a par rapport à la musique et la représentation qu’on en a. Du coup c’est plus facile de dégager des objectifs et des paramètres de travail. Enfin de vraiment identifier ce qui pêche de manière récurrente, pour qu’une fois que c’est dégagé ça devienne intégré au travail sans enregistrement.

Ça tu le fais quand ton prof te le demande, mais est-ce que tu le fais aussi pour toi ?

Oui ça m’est arrivé puisqu’il y a une application que j’ai achetée. Elle est gratuite mais je l’ai achetée pour avoir plus de paramètres. C’est sur l’Iphone, elle s’appelle Andante. En gros dans l’application tu peux lancer une session de travail et quand tu lances ta session, l’application a plein d’items. Tu as métronome, accordeur et notamment enregistreur, et à la fin de ta séance de travail tu peux prendre des notes dessus. C’est un peu bête, tu n’as pas besoin d’un téléphone pour ça mais au moins ça permet de classer par jour. Tu mets ton niveau de satisfaction, et surtout tu prends tes notes par rapport à ce que tu as ressenti. Après tu peux réécouter, prendre des notes aussi par rapport à ce que tu penses et ça archive. Donc tu peux avoir un suivi de ton travail et c’est bien pour ça. Des fois, quand je me mets à travailler avec l’application, j’essaye de ne pas m’en servir parce que c’est vrai que je ne suis pas forcément pour l’usage d’applications dans le travail régulier. Ça permet de voir où tu en es, notamment quand tu commences à travailler une pièce pour vérifier si tu n’es pas en plein contresens ou si tu ne pars pas dans des directions qui ne sont pas saines. Et aussi pour pouvoir comparer à des enregistrements. Ce qui est bien c’est par exemple quand j’ai travaillé pour le concours d’orchestre que j’ai fait, et qu’il fallait que je monte le concerto de Mozart, il n’y a pas l’orchestre mais tu entends ta partie de basson et tu peux aller prendre des enregistrements de solistes sur internet pour comparer leurs idées musicales, juste pour faire de l’écoute comparée.

Donc tu t’en sers à la fois pour la musique, et tu disais aussi pour la justesse ?

Oui pour la justesse et aussi j’ai remarqué pour la précision rythmique. J’ai un défaut à l’instrument, en formation musicale de manière générale je suis plutôt très bon et très précis rythmiquement et peut-être que c’est à cause d’une raison digitale, je ne sais pas, je creuse encore là-dessus, j’ai tendance à être parfois un peu flou rythmiquement. Mon professeur notamment part du principe que pour lui la première chose qui cadre le rythme c’est aussi la manière de souffler. Enfin par rapport à tout ça, des fois tu n’as pas l’impression de ne pas être précis et quand tu écoutes un enregistrement dans un trait, tu entends clairement que le trait n’est pas précis. Ça aide beaucoup à la précision rythmique.

Tu connais NoMad Play ?

Oui, le conservatoire de Chalon où j’étudiais avant de rentrer à Lyon, en classe préparatoire, nous avait chopé des abonnements pendant la période covid. Le problème c’est que je m’en suis très peu servi puisque étant bassoniste, l’offre Nomad Play était très restreinte pour le basson. Tu as Mozart, Saint-Saëns et c’est terminé. Il y a aussi un autre problème. Ce qui était bien dans les deux pièces c’est qu’il y avait Saint-Saëns et que c’est souvent un imposé, c’est ce que j’ai joué au second tour de Lyon. Le problème c’est que, surtout pour de la musique romantique, ça joue bêtement en rythme et que la sonate de Saint-Saëns au basson bêtement en rythme ce n’est pas top.

Tu disais que tu fais beaucoup de concours d’orchestre en ce moment ?

Justement j’ai passé mon premier concours d’orchestre il y a un mois.

Donc c’était tout en présentiel ?

Oui.

Et les vidéos c’était vraiment pour t’entraîner ?

C’était juste mon prof qui me demandait d’écouter Mozart parce que j’avais tendance, en début de travail justement, à partir sur des directions personnelles qui n’étaient pas forcément très académiques disons, ce qui peut poser problème dans un concours d’orchestre, notamment sur une pièce comme Mozart. Je sais qu’en basson ça peut se faire beaucoup les concours sur vidéo, mais je ne suis pas trop concerné parce que je ne postule qu’en France avec le basson français. Par contre, je sais qu’il y a beaucoup d’orchestres à l’étranger, notamment des grosses formations, qui font des premiers tours sur vidéo encore aujourd’hui. J’ai eu des camarades de classe qui s’enregistraient, et je sais que pour eux ça pouvait être un bon exercice parce que ça exige de se réécouter, un peu comme un concours de CNSM. Mais c’est un peu bizarre pour un concours d’orchestre. Encore, sur un concours de CNSM ça permet de contrôler un niveau technique, on demande surtout sur un premier tour, littéralement une admissibilité, de voir si tu valides les items qu’une institution estime nécessaire avant de rentrer, mais alors pour un orchestre c’est un peu bizarre et des fois ils prennent des gens en vidéo et puis une fois que tu arrives sur place, tu ne corresponds pas du tout au profil qu’ils recherchent.

Est-ce que si tu vois un concours avec un 1^er tour par vidéo ça te freine ou tu t’en fiches ?

Je ne me suis pas réellement posé la question, ça peut entre guillemets être un atout. C’est ce qui s’est passé notamment dans les CNSM pendant qu’il y a eu le covid, je pense que ça a aussi beaucoup encouragé l’inscription de candidats de l’étranger parce que ça évite un déplacement, ça évite de t’embêter. Au moins tu sais que tu travailles sur place et ça ne te coûte rien de monter un programme de premier tour. Ça va beaucoup écrémer en plus.

Quand tu t’enregistres pour ton concours d’orchestre, est-ce que tu ressens une différence quand tu joues pour ta vidéo ou pour des gens ? Est-ce que psychologiquement tu es dans le même état ?

Ça varie au fur et à mesure de la séance de travail. Notamment quand il faut envoyer la vidéo. Au début tu y vas spontanément. Tu te réécoutes et tu identifies des problèmes. Quand c’est des problèmes musicaux encore ça va mais quand c’est des problèmes techniques… Enfin quand je dis musicaux c’est de musicalité. Quand c’est des problèmes techniques ou de trucs qui accrochent ou qui ne sont pas tip top, le problème c’est qu’au fur et à mesure de l’enregistrement soit tu ne te focalises que là-dessus et tu oublies d’autres choses, soit au contraire tu te stresses, et moi et ça m’arrive beaucoup. Je stresse de plus en plus et je sais qu’il ne faut pas que je fasse des séances d’enregistrement trop longues parce qu’à la fin ça a un effet plus destructeur qu’autre chose, je me crispe et j’intègre la crispation dans le travail. Ça a pu arriver sur des enregistrements de concours notamment.

Quand tu dis que tu stresses au fur et à mesure c’est de l’enregistrement ou de la séance globale ?

Les deux. C’est le stress de ne pas avoir d’enregistrement que j’estime potable personnellement, et le stress d’arriver à jouer. Parce que disons que quand tu joues devant des gens, tu joues et puis ça passe, enfin ça s’enchaîne et tu ne t’arrêtes pas sur un truc. En enregistrement tu graves tout et tu peux revenir en arrière et t’arrêter bêtement sur un truc, c’est hyper exigeant. Je sais que ça été le cas de certains jurys au concours et ça te donne le stress de ne rien mettre à côté, alors que ça peut arriver d’en mettre une, ce n’est pas forcément stressant. Ça enlève de la spontanéité je trouve.

Comment se déroule ta séance d’enregistrement ?

Quand je suis vraiment dans le cadre d’une séance purement de travail, par exemple sur une gamme, ça m’est déjà arrivé. Tu travailles ta gamme, tu enregistres au fur et à mesure. Je travaille un intervalle précisément et au bout d’un quart d’heure je m’enregistre et j’écoute. J’identifie des trucs, je refais mieux, je réenregistre et après je monte le tempo. Quand c’est juste pour surveiller un paramètre ça marche plutôt bien. Pour les gammes par exemple c’est très bien. En fait c’est plus un outil plutôt qu’un truc que tu gardes, comme une sorte de troisième oreille. Dans le cadre d’un enregistrement, par exemple pour envoyer à mon prof, c’est bêtement le téléphone sur le pupitre et puis la partition. Je commence mon filage et soit ça se passe bien et j’écoute, soit il y a quelque chose qui ne se passe pas bien, je coupe directement et je réenchaine, je réenchaine, je réenchaine, je prends des pauses. Des fois ça va vers le mieux, des fois ça ne va pas vers le mieux. Je sens quand je sature, je pose et après j’enlève l’enregistrement, je refais calmement et j’essaye de prendre du recul, du calme. Des fois je me remets à enregistrer et ça se passe bien. Dans le cas d’un enregistrement, pour avoir quelque chose de concret, je n’ai pas encore trouvé de méthode fiable. Par exemple, je sais que dans le cadre de mes vidéos de concours ça avait bien marché pour Lyon, mes vidéos étaient très très bonnes. Je n’arrivais à rien au niveau enregistrement, j’avais fait des enregistrements avec ingénieur du son. Au final pour Lyon le règlement exigeait un enregistrement téléphone et les meilleures vidéos que j’ai faites, celles que j’ai envoyées, c’était quand j’étais en train de travailler dans ma salle, ça se passait très bien, je me suis dit tiens je vais mettre le téléphone, on va enregistrer un coup et on va voir. J’ai fait, j’ai joué comme quand je travaillais, en fait j’oubliais la présence du téléphone et là ça a très bien marché. Je pense que l’enregistrement ça marche bien à partir du moment où tu arrives à oublier qu’il est là. Tu joues comme si tu jouais devant des gens. Je pense que c’est pour ça qu’on demande d’enregistrer.

Et pour le contexte, toi quand tu as passé Lyon c’était uniquement par vidéo ?

Lyon comme Paris, d’ailleurs c’était le même programme au premier tour sur vidéo. Je n’ai pas envoyé les mêmes vidéos. Et après tu étais convoqué ou non au second tour, en présentiel.

Et pour Lyon tu avais anticipé ? Tu avais commencé par enregistrer Paris ?

Oui parce que le concours tombe après. En gros, le programme de Lyon était tombé juste avant de passer le second tour de Paris. Donc j’avais déjà monté le programme, j’avais déjà envoyé des vidéos. Je crois qu’il y avait un mois d’écart. J’avais envoyé des vidéos à Paris, de pas très bonne qualité et mon prof de Lyon qui me préparait pour le concours de Lyon, il restait 2-3 semaines, m’avait demandé de les améliorer. Et c’est ce que j’ai fait et je les ai envoyées ensuite. Après il y a eu le second tour de Paris et le second tour de Lyon en présentiel sur des programmes différents.

Tu disais que tu as fait avec un ingénieur du son ?

Oui pour Paris, j’avais des ingénieurs du son. Il n’y avait pas de restrictions d’enregistrement. C’est un peu compliqué les séances d’enregistrement comme ça parce qu’il y a vraiment le stress de la prise. D’autant plus que, tu vois quand je sors mon téléphone comme j’ai fait pour Lyon, tu prends ton téléphone et tu le sors n’importe quand. Si tu es content de ta séance de travail, tu te dis que si ça se trouve, ça vaut le coup que je m’enregistre. Tu mets le téléphone sur le pupitre, tu enregistres, ça marche. Dans l’autre sens avec un ingénieur du son tu sais que des séances tu n’en as pas tant de prévues que ça parce qu’ils ne sont pas forcément disponibles, ce qui est normal. Tu as une séance d’une certaine durée, plus ta séance passe plus tu stresses de te dire est-ce que je vais avoir un truc convaincant à l’issue de ces, admettons, trois heures d’enregistrement. C’est un exercice et je pense que ça doit être pareil pour un musicien studio pour un CD. Je pense que c’est des trucs sur lesquels on n’est pas formés, surtout à l’époque covid on n’était pas formés à ça et c’est vrai que ça joue pour certains. Surtout dans mon cas où c’était la première fois que ça se produisait. Je pense que ça peut en gêner plus d’un.

Tu penses que maintenant, j’imagine que tes méthodes de travail ont évolué depuis, tu arriverais mieux à préparer une séance avec un ingénieur du son pour que ça se passe mieux ? Ou tu préfères quand même faire seul ?

Je pense que je serai plus préparé parce que là où à l’époque c’était : je travaille, on va enregistrer avec l’ingénieur du son et voir ce que ça donne, puis on va retravailler derrière et réenregistrer derrière. Je pense que là je ne m’y prendrais pas du tout de la même manière. Je pense que l’échéance ingénieur du son je prendrais ça comme si c’était un concert, une date butoir. Qu’en fait il n’y ait pas de travail derrière et que tu joues comme si c’était le concours, et pas comme si on allait voir et écouter. Non, vraiment prêt quoi.

C’est la seule fois où tu as enregistré avec des ingénieurs du son ?

J’ai déjà fait des enregistrements de projets d’ingénieurs du son pour Paris.

Donc ce n’était pas pour toi, c’était pour eux ?

Oui et à titre personnel des enregistrements d’ensemble de musique de chambre pour à la base préparer un CD. C’est tombé à l’eau parce qu’on s’est rendus compte qu’il y a eu des problèmes d’enregistrement, de travail et de qualité musicale. Et des problèmes d’enregistrement : louer un gîte à 1 km d’une ligne TGV ça peut pourrir un enregistrement. Surtout quand c’est la ligne Paris-Lyon.

Et ce CD c’était dans quel but ?

Pour avoir des goodies à filer avec les concerts de musique de chambre. Mais de toute façon le groupe est tombé à l’eau et le CD lui-même aussi, ce n’est pas plus mal.

Quand tu parlais de tes gammes tu disais que l’enregistrement te permettait de surveiller certains paramètres, est-ce qu’une fois que tu as identifié ces paramètres avec l’enregistrement tu les entends quand tu joues ?

Oui. Du coup en plus tu peux cumuler le métronome du logiciel avec l’enregistrement et tu superposes. En fait, si je lis pour la dernière gamme par exemple, je remarquais des notes qui craquaient de manière régulière et pourquoi. Par exemple, tu sais qu’au basson admettons tu as fait ta gamme, tu as des sol# qui craquent, mais là tu entends que cette note craque de manière récurrente quand elle vient de telle ou telle note, donc ça te permet d’identifier un problème, pas juste ça craque mais pourquoi. Donc tu prends note et ensuite tu corriges et il n’y a plus. Ça permet aussi des fois de voir dans mon cas des problèmes de conduite d’air dont tu ne te rends pas forcément compte. Tu souffles et des fois tu ne sais pas si c’est bien conduit. C’est plus facile de s’en rendre compte quand tu prends du recul.

Et la qualité audio de ton téléphone te suffit pour entendre la conduite d’air par exemple ?

Oui. J’ai de la chance d’avoir un téléphone qui enregistre bien. J’avais eu un téléphone un peu plus vieux quand j’ai préparé Lyon, le micro ne devait pas être mauvais. Mon iPhone 10 avait un meilleur rendu que le Zoom, les deux ont servi en simultané. Le problème c’est que le Zoom c’est le genre de micro où si tu ne t’en sers pas dans de bonnes conditions le rendu est moins bon. L’avantage du téléphone c’est que c’est un peu moins capricieux sur les conditions d’enregistrement. Tu as toujours un truc à peu près lissé, je pense qu’il y a tellement de compression là-dedans que tu entends bien. Ce n’est pas forcément incroyable mais ça te permet d’avoir une bonne vision. Ce n’est peut-être pas fidèle à l’acoustique de ta salle mais au moins ça te permet d’avoir une bonne perception de ton instrument.

J’ai vu qu’au CNSM de Lyon ils ont un module de cours sur la prise de son. Est-ce que toi tu l’as fait ou pas ?

Module sur la prise de son ? Le fait qu’on puisse demander à un ingénieur du son du conservatoire de nous enregistrer ? On pouvait, mais il est parti à la retraite. C’est compliqué mais on peut, normalement ils ont quelqu’un. Il y a un régisseur ingénieur du son à qui on peut demander d’enregistrer, à partir de la 3^e année, une ou deux fois par an pour des concours. Du coup moi je suis pas encore en 3^e année. Pour le cours je n’en ai jamais entendu parler. Tu as une plaquette récente ? Des fois ce genre de truc c’est uniquement pour les étudiants en composition.

Là c’est obligatoire pour les étudiants en composition mais ouvert pour les autres disciplines.

C’est quelque chose qu’on prend en option, c’est en UV4. Quand tu es bassoniste, tu as le basson baroque qui te tend les bras en UV4. On s’arrache les créneaux donc j’ai préféré privilégier le basson baroque.

Tu enregistres avec ton téléphone, tu n’as pas un Zoom ou autre chose ?

Non.

Quand tu réécoutes tes enregistrements, tu écoutes avec quoi ? Directement sur le téléphone ?

En général avec des écouteurs… Ou un casque mais pas avec le haut-parleur, ce n’est vraiment pas terrible. Le but étant quand même de faire un travail sur la qualité du son et la justesse… D’ailleurs le fait de m’enregistrer m’a beaucoup fait progresser. C’est pour ça que mon prof m’aiguillait beaucoup là-dessus, parce qu’il a vu qu’étonnamment, par rapport à beaucoup d’élèves, j’ai énormément progressé pendant le covid sans avoir de cours grâce aux enregistrements de concours qui me permettaient d’avoir des repères. Donc pour lui c’est le fait que j’avais une vraie

prise de conscience sur mon son et j’ai beaucoup, beaucoup rectifié ma qualité de son, l’esthétique du son, grâce aux enregistrements.

Pour Lyon tu disais que tu t’étais enregistré pendant une séance de travail, mais tu avais quand même anticipé ta tenue ?

Je n’étais pas en tenue de concert. Je n’étais pas mal habillé. Je ne sais même plus mais je crois que je m’étais dit que pendant une semaine il fallait que je produise des vidéos donc je m’étais débrouillé pour être toujours plus ou moins en tenue et travailler en tenue.

Donc tu n’avais fait qu’une fois, tu as travaillé, tu t’es dit c’est bien, tu as enregistré et c’était bon ? Ou tu as fait ça plusieurs jours d’affilée ?

Non, j’avais plusieurs pièces à enregistrer. Il y avait un Vivaldi et une pièce moderne du 20^e siècle. Le Vivaldi n’a jamais été très problématique, c’était la pièce moderne… Elle fait 5 ou 6 mouvements et les plus difficiles sont les derniers. Ce qui fait que c’est assez frustrant à enregistrer parce que tout le début se passe très bien, mais tu lâches des trucs immondes en toute fin et tu es obligé de te retaper les 10 minutes. En fait j’arrivais toujours à produire des versions très bonnes mais toujours avec des erreurs qui ne passent pas en concours, vraiment le truc éliminatoire. Donc j’ai fait la très bonne version, ça passait tout seul. Pour moi ça a été vraiment très bien et je sais que mes vidéos ont été très bien reçues par le jury. Mais en gros cette fois-là c’était une sorte d’état de grâce. Donc tu te dis, est-ce que je vais vraiment me fatiguer à essayer de produire mieux ? Je pense que la vidéo est très bonne et qu’il faut peut-être maintenant se mettre à assurer le programme du second tour qui est en présentiel.

Tu avais déjà fait d’autres jours avant ou c’était vraiment ce jour-là coup de chance ? J’avais des trucs presque bons, c’est juste que ce coup-là c’était vraiment au-dessus. Mais je n’en ai pas refait après. Disons que ce n’était pas un coup de chance, ça fait partie de la progression de ce qu’il y avait avant.

Comment tu gérais, ça c’était sur une semaine en gros ?

Le problème qu’il y avait avec ces enregistrements, si je ne dis pas de bêtises c’est que le premier tour de Lyon est arrivé avant le second tour de Paris, qui était le concours que je visais. Il fallait que je monte des bonnes vidéos pour Lyon mais il fallait que je monte un programme donc j’essayais de ne pas trop perdre de temps avec ça.

Comment tu gérais avec ton travail pour Paris en même temps ?

Sur des journées de travail type de 5-6h, avec des sortes de petits services de 2h30 par demi-journée. Tu consacres une demi-journée à ton programme de premier tour et une demi-journée à ton programme de second tour.

Sur ta séance tu commençais par travailler et à la fin tu te disais je suis prêt, je vais enregistrer ?

Non, je chauffais l’instrument et j’enregistrais directement pour avoir un enregistrement à froid dans des conditions de concours. Je ne me fatigue pas trop à jouer, je fais une gamme pendant 15-30 minutes et je passe. J’avais des enregistrements pas mal. Après je retravaillais certains paramètres. Le paramètre en question était réglé mais le reste de l’enregistrement n’était pas forcément bon. Et dans le cas où j’ai eu un bon enregistrement c’est que j’avais fait une bonne séance de travail. J’ai dû faire mon premier enregistrement, très bonne séance de travail, pause, 30 minutes pour déchauffer, enregistrement et ça s’est très bien passé.

C’était le jour où ça marchait. Les autres jours tu réécoutais à chaque fois juste après l’enregistrement ?

Oui, pour comprendre quand même pourquoi ça marche, pourquoi ça ne marche pas, essayer de peaufiner le travail. Pas faire des enregistrements pour faire des enregistrements, ce qui est bête parce qu’au final tu as un truc qui ne va pas te servir et si tu ne t’en sers pas au moins pour rectifier le tir tu as juste perdu ton temps.

Est-ce que tu te poses la question de t’acheter du matériel ou tu n’en as pas l’utilité ? Non. Éventuellement je sais qu’ils font des micros pour le téléphone que tu branches juste à ton port lightning pour l’iPhone. Je ne sais pas comment ça marche, si c’est de bonne qualité mais éventuellement il y a ça. Je ne suis pas trop confronté à un usage plus professionnel de l’enregistrement que ça et dans le cadre d’un support supplémentaire de travail mon téléphone fait amplement l’affaire.

Tu n’es jamais passé par un logiciel de son, ou même de vidéo pour recoller ensemble ? Tu as toujours tout fait avec ton téléphone ?

Oui.

Tu places comment ton téléphone par rapport à toi ?

Quand c’était pour des vidéos de concours assez loin sur un trépied pour filmer en même temps. Quand c’est pour travailler je le mets sur le pupitre en faisant attention à le mettre sur le côté, à l’horizontale et pas à la verticale. En gros, si je le mets à la verticale les micros qui sont en dessous sont en appui sur le pupitre donc c’est étouffé. Et j’essaye de bien me reculer parce que vu que le basson ça projette dans tous les sens, si je suis trop près il n’y a que certaines harmoniques qui passent et les fuites d’air… Mes profs m’ont toujours dit que pour enregistrer un basson il faut que tu prennes le plus d’espace possible.

Et tu as dû faire des réglages sur ton téléphone, il y a un auto gain ou tu n’as rien fait ?

Non, rien de particulier.

Comme tu dis, la dynamique est compressée ?

Oui, je pense. Tu parles justement des dynamiques, les nuances ce n’est pas du tout un truc que j’évalue. Déjà ce n’est pas le but dans mon travail et je ne pense pas que le téléphone puisse aider à ça.

Et tu reconnais ton son ou pas ?

Oui mais ça justement c’est le travail que veut mon prof. Il veut que je me forge un son et ça je n’y suis pas encore. Pas vraiment on va dire.

Tu t’es habitué à ce son que tu entends mais ce n’est pas forcément ce que toi t’entends quand tu joues ?

Je n’ai pas un son fixe, j’ai changé d’instrument il y a peu de temps, j’ai changé de marque et mon prof me fait changer d’esthétique donc je n’ai pas une base stable sur laquelle je peux me reconnaître.

Et est-ce que tu as des références de son d’autres gens ? Ou d’enregistrements ? J’ai essayé d’écouter le son des enregistrements d’orchestre de mon prof. Déjà quand je veux travailler une esthétique de son au basson je vais essayer de chercher le peu d’enregistrements qu’il y a sur internet, d’orchestres avec un basson français mais c’est très ciblé sur la problématique d’un instrument.

Tu entends des différences de son entre les bassons français ?

D’un musicien à l’autre ? Pas tellement parce que ça s’uniformise beaucoup. Surtout qu’on joue tous la même marque et que chez Buffet-Crampon la qualité et le défaut c’est que c’est très neutre. Ça lisse beaucoup les personnalités de son, c’est hyper académique, c’est pareil pour les clarinettes. Donc au moins l’avantage c’est que tu sais qu’on ne va pas te reprocher des défauts mais j’estime qu’on va te trouver moins de qualités individuelles, sauf chez certains rares excellents musiciens. Mon professeur tu le reconnais parce que lui c’est un peu un cas à part.

Quand tu enregistrais par exemple avec les ingénieurs du son tu les connaissais d’où ?

C’était les étudiants en prépa son à Chalon-sur-Saône qui étaient en train de préparer les concours pour la Formation Supérieure aux Métiers du Son. C’était avec les micros à la fois du conservatoire et de Nicéphore Cité. Il y a eu en plus des problèmes de quels micros utiliser, de réglages. C’était des premières années qui m’enregistraient à l’époque et qui n’avaient pas forcément la même expérience des micros et des réglages. Et au final il y a eu beaucoup de problèmes de comment régler les micros.

Et toi le son te plaisait ?

La reconnaissance d’une bonne esthétique de son n’a jamais été mon fort donc j’ai laissé mon professeur faire.

Est-ce que tu as l’impression quand tu joues pour un micro d’adapter ton son ? Il y a quelque chose qui change ou tu joues vraiment pareil et ça ne change rien ?

À la base je ne change pas et justement quand tu fais des enregistrements pour un ingénieur du son tu t’adaptes par rapport à ce que perçoit le micro sur le rendu studio.

Tu adaptes quoi par exemple ?

Tu peux adapter ta manière de timbrer, ta justesse sur certaines notes. Il y a des fois des harmoniques qui passent ou qui ne passent pas, donc en fonction, en changeant ton placement, ta longueur de note forcément, en fonction de la réverbération qui est prise par le microphone, tu augmentes tes attaques pour détacher. Un peu comme si tu t’adaptais à une acoustique quand par exemple tu fais des répétitions d’orchestre, que tu es dans une acoustique avec telle réverbération ou qu’il n’y en a pas justement et que tu te retrouves à jouer dans une église qui a 10 secondes de réverbération. Dans ton expérience de musicien tu apprends à adapter ton attaque et c’est un peu pareil avec un micro.

C’est avec les micros, mais toi avec ton iPhone tu as moins cet enjeu j’imagine ?

Quand je m’enregistre avec mon téléphone, déjà quand c’était pour le CNSM de Lyon, le fait que tout le monde doive faire un enregistrement téléphone, tu savais que dans l’évaluation des vidéos il y avait certains paramètres qui étaient de fait éliminés, donc tu enlevais ça. Sinon quand je me sers de mon téléphone c’est plus pour travailler le contrôle d’homogénéité de son, je vais vraiment voir si chaque note est timbrée de la même manière. Et aussi le travail de la régularité rythmique, de la justesse mais pas forcément des paramètres plus fins et plus précis, vraiment de l’écoute de base on va dire.

On a déjà un peu parlé, comment tu te sens quand tu joues pour du public ou quand tu joues pour un enregistrement ?

De toute façon, que ce soit avec du public ou avec un micro, j’ai une fâcheuse tendance à être un énorme stressé, donc forcément le fait d’avoir du public et surtout un micro ne m’aident pas quand j’en prends conscience.

Donc dans les deux cas c’est pareil ?

Oui. Ce n’est pas forcément le même stress. Il y en a un où c’est vraiment le stress d’en mettre une à côté et l’autre où c’est le stress de ce que je peux dégager. Je sais que dans une performance live il peut se passer des choses et que le but c’est soit que ça ne se remarque pas, soit tant pis. Mais ça ne m’affecte pas. L’autre c’est qu’il n’y ait rien qui aille à côté.

Et tu arrives à te libérer musicalement pendant l’enregistrement ou tu es vraiment coincé ?

Ça dépend de mon état physique, de mon état de fatigue et de mon état mental au moment de la prise. Mais comme à un concert en fait. Si tu arrives sur scène et que tu sais que tu es préparé, que physiquement tout va bien et que tu as mangé, que tu te sens bien, tu stresses moins que si tu as eu ton train en retard et que tu es en stress ou que dans ta vie ça ne va pas, tu es naturellement plus crispé, forcément ça joue aussi.

Est-ce que le lieu, la salle, c’était un critère important pour toi pour enregistrer Lyon ?

Disons que j’étais au conservatoire de Chalon, donc forcément j’étais dans des salles qui avaient une bonne acoustique. Et je m’arrange toujours quand je travaille à Chalon pour être dans des salles avec une acoustique qui marchait bien pour le basson. Là où par exemple quand je m’enregistre pour le travail à Lyon, déjà quand on connaît la problématique d’avoir des salles de travail en tant qu’instrumentiste, que ce soit à Paris ou à Lyon, tu te contentes de ce que tu as. Dans notre cas, à Lyon tu te contentes des box du 4^e étage qui résonnent à mort. Ce qui fait que de toute façon tu n’as pas le choix et tu fais avec.

Tu disais que tu préférais la spontanéité de t’enregistrer seul par rapport à faire ça avec quelqu’un ?

Pour le travail ça va, sauf si c’est pour envoyer une vidéo à mon professeur parce qu’il y a forcément un côté bon élève qui n’a pas envie de se faire engueuler et qui a peur d’envoyer n’importe quoi. Mais si c’est juste pour du travail, et c’est ce que demande mon prof, il n’y a pas ce soucis là. Par contre ça peut être le travers d’un enregistrement de concours, et justement ce qui était bien avec ma prise envoyée à Lyon c’est que c’était dans la spontanéité mais que si tu cherches à vouloir absolument le truc parfait, que ça provient du fait que tu aies passé les deux heures avant à faire des prises qui étaient plus ou moins bonnes, forcément ça va peut-être s’orienter vers un truc un peu plus scolaire.

Que si tu fais avec quelqu’un ?

Oui. Enfin si tu fais devant public. Et je pense que si tu leur files le même programme pendant deux heures et qu’ils te corrigent, à la fin tu obtiendrais cette même bouillie scolaire. C’est plus le contexte du micro que le micro en lui-même.

Et la présence de quelqu’un, le fait d’avoir quelqu’un qui t’écoute, est-ce que ça t’aide ou ça rend les choses plus dures ? Dans le contexte d’enregistrer avec quelqu’un pour un concours.

Non. Si j’enregistre avec un micro ou quelqu’un derrière le micro ça ne me change pas forcément. De toute façon le problème est le même, c’est qu’il y a un micro qui t’enregistre et que tu dois l’envoyer à la fin. Pour moi c’est plus le truc qui peut intervenir.

Et le fait que quelqu’un puisse te donner un feedback ?

Ça ne me stresse pas, au contraire. Je le prends juste comme étant une aide dans le bon sens. C’est l’aide qui est là pour m’éviter d’écouter la vidéo. C’est un gain de temps. Si, justement, tu choisis une personne qui a un bon avis là-dessus, ça t’évite de perdre ton temps à réécouter ce que tu as fait. Du coup tu es deux fois plus efficace.

Est-ce que ça t’aide aussi que la personne te dise que tu es fatigué, qu’il faut faire une pause, ou ça tu arrives à le gérer toi-même ?

En général, quand ça arrive la personne ne prend pas l’initiative. Elle me confirme que je le sens venir et je demande conseil. De toute façon ce n’est pas dur au basson, quand tu commences à être fatigué tu as les lèvres qui n’y arrivent plus. En fait, ce que tu fais n’est plus bon parce que tu as une fatigue qui influe sur la justesse. Si tu ne tiens plus ton anche, tu vas avoir un autre muscle de la bouche qui va vouloir compenser, du coup pas de la même manière, et si tu tiens plus ou moins ton anche tu vas être plus ou moins haut et tu perds en stabilité de justesse, donc la fatigue ça se paye.

C’est toujours la fatigue physique qui arrive avant la fatigue mentale ?

Oui, en général.

Et financièrement, tu les avais payés les ingés son ?

Non.

C’étaient des étudiants ?

Oui.

Pour toi c’est un frein ou pas de devoir payer les gens si tu as besoin de faire une vidéo ?

Je pense que si j’ai besoin de faire une vidéo pour un concours international par exemple, comme ça peut arriver pour des cordes, ou un concours de musique de chambre, ça dépend du prix. Mais tout comme un musicien est content d’être payé, de cachetonner quand on joue, je comprends qu’un ingénieur du son qui consacre du temps de présence soit rémunéré. Ce n’est pas forcément un frein, ça dépend, c’est comme justement en fonction du niveau d’importance de ton concert tu vas être plus ou moins payé, c’est pareil. Si c’est pour un petit enregistrement sans importance je ne vais peut-être pas demander à un ingénieur du son de venir ou d’être payé. Je pense que je lui demanderais plutôt de ne pas venir parce que je comprends qu’il veuille être payé. Mais pour un CD ou une préparation de gros concours, s’il a d’autant plus un rôle de direction artistique, pour moi c’est du même enjeu que le rôle du musicien en lui-même.

Donc pour toi faire appel à quelqu’un ça dépend surtout de l’enjeu. Si tu veux enregistrer avec quelqu’un, est-ce que tu sais à qui demander autour de toi ?

L’avantage d’être passé par Chalon et de connaître les prépa son qui remplissent allègrement les promos de Louis-Lumière et du CNSM, et d’avoir été présent à Chalon depuis maintenant une dizaine d’années, c’est que ça en fait des gens à contacter, j’ai cette chance-là.

Tu ne passerais pas par l’ingénieur du son du CNSM de Lyon du coup ?

C’est galère, tu es obligé de booker six mois à l’avance et tu as des créneaux hyper courts, dans un CNSM qui n’est pas forcément adapté pour. Ce n’est pas hyper pratique. Là où je sais qu’en passant par un ingénieur du son de Paris tu peux avoir des locaux peut-être plus adaptés.

Tu avais envoyé plusieurs vidéos à ton prof pour Lyon ? Comment ça s’était passé ?

Philippe me demandait même des vidéos de travail, il me demandait de lui envoyer une vidéo tous les trois jours, c’est sa méthode. Du coup comme pour mon prof particulier, qui est son collègue à l’orchestre, je lui envoyais des vidéos et il me faisait des feedbacks. Philippe s’enregistrait lui-même sur le programme puisque c’étaient des pièces qui avaient très peu de versions, comme ça j’avais une version, en plus sur le basson français, que j’imitais au final. Parce qu’il trouve que je suis notamment bon sur le fait de recopier un geste musical. On a beaucoup travaillé comme ça par échange de vidéos.

Oui parce qu’en même temps vous n’aviez plus de cours en présentiel.

Non. Sachant que ce n’était pas mon prof aussi. C’est une tradition chez les bassonistes en France, dans les deux CNSM, de prendre les élèves qui préparent les concours gratuitement et de leur faire tout un suivi.

Est-ce que toi, si jamais tu avais accès à une formation sur le son dans ton école ça t’intéresserait ou pas ?

Pas forcément, parce que soit mes conditions d’enregistrement me suffisent, soit il y a des gens qui seront plus qualifiés que moi avec ma formation. Donc autant faire directement appel à des gens qualifiés.

Entretien n°8

Le 19/06/2023

Est-ce que tu peux te présenter ?

J’étudie actuellement la direction d’instruments à vents à la Haute École de Lucerne. Avant j’ai étudié le saxophone à la Haute École de musique de Lausanne. J’ai étudié en parallèle quand j’étais à Lausanne aussi la direction d’orchestre, c’était un double cursus que j’ai fait. Et puis je joue du saxophone et je dirige, c’est mon activité principale. Je dirais que je dirige plus que ne je joue maintenant. Je pense que je suis plus à 80% de direction et 20% de musique effective à l’instrument. Je dirige des orchestres, des chœurs, des ensembles à vent, plein de trucs.

Tu étais en classique ou en jazz en saxophone ?

J’ai fait les deux. J’ai commencé par le jazz et j’ai fait classique après. J’ai fait les deux à Lausanne.

Tu es en master maintenant ?

Non, je refais un bachelor ici.

Tu as déjà fait des enregistrements, est-ce que tu peux expliquer les différents projets que tu as fait ?

Il y a déjà les enregistrements de vidéos d’entrée qui est le premier truc que j’ai dû faire et qui consistaient à faire des vidéos pendant la période covid. Dans le cadre de mes études je n’en ai pas fait beaucoup plus que ça, par contre ce que j’ai fait beaucoup c’est des enregistrements en studio et j’ai aussi dû faire des enregistrements vidéo quand je dirigeais l’orchestre pour participer à des masterclasses. J’ai beaucoup plus fait ça que des enregistrements vraiment dans le cadre de mes études. À Lausanne en jazz on avait tout un cours de musique assistée par ordinateur donc là on a pas mal enregistré en studio, c’était assez intéressant.

Donc les vidéos d’entrée tu as fait ça en 2020 ?

Pour Lucerne. En fait, avant, on ne devait pas faire de vidéos, c’était la nouveauté covid donc j’ai dû faire ça en 2020 oui.

Tu n’avais fait que Lucerne ?

Oui, j’ai enregistré des vidéos seulement pour Lucerne. Cette année-là, je n’ai fait que Lucerne et je suis rentré ici. C’étaient des vidéos où on devait diriger en fait. Il y avait une répétition et un concert, on devait se filmer en répétant avec l’orchestre et en faisant une œuvre de A à Z en version concert, ou un mouvement, je ne me rappelle plus.

Comment tu faisais avec le covid pour répéter avec un orchestre ?

En Suisse on avait quand même la possibilité, en tout cas à cette période-là précisément de pouvoir le faire. Je me rappelle qu’il y avait les cordes avec les masques et les vents qui devaient être à distance. C’était assez compliqué pour placer les micros.

Pour ça tu as fait appel à quelqu’un pour le faire ?

Non, je l’ai fait moi.

Comment ça s’est passé ? On peut commencer par la technique.

Alors les enregistrements d’orchestre, je dirais que j’en ai bien fait une quinzaine maintenant, donc je commence à connaître un tout petit peu. Je ne parle vraiment que pour moi, je n’ai rien fait de professionnel. Je te parle de devoir enregistrer quelque chose de précis pour pouvoir participer à une masterclass ou à un cours. Dans ce cadre-là j’en ai fait pas mal. Ça devient toujours mieux. Sinon en termes techniques j’utilise Protools par principe, c’est là-dessus que j’ai étudié à Lausanne. Comme micros j’avais des AKG C414 pour les cordes et les bois. Sinon j’avais mis des micros d’ambiance, j’avais mis des Shure KSM141.

Tu as une carte son ?

Oui, j’avais une carte son. C’est toujours du matériel que j’empruntais, ce n’est pas le mien. J’avais un copain ingénieur du son qui me prêtait son matériel.

C’est lui qui te conseille les micros aussi ?

Oui en fait il était assez cool parce qu’il savait bien que ça ne devait pas être quelque chose de professionnel, du coup il me conseillait et il me disait comment les placer. Après j’ai fait moi et j’ai appris un peu sur le tas.

Comment tu places les micros ?

Chez les cordes et les bois j’utilise les mêmes micros et je les mets à peu près la même chose, parce qu’ils n’ont pas la dureté des cuivres et percussions vu que ce ne sont pas des micros dynamiques, je veux dire qu’il faut quand même faire un peu attention, et puis ça ne sonne pas terrible sinon. Du coup je les mets relativement proches en fait, enfin dessus.

Par exemple sur les cordes ?

Oui j’en mets un par registre. Je revenais un peu au vieux système d’orchestre européen, je mettais 1^ers violons à gauche et 2^nds à droite pour que ça ne se noie pas trop et je trouvais que c’était plus facile à mixer après.

Donc tu as cinq micros cordes ? Et les bois ?

Les bois je mettais aussi par famille d’instruments.

Et cuivres et percussions rien ?